CV/articles en ligne de Violaine Schütz

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2010-11-11T03:52:00.001-08:00

Désormais, toutes les news ne seront plus que sur :
http://nightssout.blogspot.com/

Papiers clubbing pour Trois Couleurs

2010-11-11T03:40:00.000-08:00

http://www.mk2.com/pdf/3couleurs_86.zip
http://www.mk2.com/pdf/3couleurs_85.zip
http://www.mk2.com/pdf/3couleurs_84.zip
http://www.mk2.com/pdf/3couleurs_83.zip

More about Trois Couleurs :
http://www.mk2.com/troiscouleurs/

Some records reviews for Tsugi

2010-11-11T03:09:00.001-08:00

http://www.tsugi.fr/index.php?searchword=violaine+schutz&option=com_search&Itemid=5

Waves Machines chronique pour Tsugi

2010-11-11T02:55:00.001-08:00

Wave Machines

13-08-2010

Wave if you’re really there (Neapolitan/Guess What)

Wavves, The Shortwave Set, The Wave Room, The Wave Pictures, au bout d’un moment, on a fini par se noyer dans un ruisseau : trop de groupes surfaient sur la vague du patronyme maritime sans être le raz-de-marée pop annoncé. Pour les Wave Machines, originaires de Liverpool (le sang des Fab Four coule donc dans leurs veines), il devrait pourtant en être autrement. Mélangeant la fraîcheur tropicale de la scène lo-fi chillwave américaine aux arrangements synth pop 80’s de Cut Copy, et à un art de la mélodie pop qui se retient typiquement british, le groupe pourrait avec son premier album, Wave if you’re really there, fait chavirer bien des coeurs. “You say the stupidest things” a la fraîcheur poétique de groupes de twee pop oubliés (Lotus Eaters, Atzec Camera), “I go I go I go” est un tube renversant comme si Phoenix nageait un crawl avec Gorillaz et MGMT. Le désabusé “Punk Spirit” (“Where is my punk spirit when I need it ?”) évoque un Pete Doherty animé de la verve ironique d’un Morrissey. Il n’y a bien que les Anglais qui savent faire ça : de la pop qui fait bouger les pieds en même qu’elle nous inonde d’une vague mélancolie. (Violaine Schütz)

Micachu and the Shapes / Chronique pour Tsugi

2010-11-11T02:54:00.001-08:00

Micachu & The Shapes

16-07-2010

Jewellery (XL/Beggars/Naïve)

Chaotique, foutraque, baroque et bancal, le premier album de Micachu & The Shapes (deux filles et un garçon), Jewellery, n’est pas à mettre entre toutes les oreilles. Cela s’explique en partie par le parcours de sa leadeuse, Mica Levi, jeune Anglaise de 21 ans qui a suivi des études de musique classique au conservatoire avant de composer une symphonie pour l’Orchestre philarmonique de Londres. Lui en reste un certain goût pour le désordre et les expérimentations en tout genre. Mica chante comme un homme, bidouille des bribes de mélodies rock, folk et électro, invente des instruments (elle a fabriqué une guitare qu’elle a appelée “chu”), convie un aspirateur (“Turn Me Well”) et même quelques verres cassés. Une démarche qui n’est pas sans rappeler celle du turbulent Matthew Herbert, qui produit justement ce premier essai. Le résultat ? Parfois c’est aussi obscur qu’une performance arty ratée (le cri de “Sweetheart”), à d’autres moments c’est mignon comme du Cocorosie possédé par le démon (“Curly Teeth”). Mais dans tous les cas, on ne pourra pas reprocher à Micachu son manque d’originalité, de recherche ou de prise de risques. Sans crier à la perle rare, Jewellery est de ces joyaux bruts qu’on mettra beaucoup de temps à tailler. (Violaine Schütz)

Interview exclusive : un Phoenix raconte le concert avec Daft Punk à New York pour Tsugi

2010-11-11T02:53:00.001-08:00

Interview exclusive : un Phoenix raconte le concert avec Daft Punk à New York

29-10-2010

C'était l'événement musical de la semaine dernière, et l'un des membres de Phoenix, Deck D'Arcy, a accepté de revenir sur ce concert déjà mythique. Une jolie exclu rien que pour vous.

Le 20 octobre, dans la gargantuesque salle new-yorkaise du Madison Square Garden, Phoenix était le premier groupe français à jouer live devant 28000 personnes. Mais ce n'était pas le seul événement d'anthologie. Pour le rappel, leurs amis d'enfance Daft Punk, absents sur scène depuis quatre ans les ont rejoint pour un « boeuf » entre copains. Réaction à chaud de Deck D'Arcy (basse, clavier) de Phoenix, en direct de Miami pour la dernière date américaine du groupe.

Peux-tu nous raconter le Madison Square Garden, de l'intérieur ?

Ce qui nous a fait plaisir c'est qu'on a réussi à amener notre truc, à rester nous-mêmes, dans une salle qui n'est pas vraiment faite pour jouer. Normalement il y a des choses sur-humaines comme Paul McCartney. On n'est pas censés jouer dans ce genre de salle. En fait on était surtout content car on a pu jouer avec des groupes qu'on adore comme Wavves et Dirty Projectors, qui ont composé l'un des disques qu'on a le plus écouté en 2010 (avec l'album de Girls). On voulait faire une affiche complètement bizarre et inédite par rapport au Madison Square Garden. Dans un lieu aussi grand, on peut se permettre des choses jamais faites avant. Du coup on a installé tout un système de lumières au plafond, qui n'avait jamais existé là-bas et pour une fois tous les plans qu'on avait prévu ont fonctionné. Et puis il y avait les Daft ! En fait c'est étrange de jouer avec des amis avec lesquels on a pas fait de live depuis longtemps. Le dernier concert avec eux c'est quand on avait 15 ans, au début des années 90, au moment où Laurent jouait dans Darlin' (groupe associant des membres de Phoenix et Daft Punk avant que les deux entités actuelles ne se forment, ndlr). Depuis on avait jamais rejoué ensemble alors qu'on avait chacun plein de concerts et une carrière de chaque côté. Ça faisait vraiment bizarre, après tout ce temps.

L'idée est venue de qui ?

C'était une idée à laquelle on pensait depuis un petit moment. Les Daft qui vivent aux Etats-Unis sont venus nous voir en live et ça a du leur donner envie. Un mois avant on était à Hollywood, on a fait une grosse salle, le Hollywood Ball, et on a failli le faire là-bas car les Daft habitaient juste à côté. On l'aurait bien fait à Paris, mais il n'y avait pas de date de prévue à ce moment-là. Deux semaines avant New-York, on s'est décidé. On ne l'a dit à personne, on a vraiment essayé de garder le secret jusqu'au dernier moment et apparemment les gens ne le savaient pas.

Quelles ont été les réactions immédiates du public ?

Ce qui est drôle c'est qu'on ne s'en est rendus compte qu'en matant les vidéos youtube. Et là c'était très amusant d'entendre crier « Oh my god ! ».

Vous aviez répété avant ?

Oui, mais en fait les Daft ont fait comme d'habitude, des mash-up's. On a très peu répété ensemble, mais ils ont beaucoup travaillé de leur coté. Et ensuite ils ont mis leur musique sur la nôtre.

Ils ne sont donc pas devenus inaccessibles ?

Pas du tout ! On s'est moins vu car ils habitent aux States et nous en France, mais ils sont toujours les mêmes.

Deux groupes d'envergure internationale peuvent donc encore se faire un « boeuf entre copains » ?

C'est toujours notre idée de rester amateurs, de ne pas devenir trop professionnels. On a abordé le Madison comme on aurait fait la Boule Noire. Et le lendemain, on jouait dans un bled, devant 300 personnes. C'est ça qui est cool!

Propos recueillis par Violaine Schütz

Zola Jesus - Chronique pour Tsugi

2010-11-11T02:52:00.001-08:00

Zola Jesus

02-11-2010

Stridulum II (Souterrain Transmission/Pias)

Une décennie de chanteuses à guitare minaudeuses ont fini par nous fatiguer. Zola Jesus apparaît donc comme une sauveuse. Physique dangereux, voix inquiétante, mélodies ambitieuses, l’Américaine Nika Roza Danilova alias Zola, 21 ans, est un peu l’anti-CocoRosie. Plus authentique que Bat for Lashes, moins fashion que Fever Ray, elle fait l’effet - viscéral et dévastateur - d’une Siouxsie jeune. Même look d’ado gothique, mêmes cordes vocales qui prennent aux tripes, même présence sépulcrale. Stridulum II, son troisième album, rappelle ce que le deuxième The Horrors était à 2009 : un retour aux années corbeaux sans cliché crucifix ni gimmick chauve-souris. Ce n’était pourtant pas gagné pour la demoiselle tant son premier essai, New Amsterdam, de la new wave pour les nuls et les fans de Twilight, noyé dans les arrangements lo-fi, ne cassait pas trois roues à un corbillard. “Night” ouvre une traversée des abîmes plus passionnante, entre atmosphères synthétiques minimales de veillée funèbre et basses lourdes façon Joy Division. L’an dernier, l’ex-étudiante en philosophie du Wisconsin déclarait se demander chaque jour pourquoi elle restait en vie. La beauté organique de Stridulum II laisse à penser que la musique devrait toujours être ça, une affaire de vie ou de mort. (Violaine Schütz)

http://www.tsugi.fr/index.php?option=com_content&task=view&id=4025&Itemid=9

Bonbon Nuit 3

2010-11-02T04:35:00.001-07:00

http://issuu.com/lebonbonnuit/docs/lebonbonnuit3

Interview inédite d'Helena Noguerra réalisée en 2006

2010-10-22T10:50:00.000-07:00

Propos recueillis par Violaine Schütz

Quel est ton premier souvenir de soirée, de night-club ou de concert ?

J'ai quinze ans, je viens de défiler dans une boite de nuit à Bruxelles, le Mirano et après le "boulot" je reste danser avec mon petit ami. Comme une soirée volée.

Quel est ton meilleur souvenir de soirée ?

Une boum -chaussette chez moi. Tous les amis dansaient en chaussettes avec le volume du son a 2. Nous nous sommes follement amusés!

Quel est ton pire souvenir en club ?

Je n'en ai pas !

Aujourd’hui, quelle est la soirée ou ton lieu préféré pour faire la fête ?

J'aime bien aller au Baron, par facilité, parce que j'y connais des gens et que j'aime bien la musique surtout quand c'est Olympia Le Tan qui mixe.

Quelle est selon toi la meilleure musique/chanson pour faire la fête ?

Les Supremes, Blondie, Aretha franklin, Michael Jakcson....parce que ça swingue pardi!

Quelle est la chose la plus folle que tu aies faite lors dune soirée ?

Enlever mon tee-shirt ou mon pantalon....

Quel est le dernier morceau/album/groupe qui tait séduit ?

Le volume courbe.

Quel est le premier disque que tu as acheté ?

« Denis Denis » de Blondie à 10 ans.

Quels sont les DJs que tu connais et apprécies ?

Olympia et un monsieur qui porte une moustache et que j'appelle donc monsieur moustache, parce que je ne connais pas son nom....

Quel est le dernier cd de musique électronique que tu as acheté ?

LCD Soundsystem !

Quelle est ta boisson préférée ?

L'eau! Ou le champagne pour l'ivresse.

As-tu un truc contre la gueule de bois ?

Se faire vomir en rentrant! Très classe!

Qu’est-ce que tu n’aimes pas dans le monde de la nuit ?

Mon impudeur quand l'alcool a pris trop de place, rentrer chez moi, les discussions, je préfère danser

Selon toi, quels sont les ingrédients essentiels qui transforment une fête banale en événement inoubliable ?

Si on rit? Si on danse beaucoup? Alors, c’est gagné !

Old clubbing interview for Trax magazine

2010-10-22T10:43:00.001-07:00

Quelques articles écrits pour REDUX

2010-09-23T02:47:00.000-07:00

Phoenix http://www.reduxmag.com/bestof32/pageflip_v213_dynamic.swf
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Joakim http://www.reduxmag.com/bestof33/pageflip_v213_dynamic.swf

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Fortune http://www.reduxmag.com/bestof35/pageflip_v213_dynamic.swf

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La Roux http://www.reduxmag.com/bestof31/pageflip_v213_dynamic.swf

Lonelady Interview - Paru dans le magazine TSUGI de mars 2010

2010-07-29T03:50:00.000-07:00

Lonelady

La dame noire

Texte : Violaine Schütz

Les cheveux de La Roux, le franc parler du Gossip et la noirceur galvanisante de The Horrors, Julie Campbell alias Lonelady a tout de la « next big thing ». Mais la Mancunienne signée chez Warp ne jure que par The Fall, Wire et le côté sombre de la force. Rencontre avec une cavalière solitaire.

Tu es une femme qui fait du rock sur un label où on trouve en majorité des hommes et de l'électronique, comment vis-tu ta signature chez Warp?

Ça doit être mon côté « seule contre tous », « lonelady » (rires). J'ai choisi ce pseudo pour signaler l'idée de chasseur solitaire mais aussi pour l'idée du masque. Si je m'étais appelée Julie Campbell, tout de suite ça faisait chanteuse qui se prend au sérieux. Lonelady, c'est quand plus soft, et mystérieux.

Tu es chanteuse et guitariste, as-tu toujours voulu être musicienne ou du moins artiste ?

Enfant, j'étais persuadée que je ferai quelque d'artistique plus tard parce que je passais des heures à dessiner dans mon coin et que tout le monde trouvait ça un peu bizarre. J'ai choisi des études d'art à l'université que j'ai fait durer le plus longtemps possible pour ne pas avoir à me confronter au monde réel. J'étais bien contente d'avoir ce prétexte pour pouvoir continuer à apprendre des choses et à être créative sans qu'on me tombe dessus. Je jouais dans un groupe et organisais en même temps des expositions de mes dessins, peintures, sculptures. Et j'écrivais des poèmes dont certains publiés dans des revues d'art obscures dont une montée avec mon frère, et assez peu rentable. Tous les boulots que j'ai eu comme rentrer des données sur informatiques sur un ordi m'ont rendu dingue. Je n'ai jamais réussi à avoir un job à plein temps...

Et pourquoi avoir choisi la musique alors au final, et pas les arts plastiques ou la poésie ?

Écrire des poèmes et des paroles, c'est la même chose : tenter de traduire de l'intimité confuse en quelque chose de plus abstrait, d'un minimum universel et de pas trop cru. Pour la musique, en fait, je me suis retrouvée à un moment, en 2005, avec une boite à rythme et une guitare seule chez moi, avec pas grand chose à faire. J'avais un quatre pistes et j'ai pu faire des enregistrements très vite. Avec mes maquettes diy assez cheap, j'ai démarché les magasins de disques et les bars pour y jouer. Je ne pouvais pas faire de concert en dehors de Manchester car j'avais ni permis de conduire. Il me semble même avoir passé, désœuvrée, une petite annonce sur myspace à ce moment là pour trouver un chauffeur (rires).

Tu as grandi à Manchester, à quel point ça a influencé ton premier album, Nerve Up?

Je suis née là bas, j' y ai toujours vécu, et je compte pas me casser d'ici de si tôt. L'histoire musicale très riche de Manchester est omniprésente, mais en filigrane. Les Mancuniens ne sont pas dans la commémoration visible. La ville a beaucoup changé, tout a presque été détruit de cette période. Je ne voulais pas enregistrer l'album dans un studio normal et j'ai cherché partout un immeuble où je pourrais me reconnecter avec cette atmosphère passée. J'ai finalement trouvé une sorte de bunker, un moulin vide près d'un canal. J'y ai enregistré le disque seul, pendant 21 jours, avec quelques visites de Guy Fixsen, qui a produit l'album (et aussi les Breeders, Stereolab, My Bloody Valentine, ndr). J'y ai construit un studio complètement isolé de mes mains, dans lequel j'enregistrais dans le noir et le froid pour arriver précisément au son que je voulais.

C'est quoi la grosse différence entre Manchester et Londres?

Si j'avais vécu à Londres, je n'aurais rien enregistré. L'industrie londonienne est une machine écrasante où les médias et l'aspect financier règnent en maitres. Tu es obligée de penser à la réception d'un morceau, à son audience potentielle et à comment tu te situes dans la scène actuelle au moment même où tu l'écris, à Londres, ce qui perturbe la donne dès le départ.

Et que penses tu de la musique anglaise d'aujourd'hui?

Tous les groupes se ressemblent. Il y a quelques années, tous voulaient être les nouveaux Joy Division, puis les Libertines, et ensuite les Arctic Monkeys. Les labels veulent signer des émules des derniers groupes qui marchent pour diminuer les risques et vendre tout un idéal de vie autour d'eux. Je lis pas le NME parce que ça me déprime. Au départ on fait de la musique parce qu'on se sent différent et au final on tombe dans l'uniformisation.

Ton album reflète des influences très 80's, pourquoi es-tu si attachée à cette période?

J'aime l'anxiété « nerf à vif » contenue dans cette période musicale de la fin des 70's et du début des 80's. Les sons de guitares nerveux du post-punk, la brutalité de Pil, The Fall, Gang Of Four et Wire (dont Julie a depuis assuré les premières parties anglaises en 2008, ndr), les premiers REM, A Certain Ratio, Joy Division, Pylon. Ces groupes avaient de l'énergie dans leur désespoir, du panache, de la flamboyance. Ce n'était pas de la musique « facile ». Mais il m'arrive aussi d'écouter Judy Garland (rires).

Qu'attends-tu exactement de la publication de ce premier album?

Je ne cherche pas à devenir quelqu'un ou la nouvelle Lady Gaga (de toute façon j'ai pas le look de l'emploi). Cet album n'est qu'un documentaire de quelques années de vie, mais qu'il entre chez quelqu'un qui l'achète (parce que sans être contre la technologie, il y a plus bandant que télécharger une chanson) et fasse partie de ça vie, rien que ça, ce serait déjà pas mal.

Nerve Up (Warp)

www.myspace.com/hiholonelady

Brazilian Girls - Article publié dans Trax février 2007

2010-03-13T06:33:00.000-08:00

Brazilian Girls

texte par Violaine Schütz

Non, les Brazilian Girls ne sont pas des Brésiliennes chaudes comme la braise. Mais ça n’empêche pas le quatuor new-yorkais d’être sacrément sexy et culotté. Dynamité par la sculpturale Sabina Sciubba, le dub cool du second album des Brazilian Girls est même aussi bombesque qu’un troupeau de naïades échoué sur une plage de Sao Paulo. A condition d’aimer les mixes explosifs...

Heure très tardive dans un petit club londonien. Les Brazilian Girls montent sur scène. Leur chanteuse, presque nue, mais recouverte d’un voile lui masquant le visage se dessine au rouge à lèvres une bouche et des yeux sur le tissu …Une image troublante, qui accentuée par une lounge music polyglotte à la sensualité toute latine, ensorcèle et interpelle la horde d’ Anglais déjà bien alcoolisés. Bossa nova d’un autre millénaire ? Electro-salsa-funk ? Samba-dub-punk? Le premier album éponyme des Brazilian Girls, sorti en février 2005 avait déjà éveillé les questions de style et brouiller nos pistes auditives. Mélanges savoureux de dance tropicale et de pop plus occidentale, les rythmes chaloupés et plein d’humour des Brazilian Girls draguaient sévères, un peu putassiers, mais séduisaient facilement. Le deuxième album, Talk To La Bomb, enregistré dans le studio d’Hendrix (l’Electric Lady à New York) affine le propos. Moins house que son prédécesseur, Sabina Sciubba, la chanteuse du quatuor, le définit comme une bombe « melting pop » et « emo electro ». « Emo c’est pour « émotionnel ». » Et en la rencontrant, on n’est pas au bout de ses émotions…

La cynique perverse

Formé en 2003 à New York, les Brazilian Girls se sont rencontrés au Nublu, un « tout petit club de l’East Village. Le propriétaire est moitié suédois-moitié turque et il a épousé une Brésilienne. Son lieu est un endroit très spécial et cosmopolite : on y trouve des vieux poètes de la beat generation, des mannequins droguées (pléonasme ?), des branchés, des DJ’s, des peintres, bref des artistes de tous les âges ayant pour seul point commun l’envie de s’évader et de recréer quelque chose d’amusant et d’innovant ».

Comme les Brazilian Girls qui avant de jammer ensemble, écumaient chacun des milieux très différents. « Jesse, le bassiste, jouait dans un groupe de punk. Aaron, le batteur, officiait avec des musiciens argentins venant du tango. Le claviériste, est natif de Buenos Aires et c’est un fan de jazz. On a ensuite tout mélanger de manière très démocratique. »

Mais Sabina donne seule ses interviews. Sans doute parce que c’est la créature la plus stupéfiante du groupe. Née à Rome, elle a parcouru le monde, chanté à l’âge de 13 ans dans une formation jazz, vécu à Nice avec sa mère peintre. Du coup, elle chante en cinq langues et répond à nos questions dans un parfait français. « J’ai vécu un peu partout, notamment à Munich, où je faisais l’actrice à la télé. J’ai aussi joué dans un film d’Amos Kollek récemment. Je ne m’enflamme pas trop parce que je n’ai vu aucune image et que je redoute le résultat. Je jouais une chanteuse d’origine allemande et arabe à l’opposé de l’héroïne, une jeune chanteuse innocente arrivant d’Israël et qui manque de mourir à cause de la cocaïne que je lui donne. Dans ce film, je suis la cynique droguée et perverse, toujours en train de fumer de l’herbe. On se demande pourquoi ?»

Des chattes et de l’herbe

C’est que le groupe a toujours eu à dealer avec cette image un peu « fumeuse ». Le refrain du tube qui les a rendus célèbre disait à peu près ceci : « Pussy, pussy, marijuana ». « Pour beaucoup, nous sommes le groupe qui a chanté « Pussy marijuana » ! On nous passe tout le temps des joints sur scène. Parfois, j’ai presque envie que la police s’en mêle. Ca me forcerait à retourner en Europe ! Je plaisante. Mais aux Etats-Unis, ce titre n’a pas la même valeur qu’ailleurs. « Pussy » ne peut pas passer à la radio, ni à la tv là-bas; Pourtant, il ne parle pas de sexe mais de censure et d’hypocrisie, il s’agit juste de provoc’. Pour moi tout est permis. Tout le monde a besoin de drogue. Les gens qui n’en prennent pas sont nymphomanes ou se goinfrent de chocolat. Chacun a ses vices !»

Sue Ellen à poil

Surnommée « Sue Ellen » par des tourneurs, Sabina s’est dernièrement pourtant un peu calmer. « Quand tu tournes, c’est important de se créer un espace de calme et de ne pas trop faire la fête. J’ai tellement tiré sur la corde la première année, que j’en suis sortie épuisée. Les mecs continuent eux : peu de sommeil, beaucoup d’alcool, ils ne vont pas faire de vieux os, c’est sûr ! (rires) Parfois c’est dur de voyager avec sept mecs sur un bus ! J’ai envie de parler de Tampax et d’avoir des amies ! » Mais quelques verres plus tard, Sabina se laisse aller : « J’ai grandi avec un grand manque de tabous. Chez moi, à Rome, on pouvait parler de tout. Les Italiens emploient tous les trois mots celui de « chatte ». C’est pour ça que j’aime vivre aux Etats-Unis, pour ridiculiser les gens prudes, qui en oppressant, engendrent la perversion. Récemment, j’étais à Porto Rico sur une plage, nue, car j’avais oublié mon bikini. C’était désert à part un vieux couple d’américains scandalisés dont la femme a écrit dans le sable « no nudes » alors que je me baignais. Quand je suis sortie, elle a commencé à m’insulter : « Les gens ici… » La plage était totalement vide. C’était quoi son problème ? Elle n’a pas aimé la manière dont son mari me regardait ou bien ? » C’est ça le problème avec les bombes…toujours prêtres à exploser !

Talk To La Bomb

(Verve Forecast)

www.braziliangirls.info

www.myspace.com/braziliangirls

Edito de Kultorama - printemps-été 2010 - thème "The Escape"

2010-02-26T03:05:00.000-08:00

L'échappée belle

Ça a commencé sournoisement. Il y a quelques mois de cela. Un premier pote annonce qu'il quitte son super job dans une super boîte avec de super responsabilités (et un super stress) pour faire de la sophrologie. Une amie lui emboite le pas : Ancienne programmatrice d'un gros club, elle veut se consacrer au tricot pour animaux et faire des massages à domicile, une autre connaissance démissionne d'une grosse agence de pub pour faire du folk de barbu. Quand c'est pas un ami d'ami qui arrête la musique pour faire du fromage bio dans un bled près des Pyrénées. Moi même, sur les conseils d'un ami DJ je me renseigne pour faire une retraite de quelques jours dans une abbaye. Comment en est on arrivé là ? Trop de raclettes entre amis annulés, trop de piles de livres fabuleux en retard, de disques (mp3) qui s'entassent dans le disque dur, de trajets en métro pénibles à se regarder en chien de faïence, de mauvaises blagues de bureau entendues à la machine à café. Et c'est pas prêt de s'arranger...le lip dup de l'UMP, la crise généralisée, le taux de chômage (et surtout les employés du Pole Emploi), les photos de traders rougeauds, autant de plaies qui n'inspirent qu'une chose : la fuite.

Il y a quelques jours justement ma mère (marseillaise) me parle d'un certain Henry Quinson, devenu le nouveau héros local depuis la publication de son autobiographie au titre évocateur Moine des cités, De Wall Street aux Quartiers-Nord de Marseille (éditions Nouvelle Cité/Prix 2009 de littérature religieuse). Le type enchaîne les télés et les radios en racontant sa vie. Son histoire? Ce franco-américain était un jeune banquier d’affaires (le golden boy typique) qui gagnait et flambait des millions de dollars avant de tout plaquer pour vivre dans un monastère en Savoie et habiter ensuite une cité HLM dans les Quartiers-Nord de Marseille. Il y a fondé une fraternité d'aide et d'échange. « Ce lundi matin 16 octobre 1989, je ne peux résister à la force qui m’habite. Je me lève : je dois démissionner… » raconte il dans son livre. Ca fait rêver. Et réfléchir. L'histoire du mec qui en a marre de sa putain de vie, plaque tout…et ne se retourne pas. Jamais.

Sans avoir suffisamment de couilles (ou d'armes ou de vêtements de cuir assez rutilants) pour exploser le système, on se calme les nerfs, on s'évade en écoutant le courant musical à la mode, la « chill wave ». Ca fait quelque temps qu'on n'écoute plus que ça, qu'on a d'yeux que pour la musique baléarique, tropicale ou cosmique. Le prochain Vampire Weekend s'annonce afro-pop, les percussions entendues chez Damon Albarn et ses derniers projets nous font prendre la tangente vers une contrée ensoleillée, et plus récemment Friendly Fires, Wavves, Neon Indian, Washed Out, Memory Cassette ou Fool's God enchantent par leur exotisme. On appelle ça l'escapism chez les Anglo-saxons: face à la crise, on fantasme un ailleurs musical meilleur.

En attendant, pour fuir un peu le morne quotidien, voici déjà une solution altenative, la lecture de ce numéro du Kultorama sur le thème « the escape » (du titre de la collection Kulte). On s'évadera avec un article sur la théorie du savoir revivre de Jacques Massacrier (principale influence sur cette thématique), la folie douce et la pop qui voit loin de Maman Records, les rythmes exotiques de Get Back Guinozzi!, le maxi galactique de Jan Turkenburg (le bien nommé « In My Spaceship »). On rêvera avec les illustrations poétiques de Stephane Manel. On se lovera dans du coton bio et on fera connaissance avec le magazine gratuit et « open-mind » Redux. Bon voyage!

Violaine Schütz

The Horrors - Chronique publiée dans le TSUGI n°19

2010-02-26T03:03:00.000-08:00

The Horrors
Primary Colours (XL/Beggars)

De The Horrors, on a une image d'Épinal. Celle de cinq freaks anglais complètement goth (ils portent tout l'attirail croix-redingote noire et mascara qui coule du Dracula moderne), jouant un rockab de corbac (sur un premier album, plutôt flamboyant, « Strange House » sorti en 2007). Mais rien, si ce n'est un clip signé du grand Cunningham (ressorti d'une retraite spécialement pour leur beaux yeux cernés pour filmer leur tube punk « Sheena is a parasite » et devenu depuis leur co-producteur) ne laissait présager de quoi était vraiment capable le sanglant quintet. Dès les premières notes- incroyables de panache- de « Mirror's Image », l'entrée fracassante de leur nouvel album, Primary Colours, Bauhaus se retire, pour accueillir une densité électronique digne de Brian Eno. Dès lors, la redingote anthracite côtoiera systématiquement la lumière du jour, celle d'un jour nouveau, celui de l'illumination analogique. Alors certes les guitares sont toujours grinçantes (« Three Decades », du Interpol au sommet) mais l'orgue hypnotique (celui de Nico, période new-wave) et dansant lui vole constamment la vedette. Dans un donjon troué de lumineuses envolées shoegaze, la voix ressucite Ian Curtis et les Chameleons, mais la basse swingue, la pop lyrique (école Echo & the bunnymen) s'en mêle, et Geoff Barrow (de Porstishead) à la prod, berce le tout d'une belle douceur dub. On le savait certes depuis le plus premières heures du post-punk, la mort peut danser. Mais on ignorait encore qu'en 2009, elle pouvait enchaîner des chorés aussi magiques. De la « dance » macabre magnifique, voilà ce que ces cinq horreurs ont inventé avec leurs couleurs primaires. Et aucun kid fluo n'a jamais fait plus beau ! (Violaine Schütz)

Boys Noize Interview - Papier publié dans TSUGI

2010-02-26T02:59:00.000-08:00

Boys Noize

Revolution 808

Texte de Violaine Schütz

On croyait l’Allemagne complètement minimale, et puis, il est arrivé : Boys Noize. Nom pluriel cachant un seul homme, Alex Ridha, jeune Berlinois multi-facettes qui depuis deux ans fait figure de plus belle promesse électronique mondiale. Confirmation avec un premier album rare, entre techno élitiste et funky-électro-rock pour tous.

“Je fais de la “power-electronic-banging-techno”. Oubliez toute cette merde de new-rave. Ici commence la fête techno”! Boys Noize, 24 ans, n’est pas peu fier. Mais il a les moyens de son discours. Non seulement son premier album, Oi Oi oi -que l’on attendait impatiemment après deux ans de maxis et remixes rutilants- ne déçoit pas, mais il prouve aussi qu’il y a un après Justice. Rencontre avec le nouveau petit prodige du compresseur et de la roland tr-808 qui compte parmi ses fans les Daft, Erol Alkan, The Rapture, Marilyn Manson…Et peut-être vous.

Le grand frère

Hambourg. Son lac artificiel, ses espaces verts, ses petits vieux et son ennui profond. Alex Ridha, ado errant dans la ville ne sait pas trop quoi faire de ses journées et de sa créativité débordante. A 14 ans, il tague les murs d’Hambourg de mots forts et prometteurs. Parmi eux, « Boys Noize ». L’Allemagne est bien calme, mais déjà le garçon rêve de bruit et de fureur. Un grand frère de 10 ans son aîné lui fait alors écouter de la house de 86-87 sans qu’il ne sache encore qu’il s’agit de musique électronique. « Mes parents m’avaient inscrit dans une école de piano à 12 ans. Mais moi, je voulais jouer de la batterie à tout prix. Du coup j’ai appris tout seul en écoutant mes morceaux préférés et en essayant de les reproduire. Et puis, à 14 ans, j’ai trouvé un logiciel tout pourri sur mon ordinateur pour faire des tracks. J’ai écrit mon premier morceau à 16 ans dans le studio d’un pote. La sensation ressentie en créant des morceaux entièrement tout seul a été si forte que je n’ai pas dormi beaucoup pendant deux semaines, durant lesquelles j’ai enregistré 15 chansons. C’était fantastique comme sensation ! »

Berliner

A 21 ans, amoureux, Alex, qui a appris les techniques de production en cinq ans, déménage à Berlin pour suivre sa petite-amie. C’est là qu’il commence vraiment Boys Noize. Remarqué dès 2003 par Dj hell, qui signe son premier maxi sur son label Gigolo, il devient rapidement un jeune DJ over-booké (du Japon aux USA en passant par l’Australie), multipliant ses productions sous son nom ou d’autres pseudos (comme Puzique). Mais ce sont surtout ces remixes qui attitrent l’attention. Ceux qu’ils signent pour Depeche Mode, Bloc Party et Kaiser Chiefs imposent son style à la fois rude et groovy, avec quelque chose de punk et de surpuissant à la fois dans sa manière de maltraiter les pointures rock dans le monde entier. Sa plus belle relecture demeurant celle du « My Moon, My Man » de Feist, somptueuse rencontre entre la brutalité rentrée du premier et la sensualité trouble de la comparse de Gonzales. « Feist, c’était le challenge parfait et j’aime les défis. J’adorais sa voix et je voulais faire quelque chose de « doux » pour elle. Je ne peux pas remixer une chanson que je n’aime pas. Pour moi, un bon remix, c’est quand la musique est totalement différente mais que tu as réussi à garder le feeling de l’originale. »

Punk un jour…

Mais Alex ne se contente pas de remixer les autres, c’est aussi un défricheur. En 2005, il fonde son propre label, Boys Noize Records, pour bénéficier de plus d’indépendance. « J’avais beaucoup de morceaux que je voulais sortir et les labels sur lesquels ils étaient parus auparavant mettaient tous un an à les éditer. Il s’agit plus d’avoir une plateforme pour ma musique et pour délivrer de la bonne électro en donnant à de jeunes inconnus (comme le duo corse Les Petits Pilous, ndr) la chance de sortir leur musique que d’avoir deux remixes pour plaire aux fans de minimale. Mais je n’ai jamais fait de promo, ni de marketing ou de management. Et je ne collaborerai jamais avec une boisson énergétique ! Du coup, le label reste underground. C’est pourquoi les fans ont le sentiment que Boys Noize Rec est leur truc à eux et que personne d’autre ne le connaît, et qu’ils l’aiment. »

Indépendant, DIY, et farouchement opposé à tout formatage, l’attitude d’Alex est exemplaire. « Ce qui m’intéresse en musique, c’est l’originalité, ce qui n’a encore jamais été fait. » Son premier album, qui ne s’intitule pas Oi Oi oi, pour rien, est dans cette lignée. L’œuvre d’un chanteur-dj-producteur autodidacte qui a sort l’objet sur son propre label, et impose son « style » à l’image de la tête de mort-boule à facettes de sa pochette. Entre ombre et lumière, dancefloor et cave, bruit et mélodie, tristesse et joie, Boys Noize, ex ado révolté est peut-être aujourd’hui père d’une révolution.

Oi Oi oi (Boys Noize Rec/La Baleine)

www.myspace.com/boysnoizemusic

Interview de Florence + The Machine - Article publié dans le TSUGI n°21

2010-02-21T10:56:00.000-08:00

Texte de Violaine Schütz

Florence + the machine

Coffre fort

A l'heure où l'on devient énorme en un clic sur hypemachine et un lift autotune, Florence+The machine, jeune anglaise de 22 ans à la voix surpuissante et à la personnalité extravagante, pourrait bien tout rafler. Apprenons donc (presque) tout du cœur qui bat derrière la machine avant qu'on ne puisse plus l'arrêter.

La nouvelle sensation anglaise féminine

Après La Roux et Little Boots, c'est la jeune Londonienne Florence Welsh qui régne sur l'Angleterre, enchainant les couvertures des magazines (The Fly, Guardian, The Guide) et les posts de la blogosphère. Comparée tour à tour à Bjork, Pj Harvey, Kate Bush, Bat For Lashes, Minnie Riperton, Tori Amos et même Aretha Franklin, elle a déjà tourné avec MGMT, Friendly Fires, White Lies et Glasvegas et fait la première partie de Blur pour leur retour sur scène à Manchester en juin dernier. Et avant même que son premier album, Lungs, ne sorte, elle bénéficie du soutien de la BBC et a remporté un brit awards. Bref, la machine est déjà en marche.

Encore une ado

Après avoir écumé toutes les vidéos youtube live de Florence+The Machine, où l'on peut voir une tornade rousse en robe vintage jouer les divas, on est étonné de rencontrer à la terrasse de l'hôtel où elle effectue, tel une torture, sa journée promo, une Florence très juvénile et « ado dans le doute ». En hoodie à capuche et jupette, tout en noir jusqu'aux ongles peints (et rongés), acnéique, blanche comme un caché d'aspirine et peu souriante, la demoiselle se plonge toutes les pauses dans un épais livre de science fiction. « Je suis un peu geek » avoue-t-elle, d'entrée de jeu. Doit-on comprendre « no life? ». En tout cas, on a rarement connu plus sympathique en interview depuis...Amy Winehouse. Elle ira loin, donc.

Goth

Chez Florence, le vernis noir n'est pas une posture. « J'ai un tempérament extrêmement angoissé, je suis quelqu'un de très effrayée et d'extrême dans mes sentiments. Mes paroles fonctionnent comme une catharsis. J'exorcise ce dont j'ai peur, j'essaie de comprendre les choses, de parler de mes chagrins, de raconter mes cauchemars, mon premier gros échec amoureux qui a eu lieu il y a peu, mais de façon intemporelle car on se fout un peu de ce qui se passe tous les jours. J'ai écrit mes premières chansons à 17 ans, et j'en ai 22 aujourd'hui, mais on peut pas vraiment dire que j'ai grandi entre temps. » Dans le genre Mercredi Addams, Florence s'est également illustrée avec la première installation qu'elle a présenté aux Beaux-Arts de Camberwell (au sud de Londres) : un panneau floral portant l'inscription : « Je suis conne ».

Clubbeuse née

A13 ans, la mère de Florence emménage avec un voisin et ses trois enfants, le drame pour Miss Welsh ! « C'était une sale période, je passais tout mon temps à écouter de la musique à fond et à danser. Je trainais avec des punks, et je jouais dans un groupe intitulé The Toxic Cockroaches. J'ai toujours été dans un groupe à l'école, et j'ai toujours été bizarre. Vers 14-15, j'utilisais une fausse carte pour aller dans les clubs de Londres. J'ai beaucoup dansé sur le morceau « You've got the love » de The Source à ce moment là, que je reprend sur l'album. J'adore l'euphorie et la dimension droguée de la musique de club, et j'adore danser. Avec mon père on dansait sur n'importe quoi quand j'étais petite. Il avait des disques de Love, des Smiths et du Velvet. Je crois que je peux me trémousser sur n'importe quoi! » A ce sujet, il faut absolument voir, sur youtube, Florence danser comme une dératée sur du Beyoncé.

De sacrés poumons

« Lungs » n'est pas un titre à prendre au hasard. « Ça fait référence à la respiration, la chose la plus importante quand on chante ». Et sa voix, Florence, l'a trouvé depuis longtemps. « J'ai commencé à chanter à l'église petite, comme plus mauvaise choriste de la troupe, mais j'ai toujours su que je voulais faire ça. Je bossais dans un bar pendant un an aux Beaux Arts, c'était assez schizophrénique, je n'arrivais pas à faire de la musique à ce moment là, je passais juste mon temps à me bourrer la gueule et je récupérais en dormant dans une installation sous le bar. Je n'ai tenu que parce que je pensais à faire quelque chose un jour. »

Bien entourée

Entre indie et mainstream, coffre soul et mélodies pop, le (gros) son de Lungs est l'oeuvre de l'association de James Ford (Arctic Monkeys, Simian Mobile Disco, Klaxons), Paul Epworth (Bloc Party, Primal Scream, Friendly Fires) et Steve Mackey (Pulp, M.I.A.) à la production. La sainte trinité a transformé les démos « bancales, cheap et fragiles » (dixit l'intéressée) de Florence en une formidable machine à danser capable de conquérir les radios et les cœurs du monde entier.

Eclectique

A l'image de la nouvelle Angleterre et de sa pop décomplexée (on pense à Micachu et Jack Peñate), Florence se revendique de musiques diverses et variées n'hésitant pas à utiliser de la harpe sur son disque ou des claviers. « En ce moment j'écoute en boucle the XX (qui ont remixé ma reprise de « You've got The Love », The Big Pink, The Horrors. Il se passe pas mal de choses intéressantes à Londres en ce moment. Mais j'aime aussi My Bloody Valentine, Sam Cooke, Dusty Springfield, Fuck Buttons et les Liars. » Flo est une fille de goût, en somme.

Lungs (Island/Universal)

www.myspace.com/florenceandthemachine

Empire Of The Sun Interview - Article publié dans le TSUGI n°17

2010-02-21T10:50:00.000-08:00

Empire Of The Sun

Texte de Violaine Schütz

Après Modular et les Midnight Juggernauts, l'empire australien a enfanté d'un autre fantasme hype : Empire Of Sun, groupe à la fois fluo, électro, pop et cosmique. Mais derrière le make-up outrageant et le discours fumeux, ces MGMT version 80's ont plus de tubes dans leur besace à franges et paillettes. Rencontre aux allures de LSD trip avec deux androïdes d'une nouvelle ère.

A quoi ressemble le son de 2009? Très exactement à Empire Of The Sun, duo australien formé en 2007 par Luke Steele (guitariste et chanteur des très bons Sleepy Jackson) et Nick Littlemore (moitié des excellents Pnau), dont le premier album, Walking On A Dream, résume à lui seul toutes les tendances du moment. On y trouve les mélodies d'électro-pop baléarique plaisantées par tous les hipsters, une production 80's très léchée proche dans l'esprit de celle tentée à Nantes autour du blog Valérie (Minitel Rose, Anoraak), et en Australie par le label Modular et surtout cette volonté si post-moderne de remettre au goût du jour des références de très mauvais goût comme Fleetwood Mac, ou-pire- Kajagoogoo. on comprendra pourquoi, le premier album de l'Empire du soleil, s'impose comme le fantasme ultime et éblouissant du branché moderne qui n'hésitera pas d'ailleurs pas à crier aux « nouveaux MGMT ». D'un autre côté, on comprend bien comment Empire Of The Sun, et son délire costumé « boule de cristal-tigre du bengale-mocassins blancs-patchouli-voix lactée» va s'imposer en cauchemar absolu pour le nerd fan de fugazi ou l'amateur d'électonica mentale et pointue ; Mais le propos d'Empire OF The Sun n'est pas de complexifier la pop musique, à la manière d'un Metronomy ou d'un Hot Chip, mais plutôt de renouer avec une certaine notion de l'amusement, du divertissement et de la musique comme spectacle étonnant. C'est la grandiloquence de Bowie quand il inventait un personnage, le show-off des séquences déguisées et maquillées hilarantes de Phantom Of Paradise et Rocky Horror Picture Show, le ridicule des pires heures du glam rock et surtout, tout le mouvement néo romantique des années 80, que les deux zinzins australiens d'EOTS ressuscitent en trente minutes chrono d'interview de visu. A la manière d'un Adam Ant, qui à travers ses costumes de pirate new-wave apportait à une pop FM devenue chamallow un peu plus d'imagination, de folie, et d'excentricité, interviewer Empire Of The Sun, c'est retenir une crise cardiaque par seconde face à un décorum -sans doute un peu calculé- aussi et kitsch et flamboyant qu'hors du commun. Dans un cadre parfaitement adapté-le très rococo hôtel Murano, ses crocodiles en plastoc, son faux feux de cheminée, ses moquettes d'ascenseur strassées- le duo reçoit en toute simplicité dans une chambre avec piscine sur la terrasse. Assis sur le canapé blanc, Nick (programmation), sosie du beau gosse de MGMT, quelques cheveux blancs en plus, porte une djellabah de velours noir brodé, et une volumineuse coiffe de plumes indienne, sur des baskets et un jean. Plus fort encore, Luke (chant, guitare) se tient à ses côtés, paré d'un maquillage futuriste très San Ku-Kaï, de cheveux blond platine en pétard, d'un caftan rose fuchsia, de pendentifs hippies fleuris, de pantoufles et -pour couronner le tout- d'une énorme tiare dorée à pompons oranges. Tout en finesse, à l'image de leurs photos promos dignes des meilleurs tableaux d'héroïc fantasy à licornes abandonnés chez Emmaüs. On ne pouvait donc dignement pas s'attendre à ce que leurs réponses soient fades, ou sensées.

Vous souvenez vous précisément de votre première rencontre?

Nick : Oui, très bien. La première fois que j'ai rencontré Luc, c'était en 2000, à Sydney, et il portait tout le temps une grosse valise en cuir avec lui, qu'il ne lâchait jamais à tel point que je me demandais ce qu'elle pouvait bien renfermer. Il n'arrêter pas de faire des pauses pour regarder ce qu'il y avait dedans; Au bout d'un moment, je lui ai demandé si je pouvais jeter au œil au contenu. Il l'a ouvert, et dedans, se trouvait une mini forêt tropicale avec des petites grenouilles vivantes et des petits arbres luxuriants. C'était totalement incroyable, magique. Le jour d'après on a commencé à bosser ensemble dans mon studio et il avait encore sa valise. Je lui ai demandé si il avait amené les grenouilles avec lui. Il m'a dit « non, pas aujourd'hui ». J'ai vu que la valise brillait, il l'a ouverte, et c'était comme une boite à musique recréant une mini discothèque avec de la musique électronique. Et à chaque fois que je l'ai revu les premières années, il avait toujours un truc différent dans sa valise, c'est ce qui m'a fait comprendre que je voulais vraiment faire de la musique avec lui.

Quels genres d'ados étiez vous?

Nick : J'étais très timide et j'avais peur des filles. J'avais même pas de sœur, alors je ne savais pas ce que c'était. A la place, j'avais un grand frère vraiment bizarre, un gothique, avec de longs cheveux noirs. Dès l'âge de 14 ans j'ai commencé à faire de la musique pour m'occuper parce que je me faisais vraiment chier dans la vie.

Luke : Moi j'étais un ado pas cool du tout, personne m'invitait aux fêtes organisées par l'école. A lors j'avais crée un studio au sous sol de l'appart de mes parents appelé le donjon dans lequel je descendais avec mon quatre pistes et une caisse de six bières; C'était mon secret, j'invitais personne au donjon. Et surtout pas les kids cool.

Quand avez vous su que la musique deviendrait toute votre vie ?

Luke : Mon père était musicien, et il l'est toujours, (il s'agit du chanteur de country-blues assez ringard Rick Steele, ndr).Quand j'avais 12 ans, il restait au pub jusqu'à pas d'heure et parfois il m'amenait avec lui. Il y avait aussi toujours plein de jolies filles partout où on allait, des pédales d'effet à la maison et on faisait des trucs géniaux comme aller pécher dans l'Est de l'Australie, ensemble. Ça ma donné envie de cette vie là : rester éveillé jusqu'à six heures du matin, en buvant des bières.

Nick : Quand j'ai eu 11 ans, j'ai eu une caméra en cadeau, puis j'ai commencé à filmer un peu n'importe quoi. J'avais tout un tas de films expérimentaux, et je voulais une bande son. C'est alors que j'ai débuté dans de la musique totalement inaudible, conceptuelle et bruitiste avec des boîtes à rythme.

Et votre album pourrait justement être une bande-son de film?

Nick : Exactement! D'ailleurs, dès qu'on a commencé à enregistrer l'album, on a pensé à faire un film en même temps. Pour nous, le cinéma est la forme d'art la plus globale et le son est aussi important que l'image dans notre démarche. C'est pour ça qu'on a tourné le clip « Walking on a dream » à Shanghai, et d'autres scènes au Mexique, avant d'aller en Islande, à Las Vegas et en Afrique. Le tout formera un film initiatique dont l'inspiration première est La Montagne Sacrée, d’Alejandro Jodorowsky (1973). On y voit une sorte de Christ nu en quête de lui-même. Mais on est aussi très inspirés par l'univers de Peter Greenaway, Chris Marker et Truffaut. On a pensé l'album comme un scénario avec diverses séquences qui constituent les étapes d'un voyage particulièrement épique et coloré. Un vrai road movie spirituel! Notre album es une histoire, pas une collection de chansons!

Et Empire Of The Sun, c'est un long métrage de Spielberg, adapté de J.G. Ballard, c'était pour le film ou le livre que vous avez choisi ce nom?

Nick : Pour aucun des deux, c'est par rapport à la puissance du soleil, qui nous accompagne partout, et fait partie intégrante de toute notre existence. (A ce moment là, un rayon lumineux envahit la chambre). D'ailleurs, est-qu'on peut se déshabiller? (il fait très chaud tout d'un coup. Ils enlèvent leurs couvres chefs respectifs. Et boivent un peu de vin blanc.)

Tsugi : Allez-y, je ne tourne pas de film.

Nick : Tu veux prendre un bain dans la piscine? (Je décline poliment l'invitation pendant que Luke trempe un pied dans l'eau qui a l'air glacée, ndr)

Vous semblez vouloir délivrer un message à travers votre musique un peu mystique, quel est-il ?

Nick : On veut faire quelque chose qui n'a jamais été fait, et dépasse tout ce qui existe. Nous avons crée des personnages et tout un empire qui va avec. On veut changer le monde grâce à notre musique et ce qui l'entoure, y mettre un peu plus de pureté, de joie et de spectaculaire!

Walking On A Dream (EMI)

www.myspace.com/empireofthesunsound

Get Back Guinozzi !

2010-02-09T01:45:00.000-08:00

Texte de Violaine Schütz
publié dans TSUGI

Get back Guinozzi!

Psycho-pop

Avec leur mix de reggae, post-punk, musique tropicale et surf 60s, les français de Get Back Guinozzi! livrent avec « Carpet Madness » une réponse enjouée à l'exigeante excentricité des américains d'Animal Collective. Et si GBG! était la meilleure chose qui soit arrivée à la pop frenchy depuis Elli et Jacno?

Dans un café face à la Gare du Nord, une jolie brune en veste imprimée « jungle et fauves », et rouge à lèvres rouge sang, sirote un jus d'ananas : « C'est moi Eglantine Gouzy, Indiana Jones de la musique. J'ai eu un accident à la jambe il y a quelques années suite auquel j'ai du resté enfermée à la maison pendant deux ans. Après ça, j'avais envie de faire de la musique autrement, ne ne pas m'installer musicalement ou intellectuellement. Je suis partie en 2008 dans la jungle indienne. j'étais comme Mowgli dans la forêt, je chantais comme un babouin, c'est là que j'ai été recontactée par mon ami Fred. »

C'est ainsi qu'est né Get Back Guinozzi!, le projet d'Eglantine Gouzy, ex étudiante aux Beaux-Arts, parisienne exilée à Londres de 35 ans, compositrice de no-wave arty sur une compilation du label allemand Monika (For Woman No Cry en 2005) et un premier album éponyme solo foutraque (en 2006), et Fréderic Landini. Tout aussi électron libre, ce dernier vit à Toulon, affiche 46 ans au compteur et une âme d'adolescent. Après avoir fait partie d'un collectif de hip hop dans le sud, et lancé plusieurs sound-systems reggae, Fred dirige le défricheur Midi festival à Hyères. Autant dire que l'union de ces deux figures atypiques ne pouvait qu'être fantasque.

Sauf qu'en vérité, la musique du duo est encore plus dingue. Carpet Madness, le premier album farfelu de GBG!, compile tout à la fois le Cure des débuts pour son exotisme, Ariel Pink pour les délires lo-fi, le sens de la mélodie nostalgique des Smiths, la folie des Talking Heads, mais aussi le minimalisme élégant des Young Marble Giants. « On fait de la musique en toute liberté, raconte Fred, alors qu'on évolue dans un monde hyper codé. C'est pour ça qu'on a aimé les images montées par Jean Luc Charles, photographe et réalisateur pour le Midi Festival, qui a compilé pour notre premier single, « Low Files tropical » des archives hédonistes d'une boite de nuit qui appartenait à son père à Bandol, dans les années 70. Ce lieu a été plastiqué plusieurs fois. »

« Libertaire » c'est le mot qui convient le mieux aux chansons de « Carpet Madness », aussi bien musicalement parlant (on navigue sans arrêt entre voix pop naïve, reverb caribeenne, percussions afro et beats électronica) que textuellement. Les paroles d'Eglantine, fantaisistes à souhait, partent à peu près dans tous les sens et invitent à se défaire de toutes nos habitudes en matière de clichés rock. « Pour le morceau « Carpet Madness », le point de départ c'est Saint Macloud, enfin l'équivalent du marchand de tapis en Angleterre. J'ai une photo terrible de moi devant la vitrine où j'ai l'air d'une folle, et j'ai eu des histoires très compliquées dans ce magasin. Il y a aussi du Ariel Pink, du Gainsbourg dans les influences. « L.A » c'est Donna Summer rencontre Bret Easton Ellis. Mais il y a aussi Morrissey, King Kong, Elvis, Roy Orbison dans cet album. En fait, je joue tous les personnages à la fois, ce qui est complétement schizo, je l'admet. »

Schizo, certes, mais surtout jouissif pour l'auditeur blasé, qui ne peut être fou de joie à l'écoute de tant de fraicheur et d'inventivité.

Carpet Madness (Fat Cat/Discograph)

www.myspace.com/getbackguinozzi

Arnaud Fleurent Didier (Article paru dans le Redux n°34)

2010-01-07T02:32:00.001-08:00

Interview fleuve avec Joakim - Publiée dans Redux numéro 33 (automne 2009)

2009-11-19T03:36:00.000-08:00

Joakim

Propos recueillis par Violaine Schütz

Dj, producteur, patron exemplaire (du label défricheur et exigeant Tigersushi), musicien et remixeur hors-pair, Joakim franchit encore une étape dans sa réputation sans faille avec un quatrième album dense, éclectique et barré qui réconcilie tout et son contraire. « Milky Ways » ouvre la voie vers des pistes qui semblaient encore jamais avoir existé. Entre kraut-disco tribal, ballade prog rock shoegazing, pop bancale, les voies lactées tracées par Joakim sont aussi monstrueuses que fascinantes, illuminées que lumineuses. Tiendrait-on en lui le Brian Eno de la génération twitter ?

Que fais-tu en ce moment Joakim ?

Je viens de rentrer de Croatie, où j'ai passé huit heures montre en main, je suis arrivé, j'ai joué dans un festival assez disco et je suis reparti, sans dormir, mais c'était super.

Revenons sur tes débuts, tu as commencé à 6 ans la musique par le piano, il te reste des bribes de cette éducation musicale?

Je sais lire la musique, l'écrire s'il le faut, mais ça ne m'arrive presque plus jamais, et je savais jouer dans le temps, maintenant je suis rouillé. Je ne sais pas bien dire ce que ça m'apporte, j'ai la vague impression que ça m'a laissé une manière de faire des morceaux non « linéaire ». Quand je fais un morceau je ne peux pas m'empêcher de créer des événements à tout bout de champ, des accidents, revirements comme si je scénarisais la musique. Je crois que j'ai hérité ça de mon apprentissage de la musique classique qui propose une infinité de niveaux d'écoute par rapport à la musique « pop » au sens large.

Qu'est-ce que tes parents écoutaient à la maison quand tu étais enfant ?

De la musique classique principalement, et du rock, américain plutôt, genre Bruce Springsteen ou Johnny Cash, mais aussi les Rolling Stones (et surtout pas les Beatles). Ils avaient pas mal de disques plus bizarres que j'ai récupérés par la suite (tous les disques du label Mankin, dont les Taxi Girl, des trucs de krautrock..) mais ils ne les écoutaient pas trop, je pense que c'était pas mal de cadeaux d'amis à eux qui bossaient dans la musique.

Quels ont été les premiers disques qui t'ont marqué?

En réécoutant des vieilles cassettes que j'ai retrouvé cet été, je me suis rappelé que j'étais très fan de Jimi Hendrix, le Velvet et Led Zep quand j'ai commencé à écouter des disques par moi même. Ça m'a conduit au rock indie US, Sonic Youth, Pavement, les Pixies. J'écoutais beaucoup de blues à une époque aussi, genre Delta blues. En musique éléctronique, je pense que les deux disques qui m'ont le plus marqué au tout début sont les albums de DJ Shadow et de Motorbass.

Quel genre d'ado étais tu?

J'étais le mec un peu en marge des cools du lycée. Je pense que j'aurais aimé « en être », tout en méprisant assez toutes les conventions sociales adolescentes que cela impliquait (fumer des joints, porter des Vans), du coup je suis resté un peu à l'écart, en fond de classe. Je détestais aussi les booms et autres événements de socialisation adolescente et ne me serais jamais vu DJ dans un club. Ironie du destin.

Quel a été ton parcours? Tes études?

Bac C dans un lycée reculé des Yvelines, prépa HEC dans une prépa moyenne de Saint Cloud et finalement HEC. En parallèle, le conservatoire de Versailles, ce qui m'a valu -à tort- d'être associé à la scène Versaillaise à de nombreuses reprises.

Te souviens-tu du sentiment que tu as ressenti la première fois que tu t'es retrouvé face à un synthétiseur?

La première fois, c'est toujours un peu raté non? J'étais un peu dubitatif quand aux capacités de la chose, surtout que c'était un synthé très cheap qu'un ami avait curieusement laissé dans ma chambre. Jusqu'à ce que je me plonge un peu dedans et que je découvre le miracle du séquenceur. Une révélation. Mes penchants mégalomaniaques pouvaient enfin s'épanouir, je pouvais devenir chef d'orchestre et orchestre à moi tout seul...

Pour toi quelles sont les grandes différences, avec le recul, entre tes trois premiers album?

Pour moi il n'y a pas de grosse différence autre que le moment qui correspond à la création de ces trois albums, qui sont eux forcément différents. Il y a aussi une différence technique, car j'ai appris beaucoup de choses au cours des années que j'ai incorporées au fur et à mesure (les instruments, les nouvelles machines, le travail analogique, le live). Mais sinon, la démarche « artistique » est la même, je cherche. Les albums sont des étapes d'un travail, un « work in progress ».

Tu t'es inspiré du « sleeveface » pour faire la pochette, pourquoi avancer masqué ?

L'idée n'est pas d'avancer masqué, je n'ai pas de problème à me montrer si c'est nécessaire. Je dirais même qu'il y a une part ludique et créative dans le travail de l'image. En l'occurrence, je me suis juste fortement inspiré d'un artiste contemporain génial qui s'appelle John Stezaker. En gros j'ai pompé son principe et l'ai refait à ma sauce.

Pourquoi ce titre, Milky Ways ?

Parce que j'aime pas le lait mais j'aime bien l'espace.

L'album commence de manière très sauvage, conçois tu ta musique comme une catharsis?

Oui, du moins une facette de la musique peut être une catharsis, cette facette plus physique qui m'intéresse beaucoup. Mais j'ai mis ce morceau sauvage en intro aussi parce que c'est notre morceau d'introduction du live, et que je trouvais que c'était assez drôle de tenter d'effrayer un peu l'auditeur dès l'introduction du disque, comme si un cerbère en gardait l'entrée.

Je trouve ta musique complètement schizophrénique, voire plus encore, et cet album encore plus multi-facettes que tes précédents, mais en même temps plus homogène, est ce l'œuvre d'un esprit retors?

Je pense être un énorme control-freak qui cache un chaos intérieur bien enfoui (rires). A part ça, je déteste l'uniformité qui est un résultat de la simplification, pas en tant que telle, mais parce qu'elle est une norme absolue aujourd'hui. La société actuelle ne supporte pas l'hétérogénéité (le chaos?) et pratique le nivellement pas le bas dans tous les domaines, donc je me sens presque obligé de brouiller les pistes, de ne pas faire ce qu'on attend forcément de moi, de laisser libre court à mes idées musicales même si ça part dans tous les sens. C'est quasiment une posture politique. Je ne supporte pas l'enfermement (dans une case ou un genre par exemple), je suis claustrophobe. Ça correspond aussi à ma curiosité naturelle, je ne peux pas écouter un même genre de musique plus d'une heure, de même que je n'aime pas manger des pâtes tous les jours (j'aime beaucoup les pâtes pourtant), donc je ne vois pas pourquoi ce serait différent dans ma musique?

La dernière chanson est inspirée par William Blake, tu as vu l'expo qui s'est tenu à Paris au Petit Palais au printemps ?

Non, je n'ai pas vu la récente expo à Paris, mais je suis fan de longue date, de ses peintures et gravures comme de ses poèmes que j'ai découverts plus récemment. J'aime son côté mystico- fantastique, illuminé. C'est sombre et lumineux à la fois. Il devait être assez fou car il aborde des thèmes assez classiques (bibliques en particulier) mais d'une manière vraiment étrange. Ses poèmes sont aussi très mystérieux.

J'ai l'impression que tu as une manière très « artistique » d'aborder la musique, que ce n'est pas un divertissement, qu'en est-il réellement?

Bien sûr, je pense que la musique n'est pas un divertissement mais une nécessité pour ceux qui la font. Sauf si on fait de la musique « utilitaire », chose autrefois cantonnée aux musique dites d'illustration, de pub mais qui a finalement envahi beaucoup d'autres domaines comme la musique de club et même une bonne partie de la pop qui est faite comme des produits répondant à des besoins, ce qui bizarrement ne donne pas que des mauvais disques. Cette nécessité, ce besoin (insatiable et vital) peut ronger et détruire les artistes en fonction de leur personnalité, l'accouchement peut être plus ou moins difficile. Moi j'arrive à conserver une approche quand même assez ludique de la création...pour l'instant en tout cas!

J'ai écouté ton remix de Metronomy et celui que Metronomy a fait de ton single « Spiders », ça fait partie des groupes actuels que tu aimes? Que penses tu de l'état actuel de la musique « populaire »?

Oui, j'aime beaucoup Metronomy, mais en même temps je ne suis pas sûr que j'aimerai encore dans 10 ans. Pour moi c'est un problème, mais on pourrait arguer du contraire. Je pense qu'on est globalement trop habitués à des groupes qui ne durent pas, on est emballés pendant quelques mois et on passe à autre chose, je dis « on » parce que c'est presque impossible d'échapper à ce phénomène très consumériste de la musique. En un sens on peut dire que la musique n'est pas un bien durable (rires). Il y a une telle accélération de la diffusion de la musique que la machine s'est une peu emballé, les labels pondent des groupes qui sont immédiatement consommés, digérés et récyclés en un autre groupe, car qui dit consommation, dit destruction. Un groupe qui a un bon buzz n'a pas le temps de se trouver ou de faire ses preuves avant d'être projeté sous les feux de la rampe. En tant que musicien tu as le choix. Soit tu fais une musique identifiée et attendue ou plutôt désirée, c'est-à-dire qui correspond à un marché, et alors tu peux avoir un succès très rapide mais à priori peu durable. Soit tu ne te préoccupes pas des étiquettes et de ce qu'on attend de toi et alors ça prend du temps, parce que la presse par exemple n'aime pas ce genre d'artistes et parce que plus un « produit » est compliqué, plus il est difficile à marketer.

Qu'est ce que tu essaies de faire avec ton label, Tigersushi ?

J'essaie juste de trouver et aider des artistes qui en valent la peine. Vu que je n'ai jamais gagné d'argent avec le label, je vois ça comme une entreprise quasi humanitaire et un peu communautaire, on devrait nous déclarer entreprise d'utilité publique, non?

Tu sors cet album chez Versatile et pas chez Tigersushi, pourquoi ?

Je n'ai pas envie de sortir mes albums sur Tigersushi parce que ça deviendrait trop lourd à supporter, je ne veux pas m'occuper de la promo, distribution de mon propre disque, il est plus sain d'avoir un interlocuteur extérieur pour ses propres disques avec qui discuter, râler, échanger..

Si tu devais nous faire de la pub pour un groupe, ce serait lequel et pourquoi?

Je ferai de la pub pour un artiste maison. Et objectivement, pas parce que c'est un artiste maison, mais parce que je pense qu'il mérite vraiment d'être reconnu. C'est Guillaume Teyssier, son dernier projet s'appelait My Sister Klaus, qui est un très bon disque mais avec quelques défauts. Là il vient de faire la BO du film La Femme Invisible, et je pense simplement que c'est un des meilleurs disques de folk/pop fait par un français depuis belle lurette. C'est une BO, mais ça s'écoute comme un album, c'est très beau, avec des morceaux relativement écrits, d'autres extrêmement dépouillés, quelque part entre Jack Nietzsche, Angelo Badalamenti et les Goblins. C'est parfait pour passer l'hiver.

Tu étais en studio pour produire le troisième album de Poni Hoax, que peux-tu nous révéler dessus?

Que le batteur, Vincent Taeger, a perdu une paire de baguettes pendant une session!

Avec ton album, ceux de Krikor, Koudlam, Turzi et Etienne Jaumet, il semble y avoir une race de musiciens français qui essaient de complexifier les musiques électroniques (au sens large), que penses tu de ces sorties françaises décalées, une « scène » en devenir?

Effectivement, je pense qu'il y a pas mal de points communs à nos démarches respectives, mais on ne se connait pas tous, chacun évolue un peu dans sa bulle. C'est peut être dommage ou peut-être mieux comme ça, j'en sais rien.

Par rapport au moment où tu avais monté tigersushi.com, que penses tu de l'évolution du net, de l'importance de la blogosphère et de hypemachine? Comment utilises-tu personnellement twitter et facebook?

J'ai un ami qui m'a un jour parlé de la théorie des criquets, qui s'applique à internet : les internautes sont des criquets qui se jettent goulument sur les nouveaux sites, réseaux sociaux, web 4, et je ne sais quoi, et après quelques temps, passent à autre chose en ne laissant qu'un champ en ruine. Le long terme n'existe quasiment pas sur internet pour l'instant. C'est ce qui se passe réellement, Myspace est devenu ringard, Hypemachine est dépassé par Rapid Share et consorts, etc.. Internet représente une forme de libéralisme pur et dur, version fast-forward. C'est d'ailleurs assez comique de voir qu'il est général défendu par les pourfendeurs du libéralisme. Cela dit, en tant que musicien, c'est devenu quasi incontournable si on veut se promouvoir, ou simplement éviter que n'importe qui fasse des pages Myspace, Facebook et autres à votre place. Comme je suis nerd depuis ma tendre enfance, ça ne me dérange pas. Je trouve Twitter particulièrement intéressant, c'est minimaliste et direct, une nouvelle façon d'envisager le rapport entre artistes et fans. Par rapport à tigersushi.com, en gros on voulait faire un Deezer classe, pointu et didactique, mais à l'époque personne ne voulait entendre parler de streaming, mauvais timing...

Tu renvois l'image de quelqu'un d'exigeant, pas trop du genre à donner dans le mauvais goût (en marge de la tendance « reprise électro de la chenille »), de cérébral, comment tu te situes dans le monde de la nuit par rapport aux bandes déjà existantes ? Comment vois tu ta place?

Tu me demandais comment j'étais adolescent, j'imagine que les choses n'ont pas tellement changé. Les bandes c'est pas mon truc.. Mais j'aime bien cette position d'éléctron libre, ça me permet de participer à des projets avec plus de gens : je bosse toujours avec Fany de Kill The DJ, Versatile of course, j'ai sorti quelques morceaux chez Kitsuné par le passé, fait un remix pour Ed Banger, organisé des soirées avec Cosmo Vitelli, je joue aussi de temps en temps en duo avec Jackson. Je suis en relation libre en somme.

Milky Ways (Versatile/Module)

Thieves Like Us (article publié dans TSUGI n°14)

2009-11-08T04:57:00.000-08:00

Thieves Like Us
Association de bienfaiteurs

Texte : Violaine Schütz

Ce trio américano-suédois a volé son nom à une chanson de New Order et ont commis le crime d'un premier album de dance pop émotionnelle à contre courant des valeurs électro banger dominantes. C'est sûr, les Thieves Like Us nous veulent du bien.

A une époque où il fait mauvais être faible, fragile et pop, les Thieves Like Us prennent des risques. Leur premier album, Play Music, enregistré entre New York, Berlin, Vienne, Londres, Rio et Stockholm, est un disque d'exilé, d'outsiders, de rebelles, avec beaucoup d'histoires d'amour malheureuses, d'addictions qui rendent down, et de lendemains de teuf qui déchantent. On y trouve aussi des couplets et des refrains qui tuent comme on en fait plus depuis New Order, des paroles magnifiques, et des sons qui voient loin, croisant atmosphères shoegazing, électronica expérimentale, et pop émotionnelle avec un brin de groove hip hop et de prod disco. Bref, Thieves Like Us sont des marginaux, avec des ambitions démesurées et des chansons à la hauteur.

Il faut dire que leur histoire a débuté à mille années lumières des débuts classiques des groupes indie dance d'aujourd'hui. « On s'est rencontrés lors d'un pic-nic dans un parc berlinois en 2002, Andy jouait du Wagner sur son ghettoblaster, à fond, c'était quand même le compositeur préféré d'Hitler, ce qui faisait très mauvais effet sur nos voisins. Nous nous sommes aimés tout de suite peut être parce que nous étions tous les trois des exilés, Bjorn (claviers) et étant suédois et Andy, américain » raconte Pontus, batteur blond de 31 ans. « Quand nous étions à Berlin, nous étions totalement à l'ouest, poursuit Andy, le chanteur belle gueule du groupe. On a commencé à beaucoup sortir, à se droguer et à mixer. Nous étions de très mauvais dj's, on endormait les gens et on buvait beaucoup trop. Et puis on ne passait pas de techno, alors que les Allemands ne juraient que par la minimal super underground. Nous, on jouait les disques de Factory, de l'italo disco, du krautrock, du hip-hop, du Alan Braxe et pire : de la pop! Puis on a débuté le groupe car on trouvait pas de groupes électro bien à Berlin. Nos débuts ont été difficiles: aucun label ne voulait de nous, on a fini par déménager à Paris. »

Play Music porte les stigmates de ces débuts désaxés. « On a intitulé l'album Play Music pour dire qu'on joue avec de vrais instruments, que ce n'est pas juste un album laptop, prévient Andy. Si on devait avoir une mission, ce serait d'apporter un sujet et du sens à la musique dance. Ça date déjà de Peaches, qui fait ça très bien, mais les musiciens dance sont devenus paresseux. Ils ripent un logiciel, oublient d'écrire une mélodie, ne font pas appel à des instruments live et collent deux mots dessus. Ils n'ont rien à dire, or les paroles, c'est très important, c'est pour ça qu'on a imprimé les nôtres sur le disque. Personne n'a de paroles aujourd'hui, juste deux lignes. « Homecoming» des Teenagers c'est très fun quand tu l'entends la première fois, après ça devient ennuyeux, on dirait des disserts de lycée. Et puis côté musique, on se sent vraiment proche de personne. Justice? C'est du black métal pour machos catholiques, soit la musique la moins romantique du monde. Et la post-new-rave, juste de l'agression. »

Encore un truc qui prouve que Thieves Like Us ne sont pas un pas un groupe comme les autres : ils balancent un max!

Play Music (Sea You records)
www.myspace.com/thieveslikeus

Une nuit avec Philippe Katerine (publié dans le TSUGI n°4)

2009-11-08T04:37:00.000-08:00

texte de Violaine Schütz

L’inénarrable Katerine, chanteur-compositeur-réalisateur et dessinateur compte prochainement se présenter aux élections législatives. Son parti épicurien (le premier sur Paris) a pour programme les 3 « B » : bouffer, boire, baiser. « Il y aura plein de monde. Et pas que des lumières, crois-moi ! » Après une nuit avec lui, on adhère tout de suite.

A 18h j’aime bien regarder un film. C’est mon heure pour regarder un film. L’autre jour, j’ai regardé Dodge Ball avec Ben Stiller, un long métrage sur la balle au prisonnier, vraiment débile comme j’aime bien. A 18h j’apprécie un truc débile. Et j’aime bien regarder des gens qui bougent sur un écran. Il faut être accompagné à 18h, j’aime pas être seul à cette heure là, surtout pas. Après 18h, j’ai horreur de la solitude, l’aprèm ça me dérange pas.

Après vers 20h, apéritif, avec ma fille de 14 ans. Ma fille je la fais boire, bien sûr, énormément pour qu’elle se couche tôt, et qu’elle s’endorme tout de suite. C’est comme ça que j’envisage l’éducation. Si je suis avec un ami, on picole en parlant du film et en refaisant le monde. A 18h, je suis plutôt vin blanc, surtout pas de couleur. Il faut exclure le Jet 27 ou le Martini, donc. Clope sur clope, au moins trois ou 4 d’affilée. Après parler, parler, beaucoup parler. Il y a un énorme besoin de parler.

Ensuite, il faut manger. J’aime le restaurant. Je mange seul sur le zinc, dos à la clientèle, devant les garçons, habillés de blanc. Il faut que ce soit blanc la nuit, d’où le vin blanc, et j’ai mes adresses où les garçons sont en blanc.

Fin de soirée, j’ai besoin d’écouter de la musique. Surtout pas seul. J’appelle un camarade pour qu’il en écoute avec moi parce que seul je ne peux pas. Je lui dis : viens, on écoute de la musique. S’il est libre, on se fait un petit disque. The Go Team ! ou Bach. Surtout ne pas parler. Il peut y avoir de la danse ou de la substance ; Période blanche ! Et après on parle jusqu’à point d’heure d’un disque, mais tu sais, quand on parle d’un disque, on parle de tout, donc ça peut aller jusqu’au bout de la nuit. Parler d’un disque nous amène à nos situations sentimentales, professionnelles, psychiatriques.

Minuit. On peut appeler un autre camarade et commencer à danser car on est énervés d’être dans un fauteuil. Il y a un besoin de bouger. Alors là, j’ai une balle chez moi. On se fait un foot dans le couloir. Ca fait beaucoup dégâts, on met l’appartement à sac, mais c’est pas grave. Le sport, ça peut durer une heure. C’est la régression complète.

1h, c’est l’heure de la douche collective obligatoire. Après on s’embrasse, c’est mignon comme tout ; Je leur montre mes habits, on s’échange des habits-plutôt que des avis-, on se déguise.

A 2 h, on sort en boîte. Au Baron ou au Paris Paris. Je mets une fausse barbe ou une petite cape blanche. Je ne danse pas sur tout. Ah non. La chanson française, j’aime pas trop. Je danse sur le disco, les Bee Gees ou des choses plus minimales, comme de l’italo disco. Ca fait rêver. T’as l’impression d’être au Mexique. Alors là, c’est Pina Colada. Blanc toujours.

A 6 h, une fois que j’ai bien dansé, je rentre à pied, peut importe où je suis. Ce que j’aime c’est voir les gens qui vont travailler. Ils ont un objectif et moi non. Et ça, ça me plaît beaucoup. Ce sont des grands moments, délicieux. Car ils vont plus vite que moi, l’éternel touriste. C’est là que mon corps me dit : « va te coucher, s’il te plait ».

Ce que j’aime bien au petit matin, c’est la limonade. Après, je vais dormir chez moi, nu et fais des rêves géniaux. Je rêve d’enfouissement : je suis caché dans de la neige ou un bain de lait, un truc blanc et j’observe des gens en train d’avoir des accidents. Et ça me fait marrer. T’es ridicule quand t’as un accident ; Oui, j’ai de la cruauté en moi et faut pas la retenir. La cruauté, il faut la choyer.

Studio Live (Barclay/Universal) //// DVD Border Live (Barclay/Universal)

Cha Cha

2009-09-30T01:33:00.001-07:00

Article paru dans le premier numéro du magazine de l'excellent Cha Cha club, Siamois,gratuit sur place

Ils ont changé ma musique ! Il y a dix ans, quand on était adolescent, il fallait choisir son camp et s’y cantonner sous peine de lynchage sévère à la sortie du lycée. Freak à lunettes de nerd écoutant de l’indie-rock, métalleux boutonneux à tee-shirt Slayer (ancêtre des « beaux gosses » de Riad Sattouf), racaille en herbe amateur de rap graveleux à tendance misogyne. Chacun sa tribu, sa famille, sa patrie, son clan et il était hors de question qu’un fan de dance fricote avec une amoureuse de Nick Cave ou que -pire que tout- que la groupie de Radiohead embrasse le beau surfeur qui écoute sur FG de la dance de supermarché. Dieu nous en garde, les meilleurs potes aussi. Depuis, Justice a écrit un hymne techno avec des chœurs disco-soul-r’n’b, tout en affichant un look clairement heavy-métal et playlistant France Gall dans ses sets, Yuksek ressemble à un étudiant en école de commerce à la mèche pop mais il fait des tubes techno qui passent même au Macumba et se paye le luxe de remixer la star hip-hop Booba. Quant aux jeunes pousses de l’électro (la fameuse french touch 2.0), ils mangent à tous les râteliers musicaux : r’n’b, krautrock, folk, pop, électronica. Il faut dire que Daft Punk, Soulwax et James Murphy sont passés par là. A l’heure des crossovers, tout le monde est dj sur deezer (ce qui rend d’ailleurs certaines soirées en appart absolument infréquentables pour peu qu’un des convives ait un faible pour Helene Segara) et n’importe quel kid de 15 ans peut avoir accès en une après midi à cinquante ans de musique d’un clic de souris. Avouons le : plus aucune barrière ne sépare le mainstream de l’underground : tout le monde veut payer cent euros pour voir Britney ou Madonna en concert, même le fan hardcore d’Animal Collective et le collectionneur de New Order. Symptôme de l’époque de paix exacerbée : il y a dix ans Phoenix choquait la France entière et déchaînait la critique avec un disque, United (2000), adepte de mélanges en tout genre. Aujourd’hui, leur mix de pop-rock-funk-dance aussi mélancolique qu’euphorique semble terriblement moderne et le groupe plaît à tout le monde, même à papi et mamie. Alors que faire, où se situe la rébellion quand il n’y a plus de chapelle mais une réunification des peuples sous la boule à facettes. Comment innover quand tout a été fait ? Contre qui ou quoi se révolter quand ton père te réclame les derniers édits de Pilooski au lieu de se concentrer sur les inédits de Georges Moustaki ? Certes, c’est un immense pas pour l’histoire de la musique de savoir qu’on peut aimer la musique classique au même titre que le rock de stade sans que personne n’y trouve rien à redire, ou qu’on peut sortir avec un fan de U2 sans mentir à son meilleur pote qui adore Mr Oizo parce que ces derniers ont été remixés par Fred Falke ou encore qu’on peut avouer dans un dîner, danser sur « Just Dance » de Lady Gaga parce que la blondasse eurodance a fait la couv’ des Inrocks. Mais, tout fan de Justice que l’on est, ne faut-il pas regretter le temps où aimer un groupe de house tropicaliste new-yorkais inconnu de tous nous isolait du monde entier, où on était le seul à chérir ce trio de post-rock bordelais car on avait trouvé le disque chez le disquaire du coin à 50 francs, où l’on se fâchait à vie avec un ami car il avait acheté le cd single de tube de l’été à la con. A l’époque, la musique était une affaire sérieuse. On n’était pas là pour rigoler. Hypemachine et les mp3 ont aujourd’hui tué le romantisme musical. Alors posons sérieusement la question : de quoi sera fait le son du futur ? Maintenant que toutes les passerelles ont été franchies, quelle sera la musique de demain ? Autres temps, autres mœurs, au XVIIeme siècle, quand ni Pitchfork ni l’ami Tekilatex n’existaient, Blaise Pascal écrivait à propos du reste de l’univers « le silence éternel de ces espaces infinis m'effraie ». Face à l’infini des possibles musicaux devant lesquels 2010 nous place, on pourrait affirmer que ces derniers nous effraient, autant qu’ils nous excitent...

Violaine Schütz

Papier paru dans le TSUGI n°16 - février 2009

2009-09-02T06:35:00.000-07:00

Dix conseils aux producteurs pour sortir de l'ombre

Par Violaine Schütz

« Mais pourquoi vous ne parlez pas de moi ? » Cette question irritante, on l'a beaucoup entendu depuis notre arrivée dans la presse musicale. Mais contrairement aux idées reçues, il ne faut pas être forcément « fluo-glam-hype » pour retenir l'attention. En plus de tracks qui tuent, voici quelques trucs et astuces « à la con » qui ont pourtant fait leur preuve.

Adopter un nom racoleur

Simone elle est bonne, Sexy sushi, Pink Stallone, Minitel Rose, c'est toujours mieux que Dupont et Durand. Le mieux étant que le nom corresponde à la musique enfantée, à l'instar du groupe parisien post electroclah turbulent We Are Enfant terrible, menée par la jolie Clothilde. Cette dernière explique : « Je lisais un bouquin en anglais ou l'expression ENFANT TERRIBLE était utilisée en français dans le texte et je me suis dit que c'était une chouette expression universelle et que ce serait un nom de groupe terrible et facile à retenir. Par la suite, comme Enfant Terrible était déjà utilisé, on a rajouté « we are » devant pour devenir pour aboutir à We are Enfant Terrible », dont l'imagerie ressemble bien à ce joyeux bordel organisé qu'est devenu le groupe ».

Ni fait ni à faire : « The nazis sisters », à moins de faire du death metal skinhead.

Trouver un concept

Les cagoules de South Central, les lumières rondes à un « pound » de Metronomy, les masques de Daft Punk, le casque sur les yeux de Boyz noize, l'essentiel c'est de marquer les esprits. Et l'on écoutera toujours plus facilement un duo formé de deux frères jumeaux adeptes d'électro berbère et de lancer de nains sur scène, qu'un type seul derrière son laptop spécialiste du port de baggy et du low profile. Oui, la vie est injuste, mais Yelle attire plus l'œil du nerd en mal de libido dans sa son total attirail fluo, que lorsque sous le nom de Julie Budet, elle portait le cheveu long et le fûte informe.

Ni faire ni à faire : le groupe qui n'est qu'un concept comme tous ceux qui se contentent de deux sapes de chez farce et attrape et d'un Atari.

Écrire une fausse bio

On a beaucoup lu : « A commencé au skate park puis découvre cubase sur l'ordi familial ». Au bout d'un moment, on se lasse, comme d'un vieux disque rayé. Pour titiller la libido du journaleux fatigué, inventer vous une vie. A l'image des Residents qui avaient confié l'écriture d'une fausse bio au créateur des Simpsons, imaginer vous des accidents ou des faits marquants. OU carrément racontez la vous, comme le producteur No Kiss With Gloss qui affirme avoir refusé un baiser de Scarlett Johansson. Notre exemple favori reste celui de Cobra (www.myspace.com/06130enforce), groupe de punk français, qui affirme sur son myspace : « Outrage et destruction, tels sont les mots qui depuis 20 ans (le groupe s'est formé en 1984 à Grasse 06130) caractérisent le mieux le groupe Cobra. 20 années au cours desquelles Cobra (connu dans les premiers temps sous le nom d'Asterix au Pays du Blues) accumule albums brillants et concerts flamboyants. (...) Cobra sait parler aux jeunes, il sait aussi les écouter et les comprendre. Il faut dire que chaque acte du groupe est dicté par Lucifer. Plus encore, c'est bel et bien le Maître en personne qui s'exprime par leurs bouches, par leurs instruments, par leurs corps en transe. » Du lourd!

Ni fait ni à faire : rien, ici, tout est permis.

Devenir adepte du micro blogging (le fameux statut facebook)

Même si c'est devenue toute notre vie, ne jamais sous-estimer la force du net dans la réussite. Greg du duo parisien banger Make The Girl Dance raconte ainsi : « les obstacles pour réussir ce sont le parisianisme, les clans, ce côté très français de garder son cercle de potes fermé. Internet m'as permis de voir qu'il y avait autre chose derrière le périph' et que le matos que j'utilisais pouvais être différent de ce que je trouvais à Pigalle.» Mais Myspace, c'est du passé, so 2006 même. Le présent, c'est l'ami facebook, et surtout ses fameuses « punchlines ». Le must ? Annoncer dans son statut qu'on est en train de créer un pur morceau, ou qu'on donne un concert le soir même. Il faut aussi, si on veut percer bien sûr, créer des event facebooks où l'on invite tous ses meilleurs amis -virtuels- à venir découvrir live notre grande œuvre (entendre par là « démo »). Bien aussi, le réseau Twitter, où l'on trouve les Marseillais de Stereheroes, ou les français exilés à Londres, The Teenagers qui tiennent au courant tout le monde de leur activité en inscrivant des « statuts » rigolos.

Ni fait ni à faire : harceler son monde en envoyant 10 bulletins par jour façon spam pour élargir son pénis.

Bien emballer sa démo

A l'heure du mp3 où la plupart du temps on reçoit un zshare impersonnel, ou un lien myspace, on préféra à l'énième cd r à pochette photocopiée l'attention d'un objet cadeau. On se souvient ainsi, ému, de la berlinoise Miss Platnum envoyant ses mp3 dans une pochette de bonbons contenant une clé usb en forme de friandise au milieu de vraies fraises tagada, ou dans le même genre, du trio parisien post-punk Candy Clash, joignant à son maxi une sucette en forme de cœur. Le bel objet fait toujours son petit effet en période de disette (cette putain de crise) à l'image du « Tonight » de Yuksek et son format 45t, ou du mange disque orange des poppeux de ALB. C'est un fait avéré : le pauvre pigiste précaire aime les cadeaux.

Ni fait ni à faire : joindre au cd un préservatif au nom du groupe.

Etre gentil avec la presse

Le vieil adage « il faut coucher pour réussir » a la dent (pour ne pas dire autre chose) dure, et l'on sait que beaucoup de groupies mâles et femelles sont aussi dj's et musiciens. Mais l'idée est plutôt de payer un coup au journaliste, au blogger ou de complimenter sur sa mise le gars de maison de disques, sans en faire des tonnes non plus, plutôt que de l'alpaguer, de le harceler, voire de le kidnapper (la loi l'interdit) jusqu'à ce qu'il demande pitié et écrive, sous la torture, le précieux papier.

Ni fait ni à faire : Draguer le ou la journaliste pour avoir un titre sur le sampler Tsugi. Dans ce cas là, pensez à faire gigolo plutôt que Dj Hell.

Préface de mon livre sur Daft Punk paru chez Scali en juin 2008

2009-07-22T04:04:00.001-07:00

Eté 1997. Marseille. Les vacances. Je ne sors pas de chez moi, je hais la plage. Et la chaleur. Et ma ville. Cheveux noirs corbeaux, fringues impossibles, dépression chronique. J’ai 17 ans, quoi. Souvent, trop souvent, je me demande : mais qu’est-ce que je fous là ? Heureusement, il y a la musique. Et mon walkman, que je ne quitte jamais. Je suis alors en pleine période indie-rock. Cat Power, les Tindersticks, Nick Cave, PJ Harvey, Joy Division, de joyeux compagnons d’infortune. A part New Order, Björk, Massive Attack, Tricky et Portishead que je vénère et qui trempent un peu dans l’électro, la techno ne m’évoque alors rien de bien folichon. Et il ne faut pas me parler des clubs ! Ces lieux de débauche où la seule attraction se résume à la décoration : des baobabs en plastoc et une pauv’ boule à facette minuscule.

En fait, avant 97, la dance musique, ça me rappelait surtout des souvenirs que je tentais désespérément d’oublier. Ces boums de collège dans lesquelles j’allais tranquillement m’asseoir dans un coin, entre le punk à chien et la petite grosse à lunettes, incognito. J’attendais alors que ça se passe ou que quelque chose se passe, avec la forte impression de faire potiche à côté des minettes - à Marseille on les appelle les cagoles- se déhanchant dans leurs jeans délavés moulants et les couples à peine formés causant d’amour pour la vie et la mort en échangeant leur salive. Toutes ces fêtes adolescentes ressemblaient trop à la parade de chez Disneyland pour être tolérables. Pour moi, les musiques électroniques restaient à jamais associées à l’ambiance grenadine, cheap-house et Bontempi de ces calvaires sociaux, quand ce n’était pas des images de ces tarés de mon lycée qui écoutaient les compils de dance de M6 et celles des soirées trance-hardcore Thunderdome qui me revenaient à l’esprit. Pour résumer, c’est un euphémisme de dire que je ne suis pas née fluo-kid.

Depuis les boums donc, aller dans une fête ou écouter de la dance correspondait pour moi à une forme de suicide moral. Une telle dictature de la béatitude et de bonheur de façade, me rendait physiquement malade : teint pale, yeux vitreux. Et puis il y a eu cette nuit là, sans sommeil, où j’ai vu des robots bizarroïdes et des danseuses disco danser sur une plateforme sur fond de lumières de juke-box et de sons stroboscopiques. On venait d’harceler ma mère, avec ma sœur, pour avoir MTV. Rien que pour ce que j’allais y découvrir, ça valait la peine d’avoir cherché des jours entiers des arguments en béton armé. Vous vous souvenez de la première fois où vous avez écouté le « Smells like teen spirit » de Nirvana ? Le « Crazy in love » de Beyoncé ? Le « Billie Jean » de Michael Jackson ? Si oui, vous savez de quoi je parle. Cette incapacité à rester immobile, à raisonner ou à rester un minimum connecté au monde réel pour se retrouver totalement transporté par le beat. « Around The World » passait sur MTV. Et l’état comateux de demi-sommeil aidant, le pouvoir du corps sur l’esprit qui m’avait tant passionné chez les philosophes de tout bord que je lisais assidûment, se trouvait ici incarné en son et image. Une inflammation des sens, un endormissement immédiat de la conscience, une excitation irrémédiable des nerfs, trois minutes d’extase pure.

Je découvrais enfin sous les effets de ce tube et sans substance psychotrope, les joies du clubbing, du vrai, chez moi, devant ma télé. Mes pieds se mirent à trouver une vie propre, et tous mes beaux principes anti-house à vaciller considérablement lorsque je me mis à répéter bêtement « around the world, around the wooorld, na na na na na na ». Je ne savais pas encore tout ce qui s’ensuivrait. Mais (en vrac), après « Around The World », il y eut : la découverte de l’avantage de pouvoir parler aux garçons tout près de leurs visages à cause des musiques trop fortes, l’oubli de soi total, des séances d’hypnoses collectives et des émotions ultra sensorielles persos, des litres de BPM, une carrière de « dance-rock » critique débutée dans le fanzinat, mon amitié avec la Trax Team (devenu le Tsugi Crew), des « raves » éveillés, des nuits entières à effectuer d’improbables « moonwalks » sous les boules facettes de divers clubs de France et de Navarre, bref la Nuit en technicolor, le Monde qui s’ouvrait à moi…parfois aussi trippant que celui aperçu une nuit de 97 à travers les petits bleeps et les petites lumières du clip d’ « Around The World ».

L.A confidentiel - Papier paru dans leTsugi n°19 (mai 2009)

2009-07-21T01:26:00.000-07:00

L.A confidentiel
Texte de Violaine Schütz

A l'heure où le label Stones Throw est sur toutes les lèvres, et Jeremy Jay fait danser les jeunes filles en fleur, petite visite de la face musicale obscure de L.A. Aux côtés des surfeurs et des people, la cité des anges abrite aussi les nouveaux dieux du drone psychédélique et du rock diy.

Quand on pense à L.A, on pense filles dénudées, soleil et pop songs qui vont avec. Mais ce sont des songwriters blèmes et tout sauf show-off qui y font les vagues les plus renversantes du moment. Moins médiatisés que MGMT, ce sont pourtant eux les vrais nouveaux hippies, mixant une attitude low-profile à des expérimentations musicales s'abreuvant de tous les genres (on pense au tropicalisme anthropophage des années 70), et un son sous-produit, enregistré sur cassettes, ou répondeurs. La visite d'Ariel Pink au festival Villette Sonique en ce mois de mai est d'ailleurs attendue par certains fidèles comme le messie. Présentation de trois de ces illuminés, avec l'avis d'un fan/et spécialiste de cette nouvelle scène arty de L.A, Detect, membre du Klub des Loosers et DJ qui avec son projet psyché Tiebreak se rapproche de l'esprit borderline de ces cousins californiens.

Ariel Pink
A 31 ans, Ariel Pink demeure une sorte d'artiste maudit. Il a plus de tubes pop-punk bricolés et barrés que n'importe quel groupe californien mais son nom n'évoque rien d'autre qu'une marque de lessive à la plèbe. Voilà plus de 10 ans pourtant qu'il fabrique des chansons lo-fi mirobolantes sur son huit-pistes. Dans son taudis de L.A, il collectionne les charniers de démos (une centaine de cassettes underground qu'il vend à des concerts), et les refus de maisons de disques. Jusqu'à ce jour béni de 2003, où lors d'un concert d' Animal Collective, il donne une K7 de ses démos à ses héros. Le coup de foudre est immédiat si bien que le groupe décide de sortir la compile sous-mixée, sans rien en changer, sur son label Paw Tracks. Le résultat, The Doldrums contient en fait un album enregistré au Canada entre 1999 et 2000 sur cassette Yamaha MT8 et une compile de maquettes faites à L.A de 2001 et 2003. D'où cette impression d'écouteur une musique pure, spontanée, débarrassée de toute fioriture et marqueur temporel. En quelque sorte, la musique d'Ariel Pink replonge l'auditeur à l'état de nature. « C’est un peu le R.Stevie Moore actuel (le roi du rock underdroung fait maison depuis 1973, ndr), raconte Detect. Ariel Pink a du faire 30 albums en 10 ans en créant ses musiques en mixant des cassettes audio entre elles. C’est à la fois génial, inutile, complètement bancal et magique. » Cette production approximative, à la limite de l'audible, son chant déchirant, proche du cri primal, atteint en effet l'échine et provoque des émotions brutes encore rarement ressenties. Un antidote aux prods léchées et hygiénistes de la pop californienne mainstream.
www.myspace.com/arielpink

Geneva Jacuzzi
Petite amie d'Ariel Pink, Geneva Garvin (alias Geneva Jacuzzi) est aussi sa plus sérieuse rivale. A la fois compositrice et artiste visuelle, elle possède le don d'ensorceler immédiatement l'auditeur par sa voix de harpie démoniaque terriblement érotique (la dimension orgiaque de ses cris orgasmiques) et des beats électro-goth-funk-balératiques complètement anachroniques. Ajouter à cela une pointe de mysticisme (dans les paroles) et milles et unes bizarreries sonores et vous obtiendrez des symphonies harmoniquement complexes et ambiguës (à la fois dark et tropicales). Les chansons de Geneva n'en sont pas moins aussi lo-fi que celles de son copain, puisqu'elles sont également enregistrées sur un modeste 8-pistes. Mais pour comprendre le grand pouvoir de séduction de cette gorgonne sculpturale, il faut voir le clip hypnotique de « Love Caboose » où elle apparaît en vestale darkwave sur youtube ou ses photos myspace. Entre collages diy (elle fait aussi les pochettes d'Ariel Pink’s Haunted Graffiti) et imagerie goth (photos d'elle avec du sang sur la bouche ou maquillée comme une chauve souris), Geneva Jacuzzi provoque de nombreux remous dans l'océan souvent peu sensuel des nerds de la blogosphère!
www.myspace.com/zombieshark

Sun Araw
Le moustachu Cameron Stallones alias Sun Araw, c'est Detect qui en parle le mieux! "Il s'agit du guitariste du groupe de Los Angeles Magic Lantern (www.myspace.com/magiclanternmako), qui font un rock noise, progressif. Leur chanson "At the mountains of Madness” était particulièrement brillante. En solo Sun Araw crée une musique "ambiante" qui s’inspire aussi bien du drone metal, que de Popol Vuh (groupe allemand qui a signé les musiques des films Aguirre, la colère de Dieu et Nosferatu, ndr) que de trucs plus psychedeliques. Sa musique pourrait bien coller à un film de Werner Herzog ou de Barbet Schroeder d'ailleurs. Son LP Beach Head est mortel." Sorti en 2008, Beach Head est en effet un des plus beaux disques entendus cette année là. Son écoute plonge l'auditeur dans un état de transe éthérée durant quatre longues plages de drone maya et mystique teintée de baléarisme. Un peu comme si les Beach Boys rencontraient Can et White Noise sur une plage déserte bordée d'une forêt tropicale hantée qu'on ne voudrait jamais quitter.
www.notnotfun.com/sunaraw/main.html

Pocahaunted
Écouter Pocahaunted (sur K7 ou 45t, leur format de prédilection), c'est accepter de lâcher totalement prise sur le réel et se laisser aller à une séance d'hypnose dont on ne revient pas indemne. C'est pourtant deux jeunes filles à frange aux airs faussement sages de hippies glam qui provoquent cet engourdissement de la conscience, ce déroutement presque inquiétant, dans le monde beau et mélancolique du drone psychélique. Il faut alors, dès les premiers accords, se laisser prendre par « Water Born », longue plage envoutante de 21 minutes pendant laquelle les guitares shoegaze et les incantations célestes s'unissent à des expérimentations que ne renieraient pas les SonicYouth du début ou un Merzbow apaisé. C'est splendide, intense, étourdissant, au delà de l'imaginable. Detect est d'ailleurs formel à leur propos : « C'est mon groupe préféré issu de l’excellent label NotNotFun basé L.A. Leurs morceaux complètement hypnotiques de 20 minutes avec des voix noyées dans des reverbs et des guitares saturées forment une musique nocturne hyper intense. » Le dj français a pour habitude de les écouter la nuit, en lisant Antonin Artaud. On finira simplement par vous dire que leur musique peut hanter toute une vie.
www.myspace.com/pocahaunted

remerciements : Vincent M (Detect)

Interview de Tiga parue dans le magazine du Social Club en 2008

2009-07-19T12:23:00.000-07:00

Tiga

A 34 ans seulement, le Canadien Tiga a déjà eu mille et une mille vies. Dj sex symbole, auteur du tube dancefloor inusable « You gonna want me », patron de label, tenancier de boite de nuit, producteur, remixeur, animateur de podcast (sur son site web), styliste, mais aussi-et surtout- grand fan de musique. Il nous dit tout dans une interview « bilan » multi-facettes mais sans « fard ».

Propos recueillis par Violaine Schütz

Peux-tu nous dire ce que tu fais de beau en ce moment?

Je travaille tout le temps. Je suis en tournée jusqu’à mai, tout en produisant mon second album. Il sera plus court que Sexor, mon premier disque, avec de la meilleure musique mais un nom encore pire.

Si tu étais journaliste, comment décrirais-tu Sexor à ceux qui ne l’ont pas écouté ?

5 étoiles, seul un fou résisterait à ces grooves qui changeront ta vie, j’aurais aimé acheter plus d’une copie mais la sécu du magasin de disque contrôlait la foule surexcité de gens bien lookés qui criaient « TIGA TIGA ». Mais je ne suis pas journaliste!

Tu es le patron du label de musiques électroniques Turbo, qui fête ses dix ans cette année, quelle est ta plus belle réussite en tant que « boss » ?

Je suis fier de notre survie dans une industrie qui a été complètement détruite et reconstruite. On a réussi à se maintenir d’ancien modèles à de tout nouveaux. Quand on a commencé, si tu voulais une chanson, il fallait l’acheter. C’était très simple. Les labels et les artistes avaient le contrôle, ou du moins un contrôle relatif sur comment la musique se propageait. Tout ça est mort aujourd’hui, il faut tout repenser.

Comment choisis tu les artistes que tu signes sur Turbo ?

Ce sont mes amis, ou ils ont fait un disque fantastique, ou je VEUX être leur ami, ou bien je sens qu’il y a une raison stratégique à essayer d’être leur ami.

Quels groupes nous recommandes-tu ?

J’aime beaucoup MGMT, j’adore aussi le dernier cd mixé de Perks N Mini (PAM), et j’écoute toujours beaucoup d’acid comme Air Liquide. Je pense que Proxy est quelqu’un de très spécial et que LCD Soundsystem sont géniaux, mais c’est pas nouveau. Et je suis sûr qu’il y a un million d’artistes super que j’ai zappé avant même d’écouter.

Comment c’était de grandir à Montréal en tant que fan de dance musique ?

Ce n’était pas facile, mais cette difficulté m’a rendu ambitieux et je suis reconnaissant pour ça. Nous n’avions pas beaucoup de magasins, une radio merdique, zéro magazine, et bien sûr pas d’internet, donc tu devais partir à la chasse pour des bribes de culture. Mais j’ai l’impression que c’est cette chasse qui permet d’acquérir des compétences.

Comment as-tu appris à mixer ?

Lentement. Pendant les premières années, ça me rendait très nerveux. Je ne m’y suis fait que graduellement, en jouant quatre fois par semaine. Les premières mixtapes sont très « intéressantes ».

Tu avais un magasin de disques à Montréal, DNA Records, que vendais-tu ?

Au départ, on gagnait de l’argent en vendant uniquement de la musique électronique : des cd’s, des compilations, les premiers disques du label MoWax, du trip hop, de la goa trance, de la techno, de la drum’n’bass, bref tout. Puis on s’est petit à petit spécialisés dans ce que je jouais lors de mes sets.

Peux-tu nous parler du club que tu as ouvert à Montréal, le Sona ?

Je l’ai ouvert et tenu de 1996 à 2000. Il y avait un programme destiné à apprendre à des sans-abris à danser.

Quelles sont tes influences majeures ?

Je suis très influence par la musique avec laquelle j’ai grandi. Depeche Mode, Nine Inch nails, KLF, la techno des 90's et la musique de rave. David Bowie et Prince ont aussi joué un rôle important ainsi que mes amis : Jesper, Jori, Dave N Steph, des écrivains, des comédiens, et d’autres.

As-tu déjà pris des cours de musique ou de chant?

J’ai joué de la clarinette à l’école, du piano deux fois (deux heures en tout), de la guitare trois (3 heures au total). Mon seul background musical c’est d’avoir aimé et collectionné la musique ; Je ne pourrais jamais jouer d’un instrument.

Quel est le meilleur conseil qu’on t’ait donné ?

Mon père m’a dit de trouvé quelque chose que j’aime et d’essayer d’en vivre.

(Le père de Tiga était DJ et a eu une carrière florissante à Goa, carrière durant laquelle il a amené son fiston avec lui, ndr).

Pour toi, quel est le meilleur remix que tu ais réalisé?

Il n’y en a pas un en particulier. Mais je suis content de celui de Thomas Anderson, de

The Kills et du “Tribulations” de LCD Soundsystem.

Quelle est ta definition d’un bon mix?

Une connexion entre deux chansons qui rend l’ensemble meilleur que la somme des parties. Un bon mix, c’est la même chose qu’un bon look : mélanger deux choses différentes pour en faire ressortir quelque chose de nouveau et d’inattendu.

Tu as designé des sweats pour H&M dont une partie des fonds allait à la lutte contre le sida, peux tu nous en parler ?

C’était destiné à recueillir de l’argent pour l’association AIDS. Ils m’ont demandé et j’étais très content de le faire. Et puis j’avais besoin de nouveaux sweats.

Comment te vois-tu dans dix ans?

J’aimerais être dans une belle maison blanche sur la plage, être écrivain, avec mes chiens, mes livres, ma famille et comme seul luxe une carte NetJets (une société de jets privés, ndr) dans ma poche. Plus sérieusement, j’aimerais être toujours curieux, et en train d’apprendre.

En tant que DJ, que penses tu de la mode des selectors et des pseudo-dj’s?

Nous sommes TOUS sélectors. Je ne perds pas mon temps à nous classifier. Certains sont juste meilleurs que d’autres, mais nous jouons tous de la musique dans le même but : faire danser les gens. Je respecterai toujours les Dj’s old –school et technique comme

Jeff Mills et Laurent Garnier, parce que c’étaient mes héros quand j’ai commencé. Pour le reste, je voudrais juste dire que nous vivons une époque musicale excitante, pleine de possibles mais je suis aussi content d’avoir dans les jambes dix ans de vieux système. C’est une bonne époque pour être musicien, juste pas le meilleur moment pour être riche en étant musicien…mais peut être que les deux n’ont jamais été faits l’un pour l’autre.

Interview croisée de Metronomy et Chandra (Soirées Durrr) publiée dans le magazine du Social Club en 2008

2009-07-19T12:18:00.000-07:00

Metronomy versus Chandra Durrr

Mon premier sort un album d’électro-pop tendance post-punk intitulé Night Out, qui raconte une nuit de fête du début à la fin. Mon deuxième organise l’une des meilleures soirées de Londres, la DURRR. Le toute forme l’une des « parties » phares du Social Club ce mois-ci qui fera se rencontrer le groupe anglais Metronomy et la mythique soirée de Chandra, fondatrice des Durr. Interview croisée entre ces deux spécialistes d’un clubbing rock de qualité.

Propos recueillis par Violaine Schütz

www.myspace.com/metronomy

www.myspace.com/durrrclub

Quelle est votre definition d’une soirée réussie?

Joseph Mount, leader de Metronomy : Quelque chose d’imprévu. Ne jamais prévoir de sortir, ce genre de soirées sont toujours décevantes. Je trouve que c’est beaucoup mieux de finir dans un lieu rock avec quelques bons amis et de passer toute sa nuit à requester des chansons des Smashing Pumpkins au Dj.

Chandra : Une bonne soirée pour moi, c’est de bonne danses et de bonnes discussions!

Est-ce que vous vous souvenez la première fois que vous êtes allés en club ?

M : Je suis allé dans un club de Brighton appelé le Gloucester. C’était une soirée rock, et j’avais 14 ans avec un permis de conduire d’un type de 22 ans. Je ne faisais pas du tout 22 ans et j’ai du porter un chapeau toute la nuit. C’est la première nuit où j’ai essayé le snakebite (mélange de bière et de cidre) un peu trop fort.

C : Je pense que c’était la soirée Puke au club Moles à Bath, c’était pour les teenagers et j’avais 15. Je ne m’en souviens pas très bien mais je sais que c’est à partir de là que j’ai commencé à aller à l’indie club Fusion tous les weekends. J’avais 16 et je suis toujours dans les clubs indie et dance à 31 !

Comment avez- vous découvert la musique électronique?

M : Par la collection de disques de mon père et une ex-girlfriend. J’étais assez chanceux pour sortir avec la seule fille de Devon (région anglaise dans laquelle a vécu Joseph avant de migrer à Brighton puis à Londres) à écouter LFO.

C : Un ami Dj a commencé à mixer du Daft Punk et du Kraftwerk au club indie, puis un autre pote organisait des énormes soirées dans l’Est du pays appelées les Karanga qui passaient beaucoup d’électro.

Quelle est votre chanson de club préférée?

M : « Ignition remix » par R-Kelly – Parce c’est la meilleure chanson sur le clubbing et le fait de sortir jamais écrite. « So what? I’m drunk » est mon mantra.

C : Bien sûr, ça change tout le temps, mais en ce moment j’aime danser sur le « Shadows » des Midnight Juggernauts ou le « Hoy » de Duke Dumont.

A quoi ressemble la scène musicale londonienne aujourd’hui? Qu’y-a-t-il de plus excitant à y faire ?

C : J’aime toujours voir des groupes en live et Londres accueille tout le monde en concert donc tu peux y expérimenter en live tout ce sur quoi tu es à bloc! C’est une des meilleures choses à propos de cette ville. Mais en ce moment, j’ai l’impression qu’il y a trop de festivals avec des sound-systems pourris qui affectent les shows, et que les gens ne vont voir des groupes et des Dj’s que dans ce cadre là. Pour moi, les clubs sont les meilleurs endroits pour vivre la musique.

M : La scène est beaucoup plus intéressante que l’an dernier, il y a plein de nouveaux groups qui émergent et sont très intéressants. Et les clubs londoniens jouent toujours de la bonne musique. Quand un club de Londres ne joue pas Suede ou les Smiths, alors la scène musicale est morte.

Est-ce qu’un Dj a déjà sauvé votre vie?

M : J’ai vécu à Devon, un comté du sud-ouest de l'Angleterre, encadré par les Cornouailles à l'ouest et Dorset et le Somerset à l'est plein de Dj's drum and bass. J’en ai entendu un jouer et j’ai détesté. Je ne m’y suis plus jamais attardé ensuite. Donc, oui ce type a changé ma vie.

Interview de Jackson parue dans le magazine du Social Club en 2008

2009-07-19T12:08:00.000-07:00

Jackson

par Violaine Schütz

En 2005, après quelques tracks très prometteurs, le parisien Jackson sortait l’iconoclaste Smash et s’imposait comme le Aphex Twin français et le renouveau de la french touch à lui tout seul. Adulé par Richie Hawtin, les 2 Many DJs ou encore Laurent Garnier, la presse hype et le label Warp qui l’a signé, il enchainait alors avec une série de live et de dj sets percutants. En 2008, le fils prodige ne s’endort pas pour autant sur ses lauriers, il travaille à Berlin, sur un nouvel album et prépare son grand retour, au Social Club le 3 septembre.

Te confond-on toujours avec Michael Jackson ?

Oui, surtout en interview.

Te souviens-tu du moment as-tu su que tu voulais faire de la musique pour de bon ?

Je pense que c'est lié aux premiers vinyles que j'ai écoutés à l'âge de 8 ans. La reprise de « Satisfaction » de Otis Redding ou « All the way down » de Etta James... Ca n'a pas grand chose à voir avec le fait de faire de la musique pour de bon, mais c’est l’un des déclics qui ont fait que j’ai su tôt vers où j’avais envie d’aller.

Comment as-tu découvert les musiques électroniques ?

« Rock it » de Herbie Hancock... On expliquait qu'il y a avait un mouvement qui s'appelait le smurf... Plus tard on écoutait « rave age » avec mes potes, l'émission présentée par Patrick Rognan sur FG... Ils annonçaient des rendez-vous et donnaient des numéros de hotline pour aller dans des soirées tech. J'aimais bien le hardcore pour le coté dramatique et l'esthétique d'une jeunesse industrielle no future qui danse hilare jusqu'au petit matin dans des lieux à priori sordides.

Quand tu réécoutes Smash, ton premier album, qu’en penses-tu ?

Certains morceaux me paraissent ratés, la gestion du temps, le mixage, ça me semble relativement foireux mais j’ai l'impression que le disque est habité. Ce qui était dans mes tripes à cette époque s'entend sur ce disque.

Quelle est la plus belle chose qu'on t’ait dite à propos de cet album ?

Je ne sais pas si on me l'a dit ou si j'ai fini par m'en convaincre mais qu'on aimait faire l'amour sur cet album.

Pourquoi prendre trois ans avant de travailler sur un autre disque ?

Parce que chaque étape de l'organisation d'une vie me prend cinq fois plus de temps que la plupart des gens. Alors je m'accorde le temps d'y réfléchir et d'élaborer des stratégies pour devenir un assisté « control freak ». Aucune des sociétés avec lesquelles je traite pour commercialiser mes enregistrements ne m'a proposé de bénéficier de leurs infrastructures. Ils me filent du pognon alors je le dépense mal et je m’installe à Berlin il y a de cela trois ans.

Ton prochain album sera-t-il aussi « révolté », irrévérencieux (l’un des morceaux du précédent se nommait tout de même « Radio Caca »)?

S’il pouvait être tout simplement jouissif,ça m'arrangerait.

Tu y travailles tout seul ?

Non, j'invite quelques personnes à me rendre visite dans un espace de travail totalement secret conçu avec deux amis. Ca ressemble à un tank mais il y a un canapé bleu sur lequel je m'endors et fait des auréoles de bave.

As-tu changé ta manière de travailler ?

J'ai essayé de quitter le monde des ordinateurs que je hais par dessus tout mais j'ai fini par me rendre à l'évidence que j'en étais dépendant, donc hormis le fait que j'utilise une palette graphique à la place d'une souris, je passe mon temps à regarder un écran.

Comment s'organise une journée type de Jackson ?

Je fais des listes le matin. Je pense en dormant sur le canapé. Je fais du vélo. Je mange une saucisse et je me fais des rasades de Weinbrand (du Cognac, ndlr).

Et une nuit type ?

Je dors avec un slip en laine tricoté par une religieuse de 25 ans.

Porteras-tu toujours le nom de « Jackson and his computer band » ou un autre personnage est en gestation?

Peut-être Jackson & his wool underwear.

Après avoir été encensé, et décrit comme le « great hope of dance music » par le très respectable magazine The Wire, la pression n'est-elle pas trop forte ?

La pression est nécessaire mais je pense qu'elle vient de la vie, pas des magazines. Sans pression, je ne ferais pas de disques, je chanterais des reprises de Led Zep dans la fôret .

Tu as remixé Justice, en réalisant un « megamix » de leur album, que penses-tu de leur succès et de leur dernier clip ?

J'adore le clip. Je reste convaincu que les chocs émotionnels font avancer les esprits. Personnellement je le trouve surtout drôle puisqu'exagéré et faussement vrai, surtout quand ils cassent les congas au Trocadero. Sinon j'aime leur disque, leur concept et leurs blousons en cuir.

Tu as également remixé Femi Kuti, Air, Vanessa Paradis. De quel remix es tu le plus fier ?

Celui pour Enrico Macias

C'est quoi la chose la plus embarrassante qui t'es arrivée pendant un set ?

La première fois que j'y ai joué pour une soirée de Luciano, les mecs du club m'ont virés au bout de 30 minutes... Je mettais de la musique de jeux vidéos et du rock... Je savais pas que ce club était un temple de musique qui se répète pendant 3 jours.

En 2006, tu vendais l’un de tes morceaux à une grosse compagnie de téléphone et demandais sur ton blog myspace aux fans ce qu’ils en pensaient. Quelles sont aujourd'hui tes limites en matière d'éthique ? Qu’accepterais-tu, et que tu refuserais-tu ? Tu jouerais à la Unighted des Guetta par exemple ?

Je pense que c'est plus intéressant de vivre ces propres problèmes d'éthique que de se la raconter avec des postures pseudo militante en étant anti David Guetta par exemple. D’ailleurs oui, j'irai jouer à sa soirée avec plaisir. On parle bien de musique là. Après le jour où un parti politique te demande de leur faire un morceau c'est une autre histoire. Et le jour où on vivra sous un régime totalitaire, il faudra réfléchir à des actions plus fortes que de refuser son morceau sur une pub. J’ai posté cette question sur mon blog pour mesurer la réaction des gens, jusqu'où effectivement ils refusaient le monde de la pub... Et oui ca m’a déçu que quasi tout le monde s'en foute.

Qu'écoutes-tu en ce moment ?

Une compilation de Nat King Cole, “Magic Fly” de Space, “I need a freak” d’Egyptian Lover.

A quoi aspires-tu aujourd'hui ? A quel projet musical rêves-tu ?

J'aimerai être celui qui a inventé le smiley. Je rêve de mon projet musical toutes les nuits.

www.myspace.com/jacksonand

Edges compilation - Bio écrite pour Because en 2009

2009-07-19T12:06:00.001-07:00

Edges

La bande-son d'une nouvelle génération électronique française

1997, Daft Punk sort son premier album, Homework, et révolutionne l'électronique mondiale. Un ordre nouveau s'établit par ce disque fondateur. Avant l'arrivée de la techno tonitruante de ce duo français, aucun artiste français pays n'avait eu de succès critique à l'Etranger. Avec Cassius, Air, Mr Oizo, une nouvelle génération électronique aux idées larges (ne renonçant jamais à une pointe de funk, de pop ou de disco), les hymnes dancefloor des petits frenchy s'arrachent autour du monde en alliant puissance dancefloor et exigence de qualité. Avec la French Touch, c'est toute une famille d'enfants du rock et d'ailleurs qui découvrent les joies d'une musique qui se danse, sans barrières ni oeillères.

Dix ans après, c'est deux Parisiens qui refont le coup de la dance pour tous. 2007, Justice sort Cross, disque crossover et fédérateur qui réunit sur la piste de danse clubbeurs fans d'électro et jeunes rockers en jean slim. Une musique hybride symbolisant une génération, appelée à juste titre la french touch 2.0, et gravitant autour du label Ed Banger.

Mais ils ne sont pas seuls. Depuis deux ans, d'autres jeunes producteurs amateurs de brouillages de pistes sonores préparent dans l'ombre d'autres révolutions électroniques. Qui sont-ils, et à quoi ressemble la musique d'aujourd'hui ? C'est ce que le projet Dum-Edges, tente de révéler, à travers une compilation mais aussi une tournée où se retrouveront trois des artistes les plus prometteurs de cette scène. Parmi ces grands espoirs 2009, il y aura le barbu christique Breakbot, à qui l'on doit d'excellents remixes pour Metronomy et Sébastien Tellier, le duo parisien club Gentlemen Drivers qui n'a pas son pareil pour mettre le feu sur le dancefloor et le lyonnais Nil Hartman, dont l'électro atypique n'hésite pas à flirter avec l'expérimental.

Ce trio représente à merveille l'effervescence musicale d'une scène musicale ultra inventive du moment. A l'ère des blogs et de l'accès facile à l'histoire entière de la musique, ils font partie de ces producteurs français de musique électronique qui explorent encore des voies demeurées inédites et des ponts entre les genres jamais dressés. En 16 titres, tous inédits (ou rares), Dum-Edges offre un panorama, plus qualitatif et défricheur qu'exhaustif de cette scène éclectique, décomplexée et extrêmement active. Que ce soit l'électro-pop 80's et romantique du Nantais Anoraak, la house vrillée, mentale et destructurée du duo parisien Discodeine, ou l'univers cosmique et rétro-futuriste de Chateau Marmont, tous ont retenu les leçons de la première french touch : l’ouverture musicale, l'hédonisme et la volonté de ne pas répéter des recettes déjà existantes. Voilà au final l'instantané d'une « famille » de producteurs qui a décidé de ne pas choisir entre ambiance dark et hymnes fluo, puissance dancefloor et écoute maison, références underground et mainstream. Bref, voici la bande-son d'une époque, la nôtre...

Sortie cd & Digitale le 1er juin 2009

Tournée"DUM-AGES" dans 4 villes françaises

Le 4.06 à Paris

le 5.06 à Marseille

le 12.06 à Lille

le 13.06 à Lyon

Dum-Edges

track by track

Breakbot – Penelope Pitstop

Attention, sous ses airs de Jésus, ce type est un messie. Pas loin d’être le meilleur remixeur au monde du moment (Metronomy, Pnau, Sebastien Tellier), Breakbot sera l'un des grands de l'électro de 2009. On pense à la première french touch, Justice et Vladimir Cosma, sur ce track. C'est bon signe...

Donovan - Wonderland

On ne sait pas où se trouve exactement ce « wonderland », mais il fait bon s'y attarder un peu. Le duo Donovan fait des chansons pour les jeunes filles en fleur, de la dance pour garçons sensibles, un peu comme si les Daft Punk embauchaient Chromeo et un Kanye West particulièrement bien luné pour faire une petite balade au pays de la disco pop ensoleillée. Gros potentiel « roulage de pelles » sur la piste de danse.

Dilemn - Modern Slave

La jeunesse parle à la jeunesse. Messe noire et chaos ténébreux, dont le style haché rappelle un certain Oizo, ce « modern slave » de Dilemn ne laisse pas le choix à l'auditeur : devenir esclave de beat syncopé ultra groovy et vraiment très méchant.

Mondkopf - Chaos Is Mine

Un titre pour croire en Dieu, avec des chants célestes un peu gothiques et des ryhtmes sombres et détraqués qui avancent lentement vers la lumière. Le chaos n'est qu'une illusion...le salut t'attend en after sur le dancefloor moite!

Discodeine_Invert_Parceque

Ok pour le disco, mais danse sa version obscure alors, plus codéine que MDMA quoi. Et dans le genre « dark disco », ce track est une vraie drogue, ça s'insinue par tous les pores pour se loger dans le cerveau avant de redescendre dans les jambes, qui deviennent indépendantes du reste du corps. Pas étonnant, c'est les deux sorciers Benjamin Morando (ancien Octet) et Pilooski (le roi de l'edit) les fournisseurs.

Rove Dogs - Home rage slomo (innocence lost)

Rove Dogs est grand et beau, mais heureusement il n'y a pas que le physique dans la vie. Ce morceau prend l'auditeur par l'épaule et l'amène loin. Et pas besoin d'aimer la minimale pour se laisser avoir par cette ritournelle faussement « downtempo » et vraiment pop dans l'âme.

Digitick 84 - Bboy underground

Vous vous souvenez de la première fois que vous avez entendu le « Blue Monday » de New Order? Il y a quelque chose de l'ordre de la même évidence dans les synthés, vocaux et gimmicks (en plus ghettotech) de ce « Bboy Underground » qui devrait pas le rester longtemps, underground.

Djedjotronic - James

L'époque est brutale, et le clubber n'aime pas s'ennuyer. C'est le moment de la compil où on monte le son, et on mouille la chemise. Le gars est signé chez Boys Noize Records, et il n'a rien à envier à l'efficacité dancefloor indiscutable de son boss. Ah oui, Busy P l'aime beaucoup. Et Busy a souvent raison.

Chateau Marmont - Solar Apex

Moroder? Kraftwerk ? Tellier? « Solar Apex » c'est pas la vie de château, mais plutôt « life on Mars ». Un aller-simple vers une autre galaxie, pas très loin du soleil, dans un autre espace temps, dont on ne revient pas tout à fait indemne.

Anoraak - Make it Better

A Nantes, une poignée d'aventuriers réinventent la pop romantique des années 80. Anoraak, l'un des plus flamboyants représentants de cette scène «électro cosmique rétro futurtiste » très « endless summer » nous sert ici un vrai tube. Des synthés vintage aériens, une voix mélancolique, un groove quasi italo disco : « Make It Better », on peut pas faire mieux!

Gentlemen Drivers – Nationale 66

En général les deux Gentlemen Drivers (Mica et Benoît) conduisent des gros calibre qui vous transportent direct sur la route de l'enfer (le péril club) quelque part entre Detroit et Chicago. Ici ils prennent des risquent en empruntant une « Nationale 66 » plus italo disco et poppy que dirty-ghetto-tech. Et là encore, y a des chevaux sous le capot!

Stereoheroes - Lamborghini Lungs (Spoek & CV)

Marseille, cité des chaînes en or qui brillent et des tongs, ok, on sait. Mais depuis les Stereoheroes, c'est complètement le Bronx dans le Sud. Ici, les Lamborghini bougent toutes seules comme dans les clips de r'n'b et le flow ne sonnerait pas honteux sur une instru de Crookers. Haut niveau!

Danger – 88:88 : Stage 3

Attention, gros tube! Le lyonnais Danger aime quand ça déménage et qu'il reste des séquelles. Il le démontre avec maestria sur cette prod toxique, massive et entêtante qui réveillerait un dancefloor mort.

Spitzer - Odessa Spring version

Petite pause électronica de bon aloi. Une jolie respiration pour reposer les pieds. Mais pour combien de temps?

Nil Hartman - La datafunk

C'est beau, mélodique, pur, humain, amusant et puissant. La « datafunk », c'est un peu un nouveau « Da Funk » : ça devrait mettre tout le monde d'accord, du petit cousin fan de Boards Of Canada à la grande sœur qui veut aller danser pour tout oublier.

SPA - Piano magic

Une chanson pour réconcilier les hommes et les animaux. Spa se dit inspiré « initialement par les comportements animaliers, notre musique est à la fois calme, joyeuse, violente et dark... une versatilité qu'on peut attendre d'un animal faisant de la musique ». Une bonne façon de terminer une compilation, revenir à ses instincts primaires et danser comme des bêtes. Penser aux voisins : n'oublier pas de mettre le son à fond.

Second Sex - Petite Mort (bio du groupe écrite pour Because en 2008)

2009-07-19T08:24:00.000-07:00

Enfin, les plus belles boots et les plus beaux riffs de toute la jeune scène rock parisienne sortent leur premier album. Et la meilleure nouvelle, c'est que les Second Sex, arrivés à leur majorité, ont aujourd'hui dépassé le rock garage binaire de leurs débuts en décembre 2004 pour voir plus loin et plus grand.
Petit rappel, à l'époque, décembre 2004 donc, les quatre jeunes garçons, Arthur (guitare), Vince (basse), Tim (chant/guitare) et Sacha (batterie) qui se connaissent depuis l'école et les stages de foot, se réunissent autour d'un amour commun pour le premier White Stripes, le « Is This It ? » de The Strokes et les groupes rock, soul, blues, funk et punk des années 60 et 70.
Ils optent vite pour un patronyme aussi sex que leurs premières mélodies, Second Sex, une référence à Simone De Beauvoir, très féministe. « Et si c'était nous, le deuxième sexe ? Notre nom est un hommage à toutes les stars androgynes : Iggy Pop, Mick Jagger, New York Dolls, Lou Reed... », disent-ils alors. Après ça, le déluge. Des concerts en rafale, deux singles plus que remarqués, l'emballement médiatique, l'engouement myspace, une première partie de Muse à Monaco devant 20 000 personnes, celle des Babyshambles à l'Olympia et des Wampas au Zénith.
Jusqu'à ce premier album et ses faits impressionnants. Une pochette dessinée par Guy Pellaert (auteur du cultissime « Rock Dreams »), et surtout, une production assurée par Pelle Gunnerfeldt, le producteur des Hives avec qui ils ont travaillé en Suède (Stockholm) pendant plusieurs semaines. « Travaillé » c'est bien le mot. Car il est loin le temps où les Second Sex pouvaient être étiquetés « rejetons de la scène parisienne des bébés rockeurs encensée par la hype, au même rang que les Naast ou les Plasticines ».
C'est que, sage, le groupe aura pris son temps pour arriver au rock dont ils rêvaient et dépassé le stade où ils chantaient : « Je suis une tortue ninja », tout en préservant la hargne d'antan. Résultat ? Un album puissant qui mêle le garage des débuts, le stoner rock et la power pop surpuissante. Des chansons couillues, qui sentent le cuir gras, les grosses motos et les filles en sueur, parlent de fétichisme, de diable et de « perdre le contrôle ». Chose que musicalement, les Second Sex ne font jamais, perdre le contrôle. Assénant avec une classe folle une ribambelle de tubes évidents et de classiques instantanés qui sonnent à la fois rétro -dans l'esprit- et ultra modernes -dans la production-, ils n'oublient pourtant jamais de laisser transpirer l'énergie punk saignante de leurs concerts et la colère primaire des rages adolescentes.
Dans Second Sex, il y a « sexe », et Petite Mort signifie aussi orgasme, ce qui à n'en point douter, n'est pas titre à avoir été choisi au hasard.

Bashung à l'Elysée

2009-03-17T08:01:00.000-07:00

Texte par Violaine Schütz publié dans le HOWL de janvier 2009

Elysée Monmartre – Le 26 octobre 2008

compte rendu de concert/ Bashung

Avec Daniel Darc et Christophe, Bashung reste l'un des rares survivants de la chanson française à nous émouvoir encore comme il y a dix ans. Il en donnait une nouvelle fois la preuve, le 26 octobre dernier devant un Elysée Montmartre aussi comble que comblé.

Chapeau, lunettes noires et pardessus à la Bogart, Bashung entre sur scène, impressionnant d'allure et d'aura en prévenant tout de suite le spectateur de ce qu'il attend. « Vous connaissez quelques unes des chansons que je vais chanter, d'autres non, je vous souhaite un bon voyage ». Un voyage, c'est en effet de quoi il retourne ce soir à l'Elysée Monmartre. Pendant plus d'une heure et demie, Alain Bashung alternera au milieu d'un jeu de lumière somptueux (on pense souvent à certaines scènes de Twin Peaks) morceaux récents (dont beaucoup sont tirés de Bleu Pétrole, son dernier album en date) et les tubes pour lesquels le spectacle affiche complet depuis quelques mois. La grosse surprise étant que notre hôte ne fait pas cavalier seul. Ses compagnons d'infortune et de fêlures n'ont rien d'un escadron de requins de studio un peu lourdaud mais manie la guitare, la basse et le violoncelle avec la légèreté d'un Calexico mêlée à la finesse d'un Tindersticks. Nous voilà donc très vite transporté par la magie d'une voix aussi torturée que limpide et d'une musique onirique vers un terrain très lointain qui file le vague à l'âme et la chair de poule (celle des frissons et des picotements dans le bas ventre). Les escales les plus flamboyantes demeurent celles qui nous amènent vers le passé. L'impeccable « La nuit je mens » est le premier moment d'émotion pure qui s'offre à nous avant que l'homme en noir nous régale d'une reprise très classe d' « Everybody’s talkin’ » d'Harry Nilsson, et d'une version sautillante d' « Osez Joséphine » dont l’intro est remplacée par le « Blowin’ in the wind » de Dylan. Mais le meilleur reste à venir. Quand la fin arrive, « Madame Rêve » épingle le public au ciel et le magnifique « Vertige de L'Amour » donne le tourni à ce qu'il nous reste d'esprit. On dit merci.

Una notte bianca, nel 1977 avec JC/DC

2009-03-15T04:40:00.000-07:00

texte paru dans le TSUGI n°9

par Violaine Schütz

Una notte bianca, nel 1977 avec Jean-Charles de Castelbajac

Créateur pop post-moderne, déjanté et plein d’humour, connu pour ses détournements de toiles de jutes en robes citationnelles, Jean-Charles de Castelbajac, est aussi un fan de musiques électroniques acéré, ami du leader de Kraftwerk à ses débuts qui projette aujourd’hui de faire jouer Crystal Castles à son prochain défilé. Moment rare : le plus anarchiste des aristocrates nous entraine avec lui dans une nuit-voyage digne d’un épisode d’Indiana Jones dans le temple maudit d’une l’Italie hantée.

C’était en 1977 ou 78, en Italie, pendant les années de plomb, ce moment de l’histoire où il y a eu énormément d’attentats terroristes et où régnait un étonnant paradoxe entre la dolce vita italienne et quelque chose de dramatique lié à la présence du fascisme. J’ai une vingtaine d’années, c’est un samedi soir d’été, en fin de soirée. Un ami cher, Achille, me propose de le suivre dans sa vieille décapotable Corniche vers une propriété perchée sur les collines de Reggio d'Émilie, qui ressemble qui a tout de la demeure de Nosferatu.

22h30 : Achille frappe à la porte, et on se retrouve dans un immense couloir d’une hauteur de 11 m sous plafond, avec un sublime tapis d’orient au sol, et une voute faite de chaque côté de 25 têtes de girafes empaillées, et d’orangs outans naturalisés : que des animaux que j’aime sacrifiés pour le seul plaisir de tuer. Les girafes, très féminines, me regardent chacune dans les yeux, avec la même tristesse dans le regard que la mère de Bambi au crépuscule de sa vie. Au fond du couloir, trône une énorme tête de lion sous laquelle se trouve une double porte cloutée à battant. Un maitre d’hôtel ouvre la porte. Et là, on découvre une autre pièce-temple contenant des tableaux très sombres d’ancêtres, presque que des hommes dans une atmosphère étrange avec un éclairage aux chandeliers et une table mise de 12 m de long au milieu. On s’installe avec Achille dans des fauteuils renaissance italienne.

23h : Il est assez tard pour diner lorsqu’arrive une femme au très long cou, comme on peut seulement en voir sur les princesses romaines photographiées par Richard Avedon, et qui
ressemble aux girafes de l’entrée. Par une autre porte, sort un homme rougeaud, avec moins d’allure, qui s’installe à l’autre bout de la table. Le couple très mal assorti ne s’adresse la parole que par petit mot écrit et transmis à un maitre de maison qui le pose sur un petit plateau d’argent.

00h30 Dans une situation à faire pâlir de désir Salvador Dali, et dont la drôle d’ambiance aurait fortement excité Marcel Duchamp, le premier plat arrive. La maitresse des lieux, dont j’apprendrais plus tard l’identité- il s’agissait d’une véritable princesse romaine devenue comtesse par son mariage avec un riche notable toscan-, est entourée d’une dizaine de chihuahuas comme il en existe que quelque uns dans le monde. Le diner se passe et la conversation trépasse. Dans cette cathédrale du silence, le velours est proche des prémisses d’eyes wide shut, mais il ne se passe rien. Je demande en partant à Achille, si ces gens ne sont pas un peu bizarres. Il me répond que le couple a simplement choisi de régler un contentieux entre tous les deux par un silence à vie.

01h30 Achille me parle d’une fête chez un ami, dans les collines de l’Emilie. On monte dans sa Rolls corniche, dont la teinte change selon les jours (il prend la noire le lundi, jour de deuil) et on arrive devant une villa bunker avec un ciment à la Rambo, qui reflète la lune. A l’intérieur la fête est assez figée avec que des jeunes gens de familles à l’allure romantique et romanesque, tous semblables aux mannequins de Kraftwerk. Une quinzaine d’entre eux regardent vers un petit jardin. Et là je demande à Achille : « toi qui est un grand amateur de beauté féminine, peux tu me dire où sont les femmes ? »
Il me répond : « Elles ne sortent pas après minuit ». Je suis un peu déçu.

3h30 A travers les baies vitrées, vers lesquelles les jeunes garçons lorgnent, j’aperçois une fille qui ressemble au printemps de boticelli, poursuivie par un ours. Je ne comprends pas pourquoi les clones de Gary Numan assistent à cette tragédie en rigolant. En colère, j’en bouscule un, je saute dans le jardin, je cours après l’ours, le terrasse, sa tête roule et boule et je découvre qu’une femme se cachait sous la peau de l’ours. A ce moment là, des projecteurs se braquent sur les différentes terrasses hypra modernes de la villa, et des sonorités électroniques qui remontent à l’archéologie du genre, dans la veine d’OMD, Human League et Throbbing Gristle envahissent l’espace. Il s’agit en fait des premières notes de « warm leatherette » de the normal, convié pour orchestrer live cette messe apocalyptique.

4h30 je dois travailler le lendemain matin, dessiner une collection pour la marque Sportmax pour laquelle je travaille alors, mais Achille me prend à part et me dit, pars pas, je veux te montrer quelque chose. Il m’emmène dans une pièce où se trouve un tableau en dyptique, montrant d’un côté, le dos d’une femme grandeur nature constellé de grains de beauté, et de l’autre une nuit étoilée où les taches de la fille sont transfigurées en ciel. Il s’agit du tableau « physionomie céleste » de Claudio Parmiggiani (célèbre peintre italien des années 60, ndr).

6h00 Achille me dit qu’il veut m’offrir ce tableau.

6h30 Après un tour en Rolls, on se retrouve à la terrasse d’un café, nous sommes seuls, Achille me récite du Lautréamont, en français dans le texte, la séquence du requin des chants de Lautréamont. Je commande un double expresso et un verre de Sambuca. Je bois la liqueur dans le café, après avoir fait flamber 3 grains de café. Le jour se lève sur l’Italie plombée par les années de plomb.

www.jc-de-castelbajac.com/

Une nuit avec Daniel Darc

2009-03-15T04:34:00.000-07:00

Paru dans le TSUGI n°7

www.tsugi.fr

Texte : Violaine Schütz

Une nuit avec Daniel Darc

Héros de toute une génération de jeunes gens modernes, l’ancien chanteur de Taxi Girl revient de tout (il a survécu à cinq grammes d’héro par jour quand même) avec un album aussi poignant que raffiné. L’occasion de répondre à cette question : C’est comment une nuit avec celui qui a dit « Quand je mourrai, j’irai au paradis, parce que c’est en enfer que j’ai passé ma vie» ? D’enfer bien sûr, même si la bête finit pas y révéler sa part d’ange…

18h Attends, je finis mon verre. En temps normal, ou plutôt en temps anormal, c'est-à-dire quand je ne suis ni en tournée, ni en studio, à cette heure là, j’ai envie d’écouter France Inter ou France Culture. Ou alors, je regarde un des 31 films d’Elvis Presley. Enfin, 33 si on ne compte pas que les fictions.

19h30 J’essaie d’écrire, et comme je n’y arrive pas, je me dis : autant aller au bar. Je vais au café en face de chez moi et je joins l’utile à l’agréable : je bois en écrivant. Je vous dirai pas le nom du bar, mais seulement qu’il y a deux serveurs, un fan des Stones et l’autre de Dylan, qui se disputent pour passer l’un ou l’autre. Du coup, j’aime beaucoup cet endroit. Souvent, je me retrouve entre deux couples qui échangent des discussions un peu connes de couples. J’ai mon enregistreur avec moi, et souvent j’enregistre ce qu’ils disent pour m’en inspirer. Parfois, ça dégénère, quand je me fais repérer. Il est arrivé de me foutre sur la gueule avec un black qui avait vu mon enregistreur et qui s’est mis à hurler : « C’est quoi, ça, de la sorcellerie ? »

22h Je vais au Fanfaron, écouter des groupes, dans une ambiance boite de nuit.

1h J’essaie de dormir, mais je suis insomniaque, je dors grand maximum quatre par nuit. Depuis mon delirium tremens (problème neurologique causé par une grosse quantité d'alcool ingérée à long terme qui se traduit par de la fièvre, des convulsions et des hallucinations visuelles terrifiantes mettant souvent en scène des animaux, ndr), j’ai assez peur au moment d’aller me coucher, alors je laisse la lumière de la cuisine allumée. Le delirium tremens, c’est terrible, ça te poursuit toute ta vie. Tu ne veux pas que je te raconte des trucs plus cochons, non ? (rires) je sens que t’aimes les trucs cochons. (Moi, non, pas du tout, ndr)

2h Je ne dors toujours pas, alors je lis ma lecture de chevet, la bible traduite par Castellion. Il faut lire la bible, dans cette édition très très belle. C’est un monument de la littérature dont tous les grands écrivains reconnaissent la beauté du texte. On ne l’a trouvé plus, mais ils l’ont réédité. Sinon, tu peux aller à l’Eglise, et si tu dis que tu es croyant, ils te donneront une bible ; Si je suis croyant ? Bien sûr, je suis protestant d’origine juive. Je doute, c’est pour ça que je crois. Paix à ton âme, en enfer et ne désespère pas.

5h Je m’endors quand le soleil se lève. Si je vais bien, je me lave les dents. Sinon, un carnet, ma machine à écrire, et mon enregistreur à côté de moi, j’éteins la lumière, je ferme les yeux, et je fais une prière.

Amours Suprêmes (Mercury/Universal)

www.myspace.com/danieldarc

Une nuit avec Sebastien Tellier

2009-03-15T04:30:00.000-07:00

Article paru dans le TSUGI n°6
Texte de Violaine Schütz

Une nuit rêvée avec Sébastien Tellier

Comme le grand Christophe (dont il est fan), le latin lover aux costards blancs Sebastien Tellier vit surtout la nuit. C’est pendant ces heures sombres qu’il compose, joue à la Playstation ou file au Baron. Sur son nouvel album, Sexuality, il imagine une nuit érotique du début à la fin ; Et pour Tsugi, c’est une soirée légère et avinée dans un pseudo-Cannes qu’il fantasme. « La nuit pour moi c’est lié au rêve et à l’enivrement », avoue-t-il

18h00 : Je suis dans une belle villa à 500 mètres de la mer dans les hauteurs d’une ville qui ressemble à Cannes, mais qui n’est pas Cannes. Je bois un bon vin blanc glacé, et j’écoute Robert Wyatt. C’est vraiment parfait Robert pour l’apéritif car ça plonge dans l’obscurité.

19h : Il faudrait que ma fiancée rentre de ses affaires, qu’elle ait un travail. Qu’elle ne soit pas chômeuse donc, non je plaisante. (Dans la vraie vie, la petite amie de Sébastien, Amandine de la Richardière est une jeune actrice à forte poitrine de 26 ans qui n’a pas beaucoup tourné mais a prêté sa voix au disque de Tellier. Ce sont ses orgasmes qu’on entend tout au long de Sexuality, ndr). Non, je voulais dire que dans ma nuit préférée, ma copine rentre d’un travail qui l’a intéressée et a plein de choses à me raconter sur cette activité.

21h : Deuxième apéritif. Les disques à écouter pour le deuxième apéro parfait, c’est Diana Ross, Marvin Gaye, Stevie Wonder, les Beach Boys.

22h30 : Il est l’heure que les taxis viennent nous chercher pour nous amener au restaurant. Des amis nous rejoignent, mes meilleurs potes, des gens que je respecte dans l’art, d’autres qui ont des choses absurdes à dire. Là, on boit un maximum. Et surtout on réfléchit à ce qu’on va manger. On fait des concours de qui prendra le plus de trucs. « Entrée-plat-dessert », qui fait mieux ?

23h30 : Arrivée au restau, troisième apéritif, puis on s’empiffre. Moi, j’aime bien quand c’est la fiesta sur la table et qu’il y a plein de trucs partout. Le couscous c’est agréable, les tapas aussi. Faut que ce soit des plats festifs, qu’on s’amuse en les mangeant. Après, moi j’apprécie quand il y a des embrouilles pendant le repas. Un tel qui a trompé machin et que ça se sait. Si des copains peuvent se mettre sur la gueule, c’est dommage pour eux, mais ça fait toujours des petites activités sympas. J’adore aussi admirer les gens et cracher sur les gens : « lui, il est formidable », « oh, lui, quelle merde ! ». Les discussions stériles et les soirées superficielles avec des gens intéressants, ça c’est bien.

02h00 : Lentement mais surement on se retrouve chez un pote. Là, on boit plus un digestif- du Cognac- pendant que les filles se re-préparent un peu, avant de repartir. J’aime bien les déplacements, c’est là où je me marre le plus. A l’arrière d’une bagnole, quand on écoute de la musique à fond en racontant n’importe quoi, c’est un moment merveilleux.

03h00 : On sort dans une boite de nuit qui se trouve face à la mer. Je regarde les autres danser, je profite de la musique pendant que des mecs me racontent les derniers potins. J’ai essayé de bien m’habiller pour sortir. J’essaie d’être toujours présentable et de créer un certain style. Je peux garder mes lunettes de soleil dans le club.

Fin de la nuit : Un bon brunch avec un gros cheese-bacon, dans un endroit comme le restau américain Joe Allen à Etienne Marcel. Pas un McDo, non ! Des vraies frites et un vrai burger. Après seulement j’envisage la possibilité du sommeil.

Sexuality (Record Makers/Discograph)

Metronomy - Tsugi n° 10 - juin 2008

2009-02-12T06:03:00.000-08:00

Texte : Violaine Schütz
Metronomy
New rêve

Une incroyable injustice ! C’est ce dont l’ambitieux trio anglais Metronomy, a fait l’objet. Classés vite-mal fait dans l’étroite case fluo de la new-rave à ses débuts, le groupe a continué à être cantonné au rang de sous-klaxons dans son pays. A tort. Nul n’étant prophète dance en son pays, aux Français de les apprécier à leur juste valeur : celle d’un groupe pop majeur.

Si comparaison il doit y avoir, ce n’est pas du côté de Twisted Charm et Hadouken ! qu’il faut chercher à caser le cas Metronomy ; Le sang de ce trio de Brighton est royal, de celui qui coule dans les veines d’une race pop qui vient de loin, de celle qui brise les frontières et franchit des montagnes, avançant seul et dans le noir, sans Dieu, ni maître pour créer de nouveaux sentiers, dresser des ponts inédits. Sparks, Devo, Talking Heads, voici quelques noms que le frondeur Nights Out, deuxième album de Metronomy, évoque au détour de douze partitions d’électro-pop anticonformiste qui ne se laissent pas facilement apprivoisés. Et si Metronomy étaient les nouveaux Brian Eno ?
La jeunesse parle à la jeunesse
« Les chansons dance parlent presque toute de la nuit de façon fun. Notre concept, c’était de créer la bande son d’une nuit, mais pas d’une nuit où je m’éclate, plutôt d’une où je ne m’amuse pas. On parle d’un thème pas très fédérateur : le clubbing non festif (rires) ! Car je sors beaucoup, mais suis souvent déprimé pendant en soirées. En Angleterre, le public s’accroche à l’aspect visuel-très coloré de notre univers, qu’ils trouvent fun, mais il y a une grande tristesse, dans notre démarche. »
Ah, c’est sûr, Joseph Mount, à qui l’on doit ses propos, n’est pas un leadeur pop anglais comme les autres. Ce guitariste de 26 ans ne porte pas de slim, ne kiffe pas Kate Moss et ne cause pas de filles. Plus Nick Hornby que Pete Doherty, il porte dans l’album Nights Out, ainsi que dans la vie, un regard plutôt désabusé sur ses contemporains dans des chansons presque toutes écrites « en rentrant ivre de pub ou destroy après une virée en club ». « Nos paroles sont assez mélancoliques, avoue Joseph. « On Dancefloors » raconte le désarroi qu’on peut ressentir parfois sur la piste de danse quand on arrive pas à communier avec ses potes. « Heartbreaker » s’inspire d’un ami enfermé dans une relation amoureuse de merde, qui n’arrête pas de se plaindre de sa meuf à un pote. En fait, le plus important c’est sa relation avec ce pote ! « Holiday » c’est l’histoire de vacances impossibles pour un couple qui n’arrive pas à se mettre d’accord, et « On the Motorway » c’est un peu notre « Leader Of The Pack » à nous : l’histoire d’une fille qui vole une voiture et a un accident avec juste après ».
D’Aphex à Erol
Mais le propos, très « commentaire social » et donc très « Gang Of Four » serait banal s’il n’était pas accompagné d’une musique qui lorgne bien plus loin que le pavé anglais. Musicalement, Metronomy c’est une batterie métronomique qui suit les pulsations cardiaques d’un cœur fou et survolté, une basse new-wave souvent inquiétante et des synthés cheap mais riches d’idées. On y retrouve la grâce new-wave de New Order, la rage des Clash et un peu de l’émotion techno primitive contenue par Kraftwerk. Et puis quelque chose d’absolument unique et moderne ;
Car si Nights Out est l’œuvre d’un trio : Gabriel Stebbing (basse, claviers), Oscar Cash (saxophone, claviers) et Joseph Mount donc, c’est surtout celle de ce dernier. Joseph, un gamin qui a grandi « dans la pire région du monde, Devon. Etre ado là-bas, c’était ne rien faire, absolument rien, à part errer dans les parcs. Si tu as 15 ans à Devon, et que t’es pas totalement comme les autres et que tu as ton propre sens-très particulier- de la mode, on dit que t’es hippie et on te trouve vraiment bizarre. Tu passes pour un freak. »
Heureusement, les choses s’arrangent un peu quand le père de Joseph vend un ordinateur à son fils. Ce dernier s’en sert pour copier ses héros d’alors -Autechre, LFO, Aphex Twin- et se choisit un nom mélangeant ses deux passions : la musique (métronome) et l’astronomie. Parce que l’ado de 17 ans vise déjà les étoiles. Un premier album étrange, très électro et quasi instrumental intitulé Pip Paine (Pay The £5000 You Owe) naîtra en 2006 dans la chambre du petit Joseph et aboutira à quelques faits exemplaires : des remixes pour Klaxons, Franz Ferdinand et Kate Nash. Un premier single, « You Could Easily Have Me » playlisté en boucle par Erol Alkan, et surtout un concept live parmi les plus originaux qu’il nous ait été donné de voir.
Harder, better, stronger
« Sur scène, on place des lampes sur nos tee-shirts. L’idée est venue d’une illumination qu’on a eu juste avant de faire notre premier concert, raconte Joseph. On voulait éviter d’être pris trop au sérieux, ou d’être vus comme un groupe d’électronica chiante, alors je suis rentré dans une solderie « tout à un pound » et j’ai acheté ces trois lumières rondes. C’est un peu comme la pyramide Daft Punk, mais version cheap. Nos chorégraphies sont nées de la même impulsion : étonner, offrir un truc original. On a même invité une troupe de danseuses une fois sur scène. »
Définitivement pas comme les autres ces Metronomy, injustement réduits à un énième groupe fluo, alors que la vérité est ailleurs, dans une révélation délivrée en fin d’interview par Gabriel, le bassiste. « On aimerait que les gens pensent qu’on commence quelque chose, et pas qu’on le finit, qu’on nous place dans une lignée de groupes pop qui ont essayé d’éclater des barrières, pour écrire des chansons à la fois dansantes et un peu compliquées. On aime vraiment la musique et on en écoute beaucoup : du post-punk à la new-wave en passant par la pop très pure de Hall& Oates. On ne fait pas ça pour la gloire ou les filles. Alors ce serait vraiment chouette que ceux qui écouteront l’album se rendent compte qu’on a tenté de faire quelque chose d’ambitieux, de plus grand, de plus intéressant que de s’engouffrer dans une mode. Metronomy essaie d’être différent. »
Et réussit. Alors, que Justice soit faite.
Nights Out (Because)

Late Of The Pier

2008-12-09T09:08:00.000-08:00

Article de couv paru dans le TSUGI n°11

Texte : Violaine Schütz
Late Of The Pier
les derniers arrivés
Fin de race, début de lignée

Il y a eu le revival du rock binaire classe 77, l'éphémère nu-rave remettant les 90's au goût du jour et puis plus rien. Enfin, c'est ce qu'on croyait jusqu'à ce qu'un quatuor à peine majeur, Late Of The Pier, viennent confirmer, avec un premier LP vivifiant et barré ce que Metronomy et Mystery Jets avaient prédit. Il y aura bien un futur du rock anglais, et celui-ci passera par des synthés, une excentricité très 80's et une bonne dose de second degré. Vivement demain!
« Ce n'est pas seulement le nouveau groupe le plus excitant du moment, c'est LE groupe le plus excitant de tous les temps. J'aime leur musique et en tant que personnes ce sont les quatre types les plus créatifs, spirituels, inspirés, concentrés et aimables que j'ai jamais rencontré. Je pense que Fantasy Black Channel est un très beau disque, qui ose beaucoup de choses, mais ça je le savais avant même qu'on commence à l'enregistrer.”

C'est en ces termes, plus qu'élogieux que l'homme du moment, l'Anglais Erol Alkan, parle de son groupe préféré dont il a produit l'album, et on est pas loin de partager son enthousisame un brin ampoulé. Le 26 juillet, on constatait pour de vrai à quel point l'emphase de l'ancien patron du Trash n'était pas volée. Au Razzmatazz, immense club de Barcelone, perdu au milieu de nulle part et abritant des clubbeurs de tout bords se divisant sur 5 salles, Late Of The Pier jouait à 3 heures. Après un set techno italo de Sistema (un producteur espagnol proche d'Alexander Robotnick), ils parvenaient alors à mettre d'accord ceux qui étaient venus danser sur de l'électro et les indie rockeurs déjà au courant de la nouvelle “LOTP”. Dans une salle non climatisée (la seule de tout le club) et fumeuse (la seule aussi de tout le club), l'alchimie prend dès les premiers retentissements synthétiques. Il y a plus de claviers sur scène que d'êtres humains, humains dératés que l'on voit s'agiter dans tous les sens dans des tenues dorées improbables, un mix de lamé or période disco et de nippes vintage.
Musicalement, le son est assourdissant, la vitesse d'exécutions d'un urgence absolue : les bombes électro rock barrées, s'enchainent et explosent les têtes. Les martèlements du chanteur frappant frénétiquement un instrument diy fait de lattes de lit, sur « Space And The Woods », premier single auto-produit du groupe sorti en Mars 2007, enfonce le clou dans un cerveau déconnecté et des jambes bien laminées. On est envouté, heureux, chancelant quand le chanteur finit dans la foule, porté par un public chauffé à blanc. Quelques minutes plus tard, en reprenant nos restes d'esprit, on pense à la fois à Ian Curtis pour la danse épileptique de danse du chanteur, à l'énergie brute du début du punk, aux farces de Devo, aux concerts débraillés de Klaxons, autres pourfendeurs de barrières musicales dont ils sont le sens du dancefloor féderateur, l'élégance d'un Franz Ferdinand en prime.
C'est à peu près la même sauvagerie brute, le même choc frontal, complètement rafraichissant et étourdissant, qui émane de la première écoute de l'album inaugural du quatuor. Fantasy Black Channel est une petite révolution dans le manoir anglais de la pop anglaise. On y brasse à peu près tout, du glam rock au prog, en passant par la pop expérimentale, l'électro weirdo, la new-wave, le hard rock et le funk. On casse les ryhtmes, déglinguent les mélodies, ça part dans toutes les directions, va et vient, ose le pire mais plus souvent le meilleur. LOTP y démontre violemment à ceux qui ne voyaient qu'en eux les hypeux auteurs d'un track compilé par Kitsuné (« Broken ») bon qu'à remplir un Showcase ou un Paris Paris qu'ils se trompent différemment. Ca aurait tellement facile : quatre jeunes garçons plutôts mignons, anglais, auteurs d'une musique crossover et fluo, adulés par les branchés. Sauf, que voilà, Late Of The Pier, soit « la fin de la jetée », c'est à peut près tout sauf ça.
Les pendules à l'heure
Si l'on se fiait à l'imagination des empêcheurs de danser en rond, les Late Of The Pier seraient idéalement issus de Londres, beaux comme des Dieux dans leur slims ultra mode, incultes comme pas permis, de la morgue à revendre. Surprise. On découvre Sam (chant guitare) le regard habité à la Ian Curtis, en pantalon rougeâtre trop grand et un tee shirt qui a eu plusieurs vies, Ross (batterie, percussion, fanatique), rouquin mutique, Faley (basse), dans un look intégral de métalleux tendance légèrement hippie qui aurait pu jouer dans le nanar Radio Rebels et Potter (synthétiseur, sampleur), légèrement bedonnant et le cheveux gras, tous très préoccupés peu avant leur concert espagnol. Il leur manque des câbles et le son de leur balance n'est pas au point. Perfectionnistes, soucieux, ils tiennent à faire les choses dans les règles. L'interview prévue à 19h aura finalement lieu à 1h, dans le hall de leur hôtel. Et au lieu d'y arriver bourrés, ou dans un état déliquescent, ce sont quatre jeunes hommes acérés, patients, et tout ce qu'il y a de plus intelligents qui se présentent à nous. Première chose qui frappe, le contraste (frôlant la contradiction) saisissant entre leur jeune âge (ils entament à peine la vingtaine, mais en paraissent 15), leurs bouilles d'idiots du village et l'originalité très mature de leurs réponses.
Ils auraient pu, pour commencer, nous dire qu'ils s'étaient formés, en 2005, pour épater les filles et boire à l'œil. Mais Sam dément fermement : « J'ai rencontré Faley, quand j'avais vraiment vraiment besoin d'herbe et Ross en classe de science, on s'est retrouvé autour de notre humour absurde. C'est drôle de penser que nous nous sommes rencontrés en classe de science, car notre association en groupe a été une réaction chimique à la médiocrité de beaucoup de groupes anglais indie qui trouvent une formule et s'y tiennent fermement, reproduisant le même schéma pour toutes leurs chansons. Nous abordons la musique comme des scientifiques. Nous disséquons ses différents ingrédients pour découvrir de nouvelles choses en musique, et expérimenter de nouvelles formules. »
Autres originalité chez ces scientifiques pop d'un nouveau genre, ils n'ont pas grandi dans la capitale, Londres, la ville de la nu-rave et des Libertines. Ca aurait nourri la hype et le mythe. Mais mieux, ils viennent « d'un petit village appellé Castle Donington et on a découvert la musique live en s'échappant au Liars Club, à Nottingham alors qu'on était mineurs, raconte Potter. L'offre musicale live a toujours été très limitée là bas. On y a vu quand même Franz Ferdinand, Cut Copy ou Art Brut ainsi que des DJs comme Hell. Mais sinon, on était plutôt vierges de tout. Aujourd'hui, on vit tous les quatre dans une maison, en rase campagne, dans les Midlands, près de la forêt de Nottingham. On ne peut pas vivre dans une ville. Nous détestons Londres, si on y avait vécu on aurait totalement pété les plombs ou alors on serait restés enfermés entre quatre murs. On a besoin de vivre à la campagne et de pouvoir laisser vagabonder notre esprit. Le bruit que l'on traduit dans notre musique vient de cette nature. Et le vide qui y règne nous permet de penser et de faire fonctionner l'imagination. On ne regarde pas non plus la TV, on reste chez nous à discuter jusqu'à pas d'heure. On écrit aussi beaucoup de poésie ou d'histoires dans lesquelles on teste notre sens d'humour, et après on se les fait lire. En fait, nous sommes un peu comme des personnages de Spike Milligan. » Spike Milligan, c'est ce comique et comédien anglais génial (décédé en 2002) qui inspira les Monty Python et Perter Sellers. Il écrivait des choses comme « Remède contre le mal de mer : asseyez-vous sous un arbre.» Une phrase qu'un Late Of The pier aurait pu écrire. Leur chanteur trouvant par exemple la pochette de leur cd promo (un logo sur fond bleu) « belle comme une pâtisserie » et comparant leur musique « au bruit émanant d'une poupée de porcelaine mangée par des alligators. »
Chaos pop et chaîne porno
Qu'on se le dise, les LOTP sont des originaux, à l'image de leurs idoles qui en sont ni des Bowie, ni des Morrissey. « On n'est pas trop intéressés par les personnes célèbres. Ce qui nous inspirent, ce sont des gars de notre village, des excentriques. Beaucoup d'alcooliques de notre village sont nos héros, raconte Potter. Jay Austin est l'un d'eux, un type toujours ivre qui a des histoires en pagaille ou un vieil Irlandais appelé Nelly, qui est comme un grand enfant réclamant un gros jouet. A chaque fois qu'on lui réclame un peu d'argent ou qu'un truc lui plaît pas, il hurle et pleurniche; Il est très charmant, c'est un personnage. On adore d'ailleurs les chansons qui parlent de personnages comme « Sexy Sadie » ou « Lovely Rita » des Beatles, un de nos groupes préférés. »
Mais attention, Late Of The Pier n'a ni l'élasticité pop des Beatles, ni l'évidence sonique, il préfère le chaos et concède facilement sa difficulté d'accès. « Late Of The Pier ne signifie rien. Tout comme Fantasy Black Channel, ce sont des non-sens, avoue Ross. Pour le titre de l'album, c'est à la fois l'écran noir sur lequel tu peux laisser ton imagination vagabonder et une chaine de TV porno qu'avec des blacks. On laisse l'auditeur choisir, selon la tournure de son esprit plus ou moins malade. C'est vital pour nous de laisser les champs ouverts. Ca correspond au fait qu'on ne pense que la musique doit se laisser appréhender en termes de frontières ou de genre. Elle devrait être laïque! On nous a reproché de ne pas pouvoir nous cerner, de passer d'un morceau à l'autre, à un style complètement différent. On ne peut pas nous classer parce que notre approche de la musique n'est pas de s'inscrire dans une tradition. On part d'un beat, et on le suit, et puis on fait très souvent marche arrière, dès qu'une mélodie part trop dans un genre précis. Ça doit être un peu frustrant pour les fans, c'est vrai. Mais c'est dangereux d'avoir un cadre et de s'y appuyer, c'est comme s'endormir au travail. »
Fin de règne
C'est que le quatuor semble appartenir à une nouvelle race du rock anglais. Là où les grands frères (Libertines) avaient pour maitre étalon les 70's, ses guitares simplissimes et ses textes qui causent principalement de filles et de drogues, les Mystery Jets, Friendly Fires et autres Metronomy ont décidé de compliquer la pop. « Il y a en effet des similitudes entre nous et ces groupes, confirme Sam. On est pas intéressés par le format 3 minutes à tout prix. On aime l'idée que sans raison apparente, la mélodie se barre et prenne un autre chemin. Peut-être, que ça vient de notre génération, qui essaye de détruire des choses déjà entendues, et d'en essayer d'autres. On était d'ailleurs embarrassés de découvrir que nos démarches se ressemblaient autant, sans nous être concertés, avec Metronomy. On admire la manière dont ils utilisent des synthés, non pas pour être trendy mais pour obtenir des sons particuliers qui ne peuvent pas être utilisés avec d'autres instruments. Leur musique semble dire à toute une génération précédente : n'essayer pas de coller à une étiquette, prenez le risque d'être vous même, de ne pas sonner comme les autres, déposez les uniformes, C'est une ode à la difference.”
Différents, étranges, déroutants, LOTP poursuivent l'œuvre de Klaxons et d'autres groupes étiquetés nu rave dans le mariage d'éléments dance et d'énergie punk pop mais vont plus encore plus loin lorsqu'ils enchevêtrent claviers, guitares, saxo et trompette, et tout un tas d'autres sons bizarroïdes empêchant toute tentative de classification. La formule magique « dance punk » ne suffit plus. Late Of The Pier ne s'appelle peut être pas « La fin de la jetée » pour rien. C'est la fin d'un règne dont leurs mélodies over-mutantes sonnent le glas. Celui des tribus, des clans et des combats de sang, des mods aux clubeurs fluo en passant par les goths. L’histoire musicale anglaise atteint ici peut-être l'une des ses phases les plus passionnantes. Il y a eu les corbeaux d'Editors reflétant le moral des ados au plus bas, puis la nu-rave en réaction hédoniste aux idées noires et finalement la digestion de tout ça. Thèse, antithèse, synthèse. « La vie est dure » ou « le suicide est dans mon sang » chante Late Of The Pier sur des mélodie de synthé qui ferait danser un mort. Il y a là la rage désespérée d'un certain rock anglais d'héritage new-wave et l'optimisme dansant de la relève, et puis des choses encore jamais entendues, comme danser sous les bombes, en scrutant de nouvelles planètes, en quelque sorte.
Alors pendant que certains croient encore que Late Of The Pier est une simple marotte pour branchés consuméristes, les quatre « idiots du village » écrivent sans doute la B.O de leur temps. Comme Joy Division, à son époque écrivit celle des 80's, soundtrack à la fois sombre et lumineuse, désespérée et galvanisante, une musique de mort et de vie.

Hot Chip, danse avec les puces - Article de couv paru dans Tsugi en janvier 2008

2008-07-28T04:03:00.001-07:00

Texte : Violaine Schütz

Hot Chip

Dancers In The Dark

Avec Made In The Dark, troisième perle d’un édifice déjà majeur, les cinq batards sensibles anglais d’Hot Chip inventent la dance du troisième millénaire : celle qui fera pleurer les clubbers et danser les nerds.

Exit les fluo kids, 2008 sera l’année des hommes de l’ombre. Car on peut dire qu’on en aura soupé de l’électro bling bling sous les projecteurs de 2007. Les colorés Cathy Guetta et son mari, partout. Bob Sinclar et son sourire ultra bright prodiguant ses conseils de DJ’ing sur youtbe, Yelle et ses leggings flashy dans le clip de Michael Youn, Lorie interprétant des chorés de techtonik en habits de lumière sur les plateaux TV, l’électro a brillé fort mais pas toujours par sa qualité. Outre Manche, le clinquant aussi nous en a mis plein la vue avec les couleurs bigarrés de la new-rave. Mais cette année, tout pourrait tout ! De bordel nu-disco, le dancefloor pourrait se changer en chambre à coucher, la techno « qui tape » s’écouter au coin du feu ou à la lumière d’une bougie. Déjà Burial nous a fait le coup il y a quelques mois, rattachant sa techno lunaire aux racines sombres du genre, celles du concombre masqué et du « low profile ». « Low Profile », c’est l’expression qui convient le mieux à Hot Chip, dont le troisième album, Made In The Dark déjà bien placé pour être promu au titre de disque de l’année, va donner à la musique électronique une nouvelle luminosité, celle d’une pop éclairée et compliquée. Même combat donc entre le roi du dubstep et les auteurs d’ « Over and Over ». Alexis et Joe, les leaders d’Hot Chip étaient d’ailleurs dans la même école londonienne que le petit Burial, qui selon eux était « très timide et renfermé. Il y a pas longtemps je me suis fait tapé sur les doigts car j’ai révélé son nom en interview. On a aussi playlisté « Archangel » sur notre mix pour la BBC, ça nous a beaucoup touché qu’un ancien camarade de classe fasse de l’aussi jolie musique ». Ils sont comme ça Hot Chip, de bons copains toujours prêts à renvoyer l’ascenseur, surtout à un autre « man in the dark ». Des types sympas en somme qui ont crée un dancefloor à leur image, poétique, tendre et fragile. « Nos deux premiers albums portaient des titres blagueurs et machos, Coming on Strong et The Warning. Aujourd’hui, on est prêt à se montrer comme on est, et à appeler un disque comme l’une des chansons les plus tristes et les plus réfléchies qu’on ait jamais écrites. » Une nouvelle ère est en marche.

Nerds can dance

Janvier dernier, Studio The Premises à Londres, dans un quartier branché. Des synthés dans tous les recoins et au milieu cinq garçons qui se marrent en regardant une reprise comique du « West End Girls » des Pet Shop Boys sur youtube. L’un d’eux lit le National Geographic sur les volcans, un autre hésite -pour la séance photo- entre son tee shirt orné d’un asticot vert et une chemise tye and dye que même ton grand père ne veut plus porter. Au premier abord, les Hot Chip ressemblent à ces héros des films des années 80 dans lesquels deux nerds demandaient à leur ordinateur de leur fabriquer une meuf super bonne. Comme si le mot « geek » avait été taillé spécialement pour leurs épaules malingres et leurs polos improbables (celui de Joe porte fièrement toutes les couleurs de l’arc en ciel). Il y a dans ces types et leurs private jokes du Jack Black autant que du Nick Hornby, du Father Ted (leur série préférée) et du Ben Stiller. Mais se méfier de l’eau qui dort. Derrière cette l’image d’une bonne équipe de loosers se cache une toute autre réalité. Dans les faits, rien que les faits, Hot Chip sont des winners, des vrais. Ils ont remixé les Rolling Stones, les Scissor Sisters, The Go! Team, Amy Winehouse et les Gorillaz (pour n’en citer que quelque uns), avant de s’atteler il y a peu à une réinterprétation olympique d’ « Aerodynamik » et de « La Forme » de Kraftwerk. Leur DJ Kicks a été acclamé par toute la presse et leur single « Over And Over » a été élu single de l’année 2006 dans le NME. Nominés au Mercury Prize, ils s’apprêtent à faire la couv du guide intérieur du très sérieux The Guardian. Pourtant le quintet demeure humble quand on les met devant le fait accompli de leur réussite. Kylie qui a fait appel à eux ? « On voulait lui donner « Ready For The Floor », notre nouveau single pour elle mais elle n’en a pas voulu » se morfond Alexis (Casiotone MT-70/chant). Leur tournée marathon qui les a amenés de l’Australie au Japon en passant par l’Amérique du Sud ? « Nous nous sommes mis plusieurs fois dans des situations critiques car on n’a pas assez d’argent en tournée, et qu’on se demande toujours comment aller d’une ville à une autre, raconte Al Doyle, le grand blond (Roland SH-101/guitare/chant). Une fois nous voyagions sur la West Coast, et on a loué un van énorme. Les lits y faisaient le bruit de 100 enfants effectuant un crissement de craie sur un tableau noir. On a du l’abandonner dans un camping et on a été obligés de le filmer avant de prendre l’avion pour prouver qu’on ne l’avait pas abimé. Ensuite on a du passé douze heures dans un centre commercial à essayer des pantalons XXL pour nous amuser. » Vous l’aurez compris, ne pas attendre d’Hot Chip qu’ils sortent la brosse à reluire pour se faire mousser. Ces types là sont des working dance class heroes.

Dès le début, Hot Chip est une affaite d’humilité. A l’an 2000, alors que beaucoup recherchent la nouveauté avant tout (créer le son du futur), Hot Chip sort dans l’obscurité médiatique la plus totale, « Mexico », un EP de six titres qui ressemble à du folk dépressif tout sauf futuriste. En 2004 sort Coming On strong (en janvier 2005 chez nous sur Kitsuné), premier album bancal, chaud et déconneur dont on savoure les paroles drolatiques : « Je suis tout comme Stevie Wonder sauf que je peux voir les choses ». A l’époque, déjà sur scène, les cinq gars arborent des sapes échappées du placard d’un champion de Game Boy. En 2006, lors d’une rencontre décontractée, ils nous confient ne vouloir qu’une seule chose : « écrire des chansons personnelles et honnêtes qui parlent d’amour, de sexe et de bouffe ». « Hot Chip » signifie d’ailleurs autant « puce chaude » que « frite ».

Kings Of comedy

Les ambitions étaient donc claires dès le départ. Il n’a jamais s’agit chez Hot Chip de faire des gros sous ou d’appâter les filles. A la question « quel type d’ados étiez-vous ? », Alex et Joe répondent par «Très populaires bien sûr ! », dans un sourire en coin qui en dit long. Hot Chip, à l’origine c’est un grand gros et un petit à lunettes dans la pure tradition Laurel et Hardy, qui se sentent pas tout à fait comme les autres petits garçons, et essaient de faire de la pop différente. « Alex et moi nous connaissons depuis l’âge de 11 ans, raconte Joe (Teisco/chant). On avait pas beaucoup d’amis et on a commencé la musique vers 16 ans, pour s’occuper. Au départ c’était des reprises du Velvet Underground, de Spacemen 3 et de Pavement à la guitare avant d’expérimenter tout un tas de choses. Nous n’aimions pas du tout ce qui passait à la radio quand nous étions ados. Nous voulions essayer des sons plus bizarres. Nous étions influencés par des artistes qui avaient essayé de rendre la pop plus folle comme Prince, les Beach Boys, Phil Spector, Robert Wyatt, Timbaland, Madlib, Brian Eno et New Order.»

Alex et Joe apprennent donc la pop music en dévalisant les armoires des parents et en ne gardant que ce qui dérange, fascine, inspire. De leurs côtés, Felix (boite à rythmes/MPC) et Al font de même, se passionnant pour les musiques électroniques et les sonorités divergentes. « En musique, c’est pas le burlesque et l’ouvertement comique qui nous intéresse, mais plutôt le moment où une chanson de Brian Eno, de Robet Wyatt ou de Devo devient bizarre donc drôle. Ce qui nous amuse c’est le surprenant. Quand Joe chante la lutte gréco romaine sur notre dernier album (en rappant comme R Kelly) alors qu’il est ni gay ni franchement taillé comme un athlète, ça nous fait rire. Ce qui nous unit tous dans le groupe c’est qu’on a tous le même sens de l’humour pince sans rire. Et on ne supporte les groupes qui manquent de dérision !»

Le cul entre deux chaises

Lorsqu’on interroge Hot Chip, ce qui frappe c’est leur désintérêt pour presque tout ce qui se fait aujourd’hui en musique et qui marche. Ils détestent Justice, abhorrent les Klaxons. Les crossovers, ils avaient déjà fait ça avant la nu-rave. En 2006 précisément, avec l’indépassable The Warning. Hot Chip inventaient là un genre bien à eux : l’électro nerd. Une techno enregistrée en chambre à coucher (celle de Joe) laissant la part belle à la pop gracile de l’Angleterre des Smiths et à de petites trouvailles sonores empruntant autant à la soul et au funk old-school qu’au 2-step garage. Quelque part entre l’homme dans ce qu’il a de plus humain et la machine dans toute son efficacité dancefloor. A l’époque, Hot Chip ne sont pas sûr de trouver un public. « C’était pas évident, explique Joe. En Angleterre, si on veut réussir son coup, il faut choisir son camp, soit le rock à guitares soit la techno qui tabasse. Nous, nous enregistrons à la maison sur des petites machines modernes, des claviers et des boîtes à rythmes et en même temps avec de vrais instruments. On n’est ni rock indé, ni dance, ni les Chemical, ni Pete Doherty. Il y en a plein qui font ça aujourd’hui mais au moment d’enregistrer The Warning, c’était pas si bien admis que ça ». A l’instar de New Order ou de Royksopp, Hot Chip a établi un chaînon manquant entre la pop et la techno, réconcilier les geeks et les danseurs. Une chanson d’Hot Chip, ça n’a rien à voir avec un track d’électro-rock ravageur, c’est un hymne de dance old-school joué par des poppeux qui lisent beaucoup et sortent peu, si ce n’est pour se décapsuler une bière au pub entre mal-aimés.

Humains, trop humains

Ce sont d’ailleurs les nerds qui ont adopté Hot Chip. Le groupe figure parmi les cinq noms les plus recherchés du moment sur l’agrégateur de mp3 blogs Hype Machine. Ceux qui sont restés cloitrés longtemps chez eux devant leur PC se reconnaissent dans la musique d’Hot Chip qui résonne comme la bande son de leur vie. Car en dehors de la force de mélodies imparables comme celle de « Boy From School » ou « Over And Over », c’est cette fragilité des personnes cachées derrière la musique qui touche autant chez Hot Chip et explique comment un petit groupe de folk anglais ait pu devenir le crew de super héros dance d’une génération perdue. Hot Chip, c’est un peu la revanche de la mélancolie, la prise de pouvoir du faible. Avec eux, l’électro a changé de camp. Elle n’est plus l’apanage de gros bras venant de Détroit ou de petits bourges mignons de Versailles, elle n’a plus besoin de sirènes tonitruantes et de paroles sexy pour rameuter tout le monde sur le dancefloor. Sur la piste, Hot Chip parlent pour ceux qui n’ont jamais la parole. Le môme à quadruple foyer au fond de la classe, celui qu’on refoule le samedi soir à l’entrée de la boîte, et qu’aucune fille ne veut embrasser, avec pour thèmes de prédilection l’échec, l’amour unilatéral, l’impopularité à l’école et les private jokes de puceaux.

Mr Meuble, fan du groupe et animateur d’un blog contant les dernières aventures d’Hot Chip (http://mrmeuble.blogspot.com) admet que là se joue le « nerd » de la guerre : « Dès The Warning il y a eu un changement de direction, à mi chemin entre une musique purement hédoniste qui célèbre le présent et quelque chose de plus profond et intime. Voilà le truc central chez Hot Chip, cette faculté à allier en une même chanson, comme « Boy From School » la joie instantanée et la mélancolie profonde. Ce qui les distingue aussi des autres groupes, qui répètent un modèle bien rôdé, c’est ce risque total pris à chaque morceau, et rendant les premières écoutes d’un disque d’Hot Chip déroutantes. Ces types osent prendre des directions surprenantes, opérer des changements mélodiques qui dénotent. Ils ont cette petite folie qui les pousse à tout tenter. Il n’y a pas de formule Hot Chip, chaque track est un challenge qui peut déplaire, même aux fans acharnés. »

Hors des sentiers rebattus

C’est ce Hot Chip qu’on retrouve sur Made In The Dark, disque libre, casse-cou, joueur en phase avec une génération décomplexée avide d’aventures sonores et de nouveauté. Totalement en dehors des hypes actuelles, l’album posté sur les blogs avant sa sortie, en a dérouté plus d’un. Alexis se dit d’ailleurs très inquiet quand à sa réception. « Il n’a pas littéralement été fait dans le noir, mais ce n’est pas un disque facile. Il est même risqué par rapport à l’économie actuelle. Ce n’est pas un album qui se découpe en singles alors que l’époque pense surtout en termes de morceaux (l’i-tunes et le shuffle). Et sur ce « tout », on n’a non seulement varié les styles à l’intérieur d’un même titre mais aussi changé la façon dont les morceaux ont été enregistrés. Certains titres comme « Out At The Pictures » débute par une saisie en live lors d’un concert aux USA et continue par une prise réalisée en studio. Il y a aussi beaucoup de sons bizarres repiqués sur de vieux synthés, de chaos et de bruit. En enregistrant, on pensait à des disques comme Sign ‘O’ The Times de Prince ou le White Album des Beatles. On s’est aussi beaucoup laissé aller à l’improvisation. On a répété sans avoir d’idée de construction pour ensuite aboutir à un document nous montrant en train de jouer live. Pas mal de musiciens que j’adore ont procédé ainsi, comme Miles Davis. »

Sur Myspace, à l’époque de The Warning, Hot Chip publiait cette profession de foi : « Nous pensons que la pop devrait être plus imaginative qu’elle ne l’est en ce moment, qu’elle devrait t’affecter et t’inspirer. » Il semblerait qu’avec le sublimement complexe Made In The Dark, les Fab 5 aient relevé le défi. Et rendu la pop aussi belle, riche et dense qu’elle devrait toujours l’être.

Made In The Dark (DFA/EMI)

www.hotchip.co.uk

Dave Gahan - Contre La Montre (Tsugi octobre 2007)

2008-07-28T01:11:00.000-07:00

Texte : Violaine Schütz

Dave Gahan
Contre la montre

28 mai 1996 : Dave Gahan est déclaré mort pendant deux minutes suite à une overdose d’héroïne et de cocaïne dans une chambre d’hôtel de Los Angeles. Après ça, les chansons du groupe d’électro-pop culte Depeche Mode dont il est le leader, ne seront plus jamais les mêmes…Dave non plus.

C’est un homme à l’élégance racée, tout de noir vêtu comme le Johnny Cash de la fin, qui prépare-lui-même- le café pour les journalistes dans la suite de son hôtel chic près du quartier de l’Opéra. Etrangement doux et posé, avec quelque chose de vaguement inquiet dans le regard bleuté, le chanteur de Depeche Mode, clean depuis onze ans, peut souffler : il vient d’accoucher d’un album solo d’une rare beauté, Hourglass.

Isolation

Sur le premier single qui en est extrait, « Kingdom », remixé notamment par Digitalism, Gahan se demande s’il y a un Dieu, un Royaume au-delà. Si Paper Monsters, son premier album solo sorti en 2003, mettait à vif les démons avec lesquels la rock star a eu à dealer coté vie privée, Hourglass (sablier), lui, pousse à croire en quelque chose, et arrête le temps. « Le temps joue contre moi, je me fais vieux, explique Dave. Mais j’ai tellement perdu d’heures à m’angoisser, à ne rien arriver à faire parce que je me dégoutais, que je ne voulais pas me laisser –encore- happer par le sablier. Je me suis trop longtemps battu contre la montre, à essayer d’en faire le plus possible sans trouver ma place. »
Longtemps confiné au rang de sex symbole et d’entertainer dans Depeche Mode, où Martin Gore composait tout, Dave a enfin signé ses deux premières chansons sur le dernier album de Depeche Mode, Playing The Angel en 2005. Cela aurait pu lui donner confiance, mais il n’en est rien. Pour Dave, la pop-musique est un combat continu. « La musique est une manière de travailler sur la vision négative que j’ai de moi, comme quand j’étais plus jeune, et que je peignais tout le temps, ce que j’ai arrêté de faire il y a 10 ans. J’avais besoin de sortir, de voir le monde. C’est facile pour moi d’être seul mais c’est très dangereux pour moi d’être enfermé dans une chambre. New York, où je vis aujourd’hui, est un bon endroit pour moi, et ça a influencé les nouvelles chansons. Le studio d’enregistrement se trouvait dans une petite rue très bruyante, très animée. Quand j’étais à Los Angeles, je pouvais prendre la voiture et conduire pendant des heures, sans voir personne, dans l’isolement totale. A New-York, il y a du monde partout, même la nuit ! Ca me force à réaliser qu’il y a plein de choses et pas que moi au monde (rires) ! J’aime aussi m’asseoir dans des coffee shops de NY, et regarder les gens, m’imaginer leurs vies. J’aime la vie, je suis juste effrayé par les gens. »

Middle class hero

Effrayé, Gahan, l’est depuis toujours. Né de parents chrétiens appartenant à la classe moyenne, David avait 6 ans quand son père a quitté la maison. Remariée, la mère de Dave donna à ses enfants l’impression que son second époux était leur vrai père. Mais en 1972, ce dernier meurt alors que Dave a 10 ans. Gahan ne s’en remet pas et devient un vrai bad boy, adepte du vol de bagnoles, de la tire à l’étalage et du graffiti sur immeubles, qui lui valurent de nombreux détours par la cour avant ses 14 ans. Il enchaîna ensuite les petits jobs (plus d’une vingtaine) comme celui de vendeur de boissons fraîches. Jusqu’à ce fameux jour de 1980, où il rencontra les autres membres de Depeche Mode, qui devint peu à peu le groupe majeur que l’on connaît aujourd’hui. « La vérité, c’est que ma vie est super, et que je n’ai pas à m’en plaindre, confie Dave, et que je suis reconnaissant pour toutes les opportunités, mais c’est dans ma nature, il y a toujours cette épine, cette insatisfaction. Je continue à envier ces gens qui semblent prendre les choses comme elles viennent, je n’ai pas dû avoir le bon livre petit, à l’école, celui qui apprend le contentement. (rires)».

Il n’y a pourtant de quoi être fier. Hourglass, sans réinventer la formule magique de Depeche Mode – ce clivage entre claviers industriels et sonorités électroniques contrebalancés par une voix de baryton, presque gospel, qui n’a jamais sonné aussi soulful et profonde que maintenant. A 45 ans, Dave Gahan n’est plus le garçon coiffeur d’un groupe à succès, mais semble avoir trouvé une toute autre voix. « C’est mon album le plus personnel dans le sens où j’ai essayé de savoir qui j’étais exactement, où j’en étais. Je ne pouvais pas y arriver si je restais en surface, j’avais besoin de fouiller à l’intérieur, pour renouer avec l’espoir à propos de ce que je deviens. Quand j’écoute de la musique, j’ai besoin de croire que la personne est en train de me parler, et si elle ne fait rien pour moi, même si la musique est sublime, je ne peux pas l’écouter. Pour moi, la musique aide à identifier des choses, à y voir son propre cynisme, comme dans un miroir. J’ai regardé dans le miroir pendant très longtemps, sans jamais rien y voir d’autre que du vide. C’était terrifiant ! La musique que j’aime c’est celle qui donne le sentiment de ne pas être seul, comme l’ont fait Johnny Cash, Billie Holiday, Ian Curtis, Nick Cave. » Il faudra désormais ajouter Dave Gahan à la liste des compagnons de route à valeur salutaire.

Hourglass (Mute/Virgin)

Peaches - Article publié en juin 2006 dans Trax

2008-07-28T01:09:00.000-07:00

Peaches

Beats, cul et politique

Merrill Nisker, punkette burnée (et moyennement épilée) plus connue sous le nom de Peaches, s’est imposée sur la scène électro à coup de beats et de bites. Paroles hardcore, tenue de scène se réduisant au slip, discours riot girl, tout a contribué à attirer l’attention sur son minois (enfin, un peu plus bas même) plus que sur sa musique. A l’occasion de la sortie de son troisième album, c’est pourtant une artiste plus engagée qu’enragée qu’on a rencontré.

«Quand la légende est plus belle que la réalité, imprimez la légende !» disait une réplique tirée d’un film de John Ford. C’est en suivant ce précepte que la presse a fait de Merrill Nisker, intellectuelle (et ancienne prof) canadienne exilée à Berlin, une bitch féministe prête à tout. Le mythe s’est vite enorgueilli d’un CV miraculé comprenant un acoquinage précoce avec Gonzales, un duo avec Iggy Pop, et des remixes à gogo pour Daft Punk, Roxy Music, Yoko Ono. Mais tous les faits d’armes de Peaches n’aboutissaient qu’un peu plus à la cantonner dans son rôle de harpie hystérique. Il y a sans doute du vrai dans cette légende. Mais Peaches (dont le nom vient d’une chanson de Nina Simone et non d’une plaisanterie juteuse) ne se réduit pas au bordel porno punk médiatisé.

La chienne baisse sa garde

D’abord, Merrill, en vrai, n’est pas du tout celle qu’on s’imagine. Toute petite, presque timide, elle est plutôt mignonne, et a beaucoup à dire, même quand elle ne parle pas de cul. Pas le genre à se désaper pendant l’interview ou à mettre ses talons aiguille sur la table. Elle s’enthousiasme sur le disque de Syd Barrett qui passe dans le bistrot, et se tient bien, si ce n’est quelques incartades qui rappellent de quel bois la Canadienne peut se chauffer quand elle revêt les atours sexys de Peaches. « Tu sais ce que c’est « bush », hein ? C’est ça », dit-elle, en mettant sa main sur ses parties génitales. Un geste qui fait écho au propos de ces deux précédents disques, Teaches Of Peaches (2001), et Fathertucker (2003). La pécheresse y prêchait le sexe libre sur des beats électro-punk minimaux.

Mais Peaches n’est pas seulement la provocatrice qui pose barbe et poils pubiens à l’air, ou se lance seule sur la scène de Bercy, sous les injures des fans de Björk dont elle assure la première partie, en playback et avec pour uniques compagnons d’infortune, son Roland MC-505 et un godemiché. « Les choses ont un peu changé. J’ai ouvert mon esprit. Je peux inviter des gens, tout en sachant ce que je veux et sans perdre le contrôle. Pour ce nouvel album, je voulais m’entourer. J’ai écrit et produit seule mes deux premiers albums, j’utilisais mes machines de manière très DIY. Je voulais progresser et apprendre des choses techniques,. J’avais envie de vrais instruments, de quelque chose de plus propre, plus pro. C’est pourquoi, j’ai fait appel au producteur Mickey Petralia (Beck, ndr)».

Autre changement sur ce troisième album, Impeach My Bush, Peaches a délaissé Berlin pour un cadre beaucoup plus glam : Los Angeles. « J’avais une maison, une piscine et un studio, et pas de voiture, donc c’était comme vivre sur mon île. Je faisais quelques brasses avant d’aller bosser et j’organisais un tas de fêtes. Josh Homme (Queens Of The Stone Age) venait faire des barbecues. Je lui ai proposé spontanément de bosser sur mon album pendant qu’il retournait la viande. Feist, mon ancienne coloc au Canada, est venue aussi se baigner dans la piscine car elle tournait aux states à ce moment là, du coup, elle a posé quelques voix elle aussi ! Et Joan Jett, dont j’avais utilisé un sampler sur le deuxième album, venait aussi admirer mon bikini couleur or et on a fini par faire un duo.»

Peaches n’est donc plus seule dans son délire. Sur scène, elle se produit désormais avec un groupe incluant Jd Samson (la fille moustachue de Le Tigre) et Samantha Maloney (Hole). En Juin, elle a parcouru les Etats-Unis, un terrain de jeu où le titre de son album risque de lui valoir quelques inimitiés. « L’expression « Impeach my Bush » préconise autant de s’en prendre à ma chatte, que de virer le Président de la maison blanche. C’est à double sens, comme presque tous mes textes. Je joue avec les significations comme je joue avec les genres. Beaucoup de personnes pensent encore de nos jours qu’il faut se cantonner au hip hop, au rock ou à l’électro. Depuis que Run DMC et Aerosmith ont écrit une chanson ensemble, rien ne devrait poser problème, tout devrait être possible, non ? (rires) ».

Pour Peaches, tout est permis, en effet. A commencer par s’attaquer à l’une des grandes puissances de ce monde. Mais il faut dire que la belle a ses raisons. Sa sœur, atteinte de la sclérose en plaques se déplace en fauteuil roulant. Sur son site web, Peaches enjoint ses fans à rejoindre le programme “Walk A Mile In My Shoes”, mis en place avec son beau frère. « Il s’agit d’envoyer à Bush une vieille paire de chaussures ainsi qu’une lettre expliquant l’importance de la recherche sur les cellules souches embryonnaires. On peut faire de nombreuses études sur un fœtus. Mais Bush, en s’opposant à l’avortement et au clonage thérapeutique empêche la science de progresser et des gens de guérir. Il faut remédier à ça ! »

Deux garçons pour chaque fille (On n’a rien contre)

Mais rassurez-vous, la légende est bien vivante : Peaches n’a pas délaissé totalement le sexe et la gaudriole pour la politique. « C’est super fashion d’être contre Bush, mais mon propos est différent. Il représente pour moi un symbole de puissance. Et une grande partie de ma musique questionne justement les figures d’autorité. Sur Fatherfucker, je militais pour une inversion des rôles en demandant aux mecs de bouger leurs bites, comme les types disent aux filles de remuer leurs seins. Sur Impeach My Bush, c’est la même chose : la chanson « Two Guys (for every Girl) parle de réversibilité des sexes et de jeux de pouvoir. Dans les 60’s, Jan & Dean (un groupe de surf music proche des Beach Boys) chantaient « Two girls for every boy ». Et ils le faisaient passer comme une lettre à la poste car c’était pris sur le mode « fête de plage » et rêve américain : tout le monde trouvait ça trop cool. Mais moi, quand je chante « Two Guys», on me dit « ou la la, c’est de la provoc ça ! Tu cherche la controverse !». Pourquoi quarante ans après, ça pose problème de prôner deux garçons pour une fille, et pas deux filles pour un garçon ? Hein, pourquoi ? » Peut-être parce que ce monde manque de punkettes engagées à la Peaches, pour soulever les points (G) vraiment importants.

Impeach My Bush

(XL/Beggars)

www.peachesrocks.com

Interview de Kylie Minogue spéciale "cinéma" parue dans Wad en aout 2007

2008-07-25T12:01:00.000-07:00

Texte : Violaine Schutz

Kylie Minogue

On ne présente plus Kylie Minogue, la mini Australienne qui a mis le monde et la hype à ses pieds, de Nick Cave à Karl Lagerfeld en passant par les Scissor Sisters. Mais si l’on connaît bien la pop star dont le prochain album sera enregistré avec le nouveau prodige disco écossais de 22 ans Calvin Harris, on ignore presque tout de l’actrice, qui en plus d’imprimer brillamment la pellicule, nourrit une véritable passion pour les comédies musicales des 50’s. Interview cinéphile avec une star globale.

Si tu étais un film, tu serais…

Une combinaison de road-movie, de comédie musicale des 50’s et de la scène de baisers finale de Cinema Paradiso.

Quel souvenir gardes-tu de la série australienne Skyways dans laquelle tu as débuté à 11 ans ?
C’était si amusant d’être auprès de gens créatifs et de faire de la télévision. Ce qui m’est resté de ces années là, c’est la notion du travail d’équipe, d’un groupe d’individus joignant ses forces pour faire aboutir à un projet. Et aussi le fait qu’être créatif n’excluait pas celui d’être professionnel.
Quand as-tu pensé sérieusement à devenir actrice ?
J’ai joué durant mes années de cours, et lorsque j’ai terminé l’enseignement secondaire, j’ai pris la décision de devenir vraiment actrice (à 16 ans). J’ai alors essayé d’être réaliste, donc j’ai fait comme tous les acteurs : je me suis inscrite au chômage.
Comment s’est passé ton apparition dans la sitcom Neighbours (la série qui a fait de Kylie une star en Australie et en Angleterre, à 17 ans seulement, ndr) ?
Les longues heures de tournage, et la découverte du monde de la promotion. Tous les jeunes membres de l’équipe étaient envoyés à d’interminables séances photos, shows TV, passages radios et autres apparitions publiques comme aller faire du shopping dans des centres commerciaux. Il y avait des minis-émeutes : l’hystérie ! Ensuite, c’était : se lever tôt, apprendre rapidement mon texte tout en conduisant pour aller au boulot (dans ma toute première voiture), puis make-up, coiffure, brushing, deux ou trois prises pour chaque scène, et la même chose le lendemain ! Je me souviens aussi très bien d’une salle d’attente toute verte. A l’entrée, il y avait des « trous à pigeons » dans lesquels je récupérais mon script et une nouvelle chose appelée « courrier de fans »!
Joues-tu un rôle lorsque tu montes sur scène ?
Parfois, oui. Il y a plusieurs personnages, sentiments pour chaque chanson et différents thèmes à l’intérieur du show. Il y a des parties de mon concert pendant lesquelles je suis simplement moi, interagissant avec le public et d’autres où j’use d’effets dramatiques pour créer une certaine émotion.

Quels sont tes 5 films fétiches ?
Il y en a plus que ça…Les hommes préfèrent les blondes, Metropolis, Ziegfeld Follies, Mon beau-père et moi, Singin’ In the Rain, Cinema Paradiso, La Garçonnière, Le Kid.

Peux-tu me parler de ton rôle dans Moulin Rouge?
Je posais pour une session photo à Londres quand je reçois un appel de mon manager me disant que Baz Lurhman voulait me parler d’un rôle dans Moulin Rouge. Le gros du film avait déjà été tourné et le rôle de la fée verte devait l’origine être une animation. Je suppose que Baz a changé d’avis. J’étais très enthousiaste, car j’étais fan de son travail depuis son premier film, Ballroom Dancing. Baz et moi avions travaillé ensemble en 1994 pour un numéro spécial du Vogue australien. Il avait crée une histoire de 22 pages sur l’ascension et le déclin d’une starlette Hollywoodienne des 50’s. Les photos étaient prises par le légendaire Bert Stern dans les studios de la Fox à Los Angeles. Le job de rêve!

Quels sont tes projets ?
Je suis plutôt spontanée donc je ne peux pas dire exactement de quoi sera fait mon futur. Ce sont les possibilités qui m’excitent. Je suis actuellement en train de travailler sur une comédie musicale. J’ai enregistré mon dixième album studio, et je compte partir en tournée l’année prochaine. J’ai toujours trouvé qu’il était difficile de choisir un des aspects de mon travail, mais les concerts arrivent très près du top de la liste. C’est un échange honnête, cosmique et immédiat d’énergies, et il y a toujours cet élément de l’inattendu.

www.kylie.com

Colder - Juin 2005

2008-07-25T11:56:00.000-07:00

Texte : Violaine Schütz

Colder

Spleen et idéal

Après le succès de son premier album Again, coup de maître conjuguant pop 80’s et techno minimale, le parisien Colder a arrêté le graphisme pour se consacrer à sa musique. Un choix inspiré puisque Heat, son deuxième album, offre encore de beaux hymnes dancefloor, à danser seul, dans le noir.

« Quand j’ai commencé à travailler sur mon premier album, j’avais envie de faire un disque qui me plaise à moi avant tout. C’était dans un contexte personnel particulier et j’avais envie d’accomplir quelque chose de vraiment intime, comme une sorte de thérapie, pour éviter de traîner mon mal-être pendant encore dix ou quinze ans. Aussi, quand j’ai envoyé ma démo à une dizaine de labels, je ne pensais pas avoir de réponses. Je ne voyais pas qui ça pouvait intéresser ! » Le moins qu’on puisse dire, c’est que Marc NGuyen Tan, alias Colder, s’est trompé sur les pronostics. Again, son premier album qu’il a réalisé tout seul à la maison, et sorti en 2003 sur Output, le label de Trevor Jackson (Playgroup), a remporté immédiatement un succès critique énorme et international (de Mojo à Dazed & Confused en passant par Uncut, Muzik et Groove en Allemagne). Le NME parla même de Colder comme « d’un nouveau prince de Paris, prêt à supplanter Daft Punk ». Pourtant, rien ne prédestinait le Parisien à suivre les traces des pères de la french touch.

Avant Colder, Marc était graphiste pour la télévision et la mode et considérait la musique comme un passe-temps récréatif. A part quelques leçons de piano remontant à l’enfance, on ne lui connaît aucun background de musicien, ni aucune appartenance à un groupe. Marc a grandi en écoutant plus qu’en jouant. Can, Brian Eno, Joy Division, Einstürzende Neubauten, Coil, Nick Drake, Current 93 tournaient en boucle dans son walkman pendant l’adolescence. Et Marc connaît si bien ce répertoire (en gros, la new wave neurasthénique des 80’s) qu’il lui est impossible aujourd’hui de tracer une limite nette entre sa vie et cette musique, qui fait partie inhérente de lui.

Le chaud et le froid

Ce passif musical, qui n’est ni celui des clubs, ni celui des raves d’antan, fait de Colder un ovni sur la scène clubbing actuelle. « Pendant l’année et demi (de 2003 à fin 2004) de tournée qui a suivi la sortie d’Again, raconte-t-il, tout était étrange, chaotique. C’était déstabilisant de vivre pour de vrai les clichés comme celui de se retrouver seulement entre copains, allant de date en date. Au-delà de ça, j’ai été amené à jouer dans des endroits où je ne traîne pas d’habitude, à passer des nuits dans des clubs ou des festivals qui ne sont pas vraiment ma tasse de thé. J’écumais des endroits qui véhiculaient une ambiance de fête, alors que je me sentais largué. Je crois que c’est cette confrontation de mon univers et de celui des clubs qui a servi de trame au deuxième album. »

Heat joue ainsi sur deux tableaux, un pied sur le dancefloor et l’autre sur le pavé froid d’un Londres cold-wave. Marc souffle le chaud et le froid, concevant des dilemmes sonores qui mixent la pop triste et le dub et finissent par ressembler à des tubes. Des tubes de funk morbide ou d’électro suicidaire (« Up to The music » sur Heat dans la même veine que « Crazy Love » sur Again). Avec Colder, on ne sait pas sur quel pied danser. « L’idée de l’album était de marier des éléments musicaux qui sont dans le registre littéral de la pop bizarre et de la new wave avec des sons plus gais. Heat tente de trouver un équilibre entre un rythme de dynamique et un fond plus grinçant. Si les mélodies sont légères, le fond des paroles plombe le tout. En apparence, c’est un espace chaleureux, mais on s’y sent vite perdu. Ce n’est pas un disque à mettre lors des anniversaires. » Oui, très certainement, ou alors à l’anniversaire de la mort de Ian Curtis. Mais une chose est sûre : Marc NGuyen Tan ne se morfond pas, il aime trop les contradictions pour cela. Et préfère manier l’art de la nuance comme le montre la pochette de Heat : une femme en talons aiguille laisse tomber des bonbons Haribo (en forme de crocodiles rouges) qu’un corbeau tente de lui subtiliser. Ici l’esthétique gothique est abordée avec suffisamment d’humour pour ne pas sombrer dans le folklore « Famille Addams ».

Penseur techno

C’est avec la même finesse que Marc a abordé ses paroles, teintées d’ironie. « Le thème général des paroles, explique-t-il, est de reconnaître qu’il y a une vraie difficulté à se trouver, à exister (sans rentrer dans des questions de reconnaissance par rapport à mon métier) et en même temps apprécier cette difficulté. Les choses ne sont jamais binaires, mais toujours nuancées. Un évènement positif est toujours contrebalancé par quelque chose de dur. Il faut trouver un équilibre, une liberté à partir de là. Même si j’ai du mal parfois à apprécier certaines choses, j’aime cette mélancolie qui traîne dans les choses heureuses. C’est pour cela que je n’apprécie pas la structure grammaticale de la langue anglaise. Chez les anglo-saxons, soit une chose est super bien, soit elle est horrible. La vie n’a que plus de charme, quand on en admet la complexité. C’est un réflexe asiatique que j’ai dû hériter du côté paternel. La notion de bien et de mal est plus contrastée en Asie qu’ailleurs et on y fait preuve d’une plus grande prudence par rapport au monde. C’est cette vision de la vie qui sous-tend mes disques » reconnaît Marc, presque gêné par cet aveu.

On peut pas s’empêcher alors de se remémorer une pensée de Nietzsche, sur la création comme acceptation de la nuance : « Quand on est jeune, on vénère ou on méprise sans y mettre encore cet art de la nuance qui forme le meilleur acquis de la vie, et l'on a comme de juste à payer cher pour n'avoir su opposer aux hommes et aux choses qu'un oui et un non. Tout est agencé dans le monde pour que le pire des goûts, le goût de l'absolu, se trouve cruellement berné et maltraité, jusqu'au moment où l'homme apprend à mettre un peu d'art dans ses sentiments, ou même à essayer plutôt de l'artificiel, comme le font les vrais artistes de la vie. »

Colder Heat (Output/Pias)

Interview clubbing de Jared Leto - juin 2007

2008-07-25T11:53:00.000-07:00

Texte : Violaine Schütz

Jared Leto
Hollywood Story

Qui dit mieux ? Cameron Diaz, Scarlett Johansson et Lindsay Lohan dans son lit. Requiem for a Dream, Fight Club et American Psycho sur le CV ciné. Et un petit groupe emo-hardcore-teenage pour occuper les 10 minutes de temps libre restant au bel acteur hollywoodien Jared Leto. Sans compter que cet ex étudiant en peinture est totalement perché. Juste avant notre entrevue, ses attachés de presse s’arrachent les cheveux. On prévient que le manager présent pendant les interviews coupe les questions stupides. Ca s’annonce mal ! Dragueur, capricieux et mégalo, on est pourtant près à tout lui pardonner à Jared. Parce que l’enfant roi (de 36 ans) d’Hollywood, que toutes les minettes du monde aiment d’amour depuis son rôle dans la série culte Angela 15 ans, sort en club, aime Squarepusher et connaît Plastikman. Si ça, ça valait pas une entorse à ce numéro 100% british, on n’y connaît rien !

Premier souvenir clubbing?
J’étais très jeune, j’avais 14 ans. C’était un club new-wave punk culte de Washington appelé le « Poseurs ». Il y avait plein de mods, goths et de pd’s : une faune fascinante ! C’était très excitant comme expérience, le club à cet âge là, tu vas au bout de ton individualité en dansant et en allant jusqu’au bout des choses.

Le pire souvenir ?
Tomo, guitariste du groupe de Jared, 30 Seconds To Mars : On ne pense pas aux choses négatives.
Jared (ne répondant pas à ma question et regardant son camarade amoureusement.) Tu es très belle et très gentille, Tomo (en français). Ma chérie, je t’aime. Que puis je faire d’autre que t’aimer. (Il chante) « Je t’aime chéri, je t’aime... » Tu veux savoir la première fois qu’on s’est rencontrés ? J’étais sur la plage, en train de bronzer et de m’étirer comme mon thérapeute me l’a indiqué pour garder mon corps souple. Et là, alors que je me tenais dans la position du chien du yoga, j’ai vu un jeune Dieu grec arriver par-dessus mon épaule avec ce visage frais pas encore exposé aux turpitudes du monde. Je l’ai mis dans ma valise comme un chien. Et on a péché sous les étoiles. C’était une expérience très romantique.

Premiers disques achetés ?
The Cure. Robert Smith est un génie, il avait les les mots justes. C’est un poète. J’écoutais beaucoup de new-wave jeune comme A flock of seagulls, Japan, the Cars ou Joy Division que j’ai découvert plus tard. Je suis très nostalgique de tout ça.

Tu aimes la musique électronique?
(Jared me prend la main et me dit très sérieusement) Tu devrais faire attention, je trouve que tu bois trop vite tes bulles de Coca. Ca pourrait te tuer. J’aime Squarepusher, Aphex Twin, Royksopp et The Knife, Air, et la house music oldschool. Personne ne le sait, mais j’étais un kid habitué des clubs house new-yorkais. L’an dernier, l’album solo de Thom Yorke m’a vraiment plu, et Juan Atkins et Plastikman me rendent fou ! Sinon Air et Jean-Michel Jarre me font rire. On a aussi repris « Hunter » de Björk.

Vous êtes sortis à Paris ?
Oui, au Paris Paris et au Baron. On s’est bien éclaté.

Ah bon, ce n’est pas ce que m’a dit votre attaché de presse.
(Jared sort de la pièce sans crier gare et hurle à l’attachée de presse.) Bénédicte, pourquoi tu as dit à la presse qu’on ne s’était pas amusés au Paris Paris ?
Bénedicte, terrifiée : Pardon.
J : On étaient malades c’est pour ça qu’on n’est pas restés longtemps. On retourne au Baron demain pour se rattraper ! Et ne me cause pas de problème ! Tu ferais mieux d’être plus gentille avec moi.

La meilleure fête de votre vie ?
Tomo : Je suis de Detroit, et là-bas il y a un énorme festival électronique qui s’appelle The Detroit electronic music festival. La première année où il a eu lieu, tous les gros Dj’s de Detroit se sont réunis comme Carl Craig. Je me suis vraiment mis une race de malade, j’ai souri toute la soirée et j’ai vraiment mal fini.
J : Ca devait être monstrueux, j’ai pas mieux ! (Il s'adresse à moi : J’aime tes cheveux. J’adore ta frange. Elle me rappelle ma mère...)

Ton truc contre la gueule de bois ?
Yoga, méditation. Je suis straight-edge Madame. (On veut bien connaître la marque des germes de blé, ndr.) Il prend un regard de junkie fixe (Pour préparer le tournage de requiem for a dream , l'acteur s'est délesté au passage de douze kilos, s'évanouissait de faim, a fait un séjour dans la rue auprès de toxicomanes, et a failli devenir fou (il a notamment arrêté le sexe pendant deux mois).

30 Seconds to Mars - Beautiful Lie (Virgin/EMI)

Klaxons - Article de couv du Trax de janvier 2007

2008-07-25T11:50:00.001-07:00

Texte : Violaine Schütz

Klaxons
New rave ?

Vingt ans après l’apparition des premières raves en Angleterre, un groupe de jeunes Londoniens opte pour un nom qui claque, Klaxons, et un concubinage insolent : le mix de l’esprit « free party » et de celui du punk. En un an, la hype s’emballe…Alors, Klaxons, fer de lance d’un véritable courant nu-rave ou meilleur pop band anglais depuis les Libertines ? Peut être un peu des deux…

« Excusez moi Madame, vous n’auriez pas vu mon cochon dinde ? Où est la discothèque ? » Voici les premières phrases, en français s’il vous plait, prononcées par un Klaxons. En effet, devant l’hôtel parisien branché de notre interview, c’est ainsi que Jamie Reynolds (26 ans, basse/voix), 2 mètres de haut et un costume de renne sur la tête, nous interpelle. L’entretien qui suivra ne sera pas moins dingue. L’attachée de presse, qui depuis plusieurs heures doit dealer avec leurs attitudes puériles de lendemain de teuf aux Transmusicales de Rennes, somme les garçons de monter dans leurs chambres poser leurs valises. Jamie qui rechigne à aller se raser, revient finalement dans le hall de l’hôtel, entièrement recouvert du costume de renne, dont dépassent seulement deux chaussettes dépareillées. On se rend alors tous à la Taverne de Maître Kanter place de la République. La mine déconfite des serveurs qui voient débarquer à 16h00, un renne géant et trois freluquets ultra lookés et mal réveillés, met tout de suite dans l’ambiance. Après ça, Simon Taylor (24 ans, guitare/voix) disparaît vingt minutes dans la nature alors qu’il devait simplement s’acheter des clopes, James Righton (24 ans, synthés/voix), le petit brun beau gosse, ne se sent pas bien et se retire pour aller vomir dans sa chambre. Quant à l’inénarrable Jamie, assis juste à côté de nous, il nous demande de lui commander du canard et, en douce, un « gin tonic ». L’attachée de presse intercepte ses manœuvres à voix basse, et lui indique qu’il a assez bu hier. « Mais comment il peut être encore bourré à cette heure ci ? » On imagine bien qu’il n’est pas que bourré, et que les drogues de la veille fonctionne encore à plein régime. Pendant ce temps, la nouvelle recrue, le jeune batteur blond de 21 ans, Steffan, coiffé comme le chanteur de Kajagoogoo, regarde tout ça comme un spectacle de magie, entre émerveillement et incrédulité. Bienvenue dans un univers dégénéré, halluciné, rigolo et spontané, bienvenue chez les Klaxons !

Madchester again ?
Une semaine plutôt, on les voyait dans d’autres conditions. Après un concert parisien qui nous avait moyennement convaincus (la faute à un public mou du genou), on se rendait à Manchester pour ce qu’on croyait être un simple concert. En fait, après moult péripéties qui auraient pu nous couter la vie (on exagère à peine), on a droit à une rave, perdue au nord de Manchester, et s’étalant sur deux immenses hangars. Le projet s’intitule « The Warehouse Project » : y sont attendus Mylo et Erol Alkan, entre autres. Klaxons débarquent à une 1h30 du mat, frais comme des gardons. Dès le premier riff de leur désormais reprise culte du tube rave de 1992, « The Bouncer » de Kicks Like a mule, la foule délire. Paroles reprises en cœur, bâtonnets phosphorescents brandis dans les airs, des kids, très jeunes, déchainés avec de gigantesques lunettes sur les yeux : un fabuleux spectacle d’euphorie collective en technicolor ! Un groupe de trois ados habillés comme un Klaxons (cardigan, sweat fluo et tennis dorées) et particulièrement excités (ils viennent d’avaler des petits cachets), attire notre attention parmi la foule « ecstaziée ». On leur demande les raisons (non psychotropes) de leur engouement. « Ils sont comme nous, répondent-ils presque en cœur. Ils sont colorés, aiment la fête, ne se prennent pas la tête, mais en même temps on sent une vraie mélancolie. Bref, ils ont tout compris. » Plus loin, deux « papis » de 40 ans, arborant fièrement des tee-shirts de Primal Scream (Screamadelica) fatigués et des sifflets neufs nous expliquent : « On a l’impression de revivre notre jeunesse. Normalement, quand on vit un revival d’un truc qu’on a déjà expérimenté, c’est qu’on se fait vieux, mais là, Klaxons nous redonnent nos 15 ans. Le pied ! ».

Fluokids
Ces propos font écho à l’analyse de Jim Jonze, journaliste freelance né en 1980 bossant pour ID et The Guardian, et considéré outre manche comme le nouveau Lester Bangs. Il est l’auteur de la couverture du NME consacrée au groupe en octobre dernier, qui montre le trio croquant des gros smileys et clamant « This country needs us ». Tim nous confie par mail que « Klaxons sont en train de devenir énormes au Royaume-Uni. Ils ont une immense fanbase de kids totalement dingues qui débarquent depuis le tout début aux concerts avec des klaxons, des glowsticks et des sapes phosphorescentes. Je pense que la musique rave est réellement de retour, et de manière massive. C’est une réaction à tous ces corbeaux post-punk très sérieux qu’on a entendus récemment comme les Editors, Bloc Party. Les jeunes ont besoin d’un peu plus d’excitation dans leurs vies. Ils veulent faire la bringue et non s’asseoir toute la journée pour parler de leur avenir compromis. Les raves ont une identité forte centrée autour de l’hédonisme – comment ne pas vouloir une part de ça? »

Malentendu
Pourtant, le groupe se défend de toute appartenance à un courant néo rave dont se gausse le NME. « Je ne veux plus entendre parler de nu-rave, ça me dégoute. C’est vrai qu’il y a des éléments rave dans notre musique, mais la limiter à ça est faux. Se limiter à un genre, quel qu’il soit, est de toute façon profondément ennuyeux, voire dangereux,” explique James. Jamie, très sérieux dans son costume de renne et ses lunettes de soleil, renchérit à la table kitsch de la Taverne de Maître Kanter : « C’était une blague. Un journaliste nous a demandé si nous n’étions pas la “new wave” de la “new wave” du retour du rock, et j’ai répondu, pour plaisanter, et parce qu’on voyait de plus de « glowsticks » aux concerts : et si tu remplaçais le W par un R ? La presse est tellement en mal de sensation qu’elle s’est emparée de l’expression pour gloser dessus ensuite des pages et des pages. Nous voulions faire de la pop quand on a débuté, de la pop subversive, neuve, fraiche, dance, pas de la rave ».
Alors no new rave ? Certes les morceaux de Klaxons ont été enregistrés avec des instruments live, sans samples. Mais ils ont tous été remixés et en live, les Klaxons les enchainent sans blanc, en plus d’être adeptes du cut-up et des bras en l’air. Certes l’album est rock. Mais il est produit par James Ford du duo Simian Mobile Disco. James Ford, c’est le plus grand producteur anglais actuel : Test Icicles, les Mystery Jets et Arctic Monkeys sont passés entre ses mains qui ont officié auparavant auprès de Björk et frappé la grosse caisse des pionniers techno 808 State.

MDMA pop
Il y a bien quelque chose chez Klaxons de terriblement festif. Un autre concept que celui de nu-rave a d’ailleurs muri pendant notre escale à Manchester. Là ou les Arctic Monkeys faisaient du rock social, parlant de la vie de tous les jours, et les Libertines du punk sous crack, les Klaxons, eux, ont inventé la « pop MDMA ». Rock’n’roll dans sa forme, ses refrains et ses chœurs, mais qui se danse, et donne envie de prendre son voisin par le bras. Là où le rock des Libertines demandait à l’Anglais moyen de se trouver une petit-amie aux faux airs de Kate Moss (pas gagné vu le niveau physique de la Londonienne de base) et de porter des copies d’Hedi Slimane de chez Topshop (le H&M anglais, déjà très cher), pour au final se délecter seul, dans un plaisir égoïste (les effets du crack), la musique des Klaxons, elle, est complément hédoniste. Elle pousse à se lever de son siège et à aller vers l’autre, mais aussi à s’évader. Les paroles de Myths of the Near Future ont été inspirées par le livre du même nom de JG Ballard : « C’est une collection de dix nouvelles qui sont autant de visions du futur. Il y a une histoire sur un homme convaincu que la femme qu’il aime, un mannequin en plastique, est réelle. Nous sommes très friands de ce genre de choses. Nos paroles sont tout sauf réalistes. Le réalisme c’est l’ennui total. La pop doit encore être un moyen de s’évader, de s’imaginer qu’ailleurs il y a un monde meilleur et encore plus barré. » D’où des textes surréalistes (qui mettent en scène un magicien amoureux, des créatures mi hommes-mi chevaux et l’histoire de la trajectoire de l’éjaculation), sur des rythmes débraillés qui ne sont pas sans rappeler l’acid rock des Happy Mondays, même si musicalement, Klaxons ne sonnent comme personne. D’ailleurs Simon nous confie avoir reçu des Mondays en personnes un message sur myspace où ils se disaient fans des jeunots. La relève semble assurée.

Génération myspace
Sauf que contrairement aux Mondays, Klaxons, formé il y a à peine un an, n’a pas attendu de disque pour être énorme. Ils sont le symbole parfait d’une musique « immatérielle » (et téléchargée) connue par cœur par les fans avant que l’album sorte. « La plateforme Myspace a été essentielle dans notre développement. Dès qu’on enregistrait une démo, on la mettait en ligne. C’est un moyen de montrer qui tu es sans détour. C’est un point de contact organique avec les fans. On ne fait pas de pub, on ne demande pas aux gens de devenir nos amis. Mais les gens peuvent nous contacter directement, et on n’a filé le mot de passe à personne. A aucune maison de disque ». C’est que l’importance prise par internet dans leur succès météorique et « DIY » s’accompagne aussi d’une certaine défiance à l’égard des labels. Klaxons se sont fait sans les majors, tous seuls. Les offres (dont certaines mirobolantes, comme celle de Polydor qui se chiffrerait à 500 000 livres) sont venues plus tard. D’après Simon Taylor, « tous les labels anglais nous ont proposé un deal. On a nous a promis monts et merveilles. Mais les gens de maisons de disques sont des cons. La plupart sont des « hologrammes » : ils parlent beaucoup et ne font rien après. Ce sont tous des idiots plein d’illusions. Polydor, eux, étaient sensibles. Ils nous ont compris. »

La musique du futur
Qu’a compris Polydor exactement ? Que Klaxons avec leur Myths Of The Near Future était en train d’inventer la musique du moment, et celle de demain. Simon avoue d’ailleurs une passion pour la science-fiction : « Nous sommes obsédés par le futur, par ce qui va se passer, par les possibilités. C’est une forme d’optimisme. Nous prévoyons une trilogie : le premier album représente le futur, le deuxième le passé et le troisième le présent. » Ce n’est pas pour rien que l’album s’appelle « mythes du futur proche ». Il est l’ébauche, voire le manifeste d’une tendance qui prend de plus en plus d’ampleur : une pop rave qui envoie définitivement valser la « vieille » dichotomie entre « rock » et « techno ». A l’image de New Order et son « Blue Monday », les « Magick », « Gravity’s Rainbow » et « Atlantis To Interzone » de Klaxons sont de formidables pourfendeurs d’idées reçues. Les Anglais par qui le scandale se confirme : il n’y aurait absolument plus aucune raison de se réclamer d’une école. Les moyens (la pop d’aujourd’hui est produite par les machines de Timbaland) et les fins (faire suer le dancefloor ou la salle de concert) sont devenues les mêmes ! Klaxons se font remixés dance, bougent comme des Dj’s, s’habillent comme des clubbers. Car même l’habit ne font plus les moines : le jean slim et le sweat à capuche sont aujourd’hui devenus la tenue universelle du jeune teuffer comme du rockeur. Detect (membre actif du Klub des Loosers) fait partie de ces jeunes amateurs de crossovers. C’est un des premiers grands fans français des Klaxons. « J'ai immédiatement accroché quand j’ai acheté leur premier 45t (« Atlantis To interzone ») au printemps dernier. Au début je les aimais parce que c'était assez frais musicalement, que je m'identifiais à leur univers visuel, qu’ils étaient potes avec Test icicles, The Horrors, Metronomy, à savoir les meilleurs groupes anglais actuels. Et en me penchant un peu plus sur eux, j’ai découvert qu’on retrouve tout dans leurs morceaux. Du rock, de la pop, des mélodies super belles et un délire chant/choeur très original qui se marie parfaitement avec les claviers, sans compter le traitement de la batterie et des synthés de teinte électro, et un côté crade/old school très particulier. » Gildas, l’un des tenanciers de la Maison Kitsuné qui a sorti les deux premiers maxis de Klaxons, voit aussi en eux la musique du moment : « Le punk et la rave font partie de la culture populaire anglaise. En France notre culture populaire donne d'autre mélanges comme le Raï’n’b ou la chanson réaliste comique. Punk et rave c'est vrai que cela sonne risqué mais Klaxons arrive très bien à ce qu’avait déjà tenté le « happy hardcore » d'une certaine manière. » Ce que les journalistes (nous y compris) ont eu vite fait d'appeler « new rave » ne serait donc que l’autre nom de ce son « disco-rock » qui du « We are your friends » de Justice vs Simian au « Standing In The Way Of Control » de The Gossip remixé par Soulwax s’impose comme la vraie nouvelle donne des dancefloors. Les corbeaux post-punk peuvent donc aller se rhabiller (en fluo), les défenseurs de chapelles tomber la soutane de l’extrémisme musical : l’avenir de la techno passera par le rock, et celui du rock par la techno. Quand à la musique du futur, elle débute ici et maintenant, par un bon coup de Klaxons appelant à la communion.

Myths Of The Near Future
(Polydor/Because)
www.klaxons.net
www.myspace.com/klaxons

Citizen, Vitalic et les Penelopes - Article publié dans Trax en novembre 2006

2008-07-25T11:46:00.001-07:00

Citizen
Citoyens modèles

Habituellement, quand on part en voyage de presse, c’est pour New-York ou Londres. Pourtant, c’est bien à Dijon autour d’une dégustation (arrosée) de frites maison à la graisse d’oie, que notre dernière mission nous porte. Le but, rencontrer le petit label français qui -depuis 5 ans- n’en finit de monter, Citizen Records. Des citoyens français bientôt rois du monde !

« Avec Daft Punk, l’électro représentait une petite rivière en France. Aujourd’hui, on travaille dans une flaque » constate Fred Gien, ancien programmateur de l’Anfer à Dijon et co-patron de la petite structure Citizen fondée en 2001 par un autre Dijonnais, Pascal Arbez, alias Vitalic. Mais il ne faut voir dans cette réflexion aucun pessimisme. Les deux comparses partagent un enthousiasme communicatif ainsi qu’une passion pour « un son crade, sale, en dehors des sentiers battus. On voit Citizen comme un laboratoire d’expériences un peu malsaines, à l’encontre des prods léchées. Et en même temps, on aime quand ça tape, alors on met toujours du disco dans notre musique.» A son actif, le label peut se targuer d’avoir révélé John Lord Fonda, que Fred décrit comme l’équivalent musical du Canada Dry. « On dirait de l’alcool mais ça n’en est pas. John Lord, c’est pareil. Ca ressemble à de la techno, mais ce n’est pas de la techno ». En attendant de sortir un mix de Vitalic, qui devrait refléter l’ouverture d’esprit du label, This is the sound of citizen, Fred et Pascal nous reçoivent dans leur antre, le garage en sous-sol de la villa de Fred, où se retrouvent un stagiaire, un booker et un « porteur de flycases ». Plus lycéen, tu meurs !

Véronique Jeannot version électro
Avec la même ardeur avec laquelle il nous conseillait des vins blancs au restaurant, Fred nous fait écouter les signatures à venir : les français Teenage Bad Girl et The Micronauts. « Ecoute ça, Teenage Bad Girl, c’est Justice en plus disco. Et puis, attends, ça c’est leur reprise du « Aviateur » de Véronique Jeannot qui sonne comme du M83. Cette chanson a été écrite par Souchon et Voulzy !» Pas le temps de crier au génie qu’il fait déjà tourné son morceau du moment, signé les Micronauts. Vitalic avoue : « A chaque fois que je pars en tournée, Fred me fait des compils que j’écoute en route. Ca fait 6 mois que ce titre se trouve sur la compil des copains. » Pascal tape du pied en disant cela, pendant que Fred explique : « Je procède toujours comme ça, par des bombardements d’amour. » Loin des poses parfois blasées des petits labels parisiens, l’enthousiasme de la bande de Dijon, fait plaisir. Ici, on aime viscéralement la musique, comme le confirment ces deux pères de famille : « une fois qu’on a inoculé le virus, on doit vivre avec, et accepter de mal s’occuper de ses enfants ou de laisser le travail déborder sur la vie privée » s’amuse à moitié Pascal.

25 minutes de cithare à la plage
Il y a parfois, certes, des moments de découragement. « Le plus énervant, c’est quand tu sais que tu tiens un tube mais parce que tu ne fréquentes pas les bonnes personnes dans la capitale, ça ne marche pas. On a très mal vécu de ne vendre que 1500 disques de Juan Trip » explique Fred. Mais les coups de blues sont le prix à payer d’un positionnement en dehors du son dominant, la « minimale ». « On s’est toujours dit, depuis que j’ai commencé et que c’étaient toujours les mêmes qui jouaient : Oxia, The Hacker, moi... qu’on ne voulait pas écouter toujours la même chose. On veut du sang neuf, frais, même si il est crée par un quelqu’un d’ingérable (rires). Comme Juan Trip qui, une fois lors d’un festival tek sur une plage, a joué des morceaux à la cithare de 25 minutes avec une fille chantant « je veux te toucher ». Les clubbers voulaient le tuer ! », se souvient Pascal. Citizen a donc réuni en son sein, « une bonne famille de freaks », qu’il soutient coute que coute. Pascal regrette en effet que lorsqu’il était chez Gigolo, « il n’y avait pas de suivi, pas de coup de fil, et des décisions prises sans mon aval ; C’est l’inverse avec Citizen. On a un côté « crew », famille comme dans le hip-hop où on se déplace toujours entre potes. En fin de journée, on rentre à la maison, mais il n’est pas rare que tout le monde retourne au bureau vers 23h00. Alors, on s’ouvre des bouteilles de pinard, on met de la musique et on danse. Demain, on ira tous ensemble à la foire gastronomique de Dijon.»

Fidèles Penelopes
Les petits derniers arrivés dans la famille, sont les deux Parisiens de Penelopes, qui viennent de sortir un premier album électro-dark-pop sous haut patronage (ils sont copains comme cochons avec Agnès B et figuraient sur une compilation Gigolo). Le duo se félicite du bon esprit de sa nouvelle auberge. « Je ne vois pas trop quel autre label « techno » accepterait de sortir un single Cocteau Twinien et un album aussi « dance » qu’indie pop. Citizen eux comprenaient nos idées de composition, notre approche mélodique. Ils sont assez courageux à l’image de Vitalic qui fait ce qu’il veut. Comme The Hacker aussi, ils n’en ont rien à secouer de la dictature du DJ qui veut une intro dans les morceaux, par exemple. Nous, on a fait l’inverse de ce que les gens nous conseillaient : ne venir sur scène qu’avec un laptop. On mouille le maillot, et ça leur a plu. Citizen possèdent un feeling assez « rock’n’roll » dans l’esprit qui s’est un peu perdu.» Mais avec les 15000 cd’s vendus par le label dijonnais cette année, gageons que ce « feeling » devrait bientôt se répandre et les Citizen gouverner le monde…Si la moutarde ne leur monte pas au nez !

The Penelopes – The Arrogance Of Simplicity (Citizen/Nocture)
Vitalic – This is the sound of Citizen (Citizen/Nocturne)
www.citizen-records.com

Olivia Ruiz Interview Clubbing - Publié dans Trax en mars 2006

2008-07-25T11:44:00.001-07:00

Texte : Violaine Schütz

Olivia Ruiz

Petite fille du soleil

Olivia Ruiz, 26 ans, petite souris originaire de Marseillette (un village de 600 habitants dans l’Aude), accent chantant et sourire espiègle, est peut être ce qui ce fait de mieux, aujourd’hui, en matière de fille du Sud.

Enfant d’un musicien de bal-tenancier de bar, elle a fait la manche, chanté dans une chorale, joué la comédie, avant de se frotter au diable en allant à la Star’ac. Demi-finaliste singulière, n’hésitant pas à affirmer son goût pour le rock alternatif en direct sur TF1, elle a du se battre à la sortie du château pour gagner ses galons d’artiste. A force de détermination (elle a convaincu les artistes qu’elle aimait comme Mathias Malzieu de Dionysos, d’écrire pour elle), la Méditerranéenne a réussi à sortir deux albums très personnels, de chanson réaliste mais extraordinaire. Aujourd’hui, elle écume les salles de concerts, mais se refairait bien une petite free partie, un de ses quatre, après un petit coup de rouge.

Ton premier souvenir de club ?

Avec mon parrain et sa nana dans une boite de Carcassonne (le Xenon), à 14 ans. En fait, j’avais plein d’oncles plus vieux que moi, qui mangeaient tous les samedis soirs chez ma mamie et je les voyais tous partir en boite après le repas. J’étais verte d’impatience d’y aller moi aussi. Un jour, ils ont eu pitié et m’ont amené.

Ton premier concert ?

A 4 ans, à l’hôtel de la Cité de Carcassone, Jonasz ou Lavilliers, je ne m’en souviens pas trop, mais mes parents si : Je leur ai cassé les pieds, en réclamant une glace pour pouvoir me casser de ce concert que je trouvais très mauvais ! C’est à ce moment là qu’ils se sont rendu compte que j’étais une vraie mélomane (rires).

Tes meilleurs soirées ?

Une rave avec Manu Le Malin à Montpellier, en 1997. Ils avaient décoré le chill-out avec une toile de parachute, c’était très beau ! J’ai été une grosse fêtarde jusqu’à 19 ans. Pendant mon adolescence, j’ai fait pas mal de free parties à Montpellier. J’allais écouter Manu le Malin, Aladin, toute la clique de Penguin’s Records. Maintenant, le weekend, je suis en concert, et je peux plus sortir. 100 dates m’attendent cette année, et à chaque fois, je ne me couche pas avant 3 heures du mat ! Cette interview me file la nostalgie de mes années free parties. C’est pas bon, ça ! (rires)

Tes pires souvenirs ?

Quand j’accompagnais les petites sœurs des copines pour les sortir, leur servant de caution du haut de mes 21 ans, et que les videurs ne demandaient la carte d’identité qu’à moi, et pas aux filles de 14 ans, car j’étais petite et maigre. La honte !

Une chanson pour faire la fête ?

« Louxor » de Katerine et « Marcia Baila » des Rita. Sinon, avec mes copines, quand nos amoureux s’en vont, on se retrouve à la maison, on met les Têtes Raides à fond, et on danse.

Le premier disque acheté ?

J’ai acheté des disques très tard, je les piquais à ma famille pour me faire ma propre discothèque : les chanteuses des années 30 à mes grands pères, les disques de Nougaro à mon père, les Tom Waits de mon oncle. Sinon, j’ai découvert Joy Division grâce à Alain, le petit ami de ma meilleure amie Lydie depuis 14 ans.

Tes DJ’s préférés ?

Pone, Zebra et Miss Kittin. Désolée, je suis assez ringarde ! (rires)

Les derniers cd’s achetés ?

Les Gainsbourg en promo : mon père les a en vinyle mais ne veut pas me les donner. Sinon, un vieux Amon Tobin, sur les conseils de mon petit frère, qui écoute surtout du hip-hop, et qui m’a fait découvrir AntiPop Consortium.

Ta boisson préférée ?

Le vin rouge. Mais attention, pas n’importe lequel, du Corbière ou du Minervois, du vin de chez moi ! (elle force l’accent, ndr)

Ton truc contre la gueule de bois ?

Le coca avec plein de glaçons ; Plus jeune, avec une copine, on se disait, les lendemains de cuite : « Il ne faut pas qu’on aille boire direct à la bouteille de Coca, parce que sinon, les parents vont nous griller. »

La Femme Chocolat (Polydor / Universal)

les Shades - Papier paru dans Wad en novembre 2007

2008-07-25T06:33:00.000-07:00

Les Shades
Orange Mécanique

Les petits protégés de Bertrand Burgalat (le boss du label Tricatel) sortent un premier EP parfait, entre violence rock et poésie pop. Et si ces élégants minets du quartier popu de Nation coiffaient tout le monde au poteau ?

L’histoire est vieille comme le rock. En 2004, les Shades, cinq mignons garçons de l'Est parisien, s’ennuient au lycée et sur la foi de quelques références communes (Strokes, Beach Boys, Velvet Underground), forment un groupe. L’idée : un clavier psyché, une batterie carrée et des textes bruts chantés en français. « Quand on est jeune on ne se rend pas compte qu’il faut un immense talent et de l'expérience pour composer des chansons aussi simples que « I'm waiting for the man » du Velvet, alors on se met à singer ces trucs. Aujourd'hui les influences s'étendent à l’électronique pour les sons, au hip-hop pour les paroles, et à tous les groupes de rock qui ont des bonnes idées comme Arcade Fire, Electrelane. » Des bonnes idées, les Shades, 18 ans de moyenne d’âge, n’en manquent pas. Sur leur quatre-titres, qui vient de sortir chez Tricatel, le label qui abrite April March et Valérie Lemercier, il y a notamment l’impeccable « Orage Mécanique », son orgue fou et ses chœurs cristallins. « En théorie, je suis quelqu’un de très calme, en pratique je suis incontrôlable » y chante Benjamin, déchaîné, qui commente « La chanson est liée au film Orange Mécanique si on le voit comme une critique de la violence ». Mais sur scène, les Shades assurent pourtant le show en faisant preuve d’une rage rarement égalée tout en ne se parant que de blanc. Virginal ? « On cherchait un concept visuel qui marque les gens. Le blanc c'est l'idée de créativité sur laquelle on base tout ce qu'on fait. C'est la feuille blanche sur laquelle tout est possible d'écrire » explique Benjamin. Et chez les Shades, tout semble en effet permis. Y compris l’originalité. Car là où d’autres babyrockers se contentent de recycler les antiquités rock garage, le quintette étend le spectre et surprend. A 17 ans, ces gamins ont été biberonnés à John Coltrane et Dr Dre, ont lu Baudelaire, compris IAM et adoré Lost In Translation, s’inscrivant ainsi dans une génération décomplexée à laquelle, sans aucun doute possible, l’avenir appartient.

« Les Shades, EP » (Tricatel)
www.myspace.com/lesshades

the White Stripes - Nashville's dreaming (article paru dans trax en mai 2007)

2008-07-25T06:29:00.001-07:00

The White Stripes
Nasville’s dreaming

texte : Violaine Schütz

On leur doit le retour du rock et pourtant le duo binaire aux couleurs primaires ne se repose pas sur ses acquis : 10 ans d’hymnes de blues électrique sanguinaire et de country ravagée quand même ! A l’heure du sixième album, plutôt que de la jouer minimale comme tous ses descendants, Jack et Meg s’exilent à Nashville et sortent cornemuse et trompette. Sonnez hautbois, les derniers hérauts rock authentiques ont parlé.

Nashville, Tennessee, nous voilà ! Nashville, la ville de Johnny Cash et des stetsons. Des tiags en serpent et des blondes bonnet D(olly Parton). Pas loin, plane le spectre du King et des studios Sun. La ville est devenue le Disneyland de la country-music, mais un groupe se souvient de ce qu’elle a été avant la récupération par l'industrie : Ce groupe, c’est les White Stripes, derniers grands prêcheurs d’un blues vintage et primitif, joué façon flingue sur la tempe sous le drapeau étiolé.

Nashville, c’est là que Jack White, lassé par les affres de la célébrité gagnée dans sa ville natale, la sinistre Detroit, a élu domicile avec femme et enfant, tandis que Meg, elle, crèche à LA. C’est dans cette ville fantôme que les White Stripes ont enregistré leur sixième album, au Blackbird studio, en trois semaines (temps exceptionnellement long pour les Stripes qui bouclent leurs albums en quelques jours). Ils y ont accouché d’un disque hanté, littéralement habité par l’Amérique éternelle, celle de Jim Jarmusch et des marginaux, des mariachis coureurs de jupons à carreaux et des westerns spaghetti. Un film que Tarantino et son pote Rodriguez auraient pu écrire pour Neil Young, devenu acteur dans un road movie à l’eau de vie avec Metallica à l’arrière du truck en décomposition. C’est ce à quoi ressemble le rêve américain repeint et corrigé par Icky Thump! Jack et Meg, les enfants terribles du rock y jouent toujours le blues, mais font quelques entorses à leurs règles d’antan en ornementant leur country abrasive rudimentaire de décos heavy-métal expérimentales mais néanmoins sublimes.

Less is more
C’est que jusque là, la syntaxe des Stripes était plutôt minimaliste, voire rachitique ; Limitée à la règle des trois : le duo ne s’habille qu’en noir, rouge et blanc et n’utilise que la voix, la guitare et la batterie. Pas de basse, ni de technologie : Jack fait tout seul, des paroles à la prod, jusqu’à la promo. Le maniaque s’explique : « Nous avons crée notre propre monde, dans les marges, et on veut tout contrôler, quitte à passer pour des « control freaks » et des obsédés compulsifs. Tout ça, parce qu’on ne se pointe pas en jean et tee-shirts sur scène (rires). Et comme on ne fait rien comme les autres, on est forcément effrayant, dans le genre « rebelles avec la discipline ». Pourtant, on aime travailler avec les autres, collaborer. La vérité, c’est que c’est de la limitation volontaire que naît la vraie liberté créatrice. Si nous ne nous limitions pas, nous n’aurions aucunes idées, ou elles seraient trop faciles. S’en tenir à la guitare et à la batterie ainsi qu’à des règles strictes nous a forcés à être inventif. Nous n’avons pas évolué à ce sujet. »

Entorses au règlement
Jack voue une haine peu commune au mot « évolution ». Sur Icky Thump pourtant, qu’entend-on à côté du fameux duo guitare/batterie : un (vieux) synthétiseur, une cornemuse et une trompette ! « La cornemuse et la trompette sont jouées par des musiciens de Nashville. Pour le trompettiste, on voulait un vrai latino mariachi, je l’ai trouvé dans un restau mexicain. »
Quoi ? Les White Stripes ne seraient plus ces deux illuminés solitaires refusant toute aide extérieure ? Ce bloc monolithique prêchant l’économie à tout prix, défendant rageusement un rock binaire à la simplicité d’une efficacité implacable ? Auraient-ils, comme l’indiquait le titre de leur précédent LP (Range toi à mes côtés, Satan), vendu leur âme au diable ? Que nenni. Jack se justifie : « Il y a des choses plus compliquées que d’habitude sur ce disque. L’instrumentation ne repose plus seulement sur deux instruments joués en même temps, mais sur trois (rires). En ce sens, on a quelque peu brisé nos règles, oui ! Mais on ne peut quand même pas parler de « progrès », c’est toujours Meg et moi déconnant avec le blues et n’ayant d’autre ambition que celle de nous amuser ».

Quelques couleurs supplémentaires pourtant et de nouveaux joujoux sévissent désormais sur la marelle rouge et blanche de la cour de récré. Il y a notamment « Conquest », une chanson épatante. Un duel au sommet entre une trompette folle et une guitare de métal psyché, où le trompettiste latino joue le torero quand le riff hard-rock fait le taureau pour un tango destroy, entre parade amoureuse et mise à mort. Jack y conte l’histoire d’un Don Juan se retrouvant pris à son propre piège. « J’en connais plein des types comme ça, des séducteurs qui se font avoir, parmi mes amis » plaisante Jack, pour mieux faire avaler la pilule de ce morceau compliqué, très éloigné de la palette habituelle du duo. Sauf que « Conquest » n’est pas la seule à faire dans la dentelle plus que dans le confetti. En ouverture, la formidable chanson-titre « Icky Thump » et ses riffs à l’emphase très Led Zep enrichissait déjà considérablement le registre.

Jack se la raconte
C’est une certitude, déjà amorcée par le piano et les marimbas de Get Me Behind Satan : quelque chose a changé chez les White Stripes. Responsable de ce tournant toujours aussi reptilien mais plus charnel : Le déménagement à Nashville ? La paternité ? Le mariage avec un top model (Karen Elson, la rousse sulfureuse des pubs Yves Saint Laurent) ?
L’explication de Jack lui-même tient dans son infidélité à Meg. L’an dernier, ce grand enfant s’est offert un très beau jouet. The Raconteurs, sorte de super groupe avec son pote de Detroit- songwriter pop inspiré Brendan Benson. Alors que Get Me Behind Satan envoyait valser la guitare électrique au profit du piano, Icky Thump signe le grand comeback de la six cordes. « Dès que je fais quelque chose, ça influe sur ma façon de travailler. A chaque fois que je bosse avec quelqu’un, ça me change, et pareil pour les shows partagés avec un autre groupe. Je suis devenu un meilleur guitariste en tournant avec les Raconteurs. C’est pour ça que la guitare est si présente sur cet album. Avant, je n’aurais pas été à la hauteur pour les soli de guitare ! »
A côté de ça, on sent que Jack a écouté du heavy-métal. « Porter la musique électrique à son paroxysme, à son tournant le plus explosif, le plus puissant, c’est l’aspect du heavy métal qui m’intéresse. Je me suis notamment imprégné techniquement du speed métal ainsi que de groupes comme Black Sabbath, Deep Purple ou Metallica. » Jack aurait aussi écouté un peu de hip-hop. Par contre, il y a une chose que Jack et Meg n’ont pas entendue cette année, c’est le dernier LCD.

Even cowboys get the blues
« L’électro, ça nous semble froid et sans cœur. Ca m’effraie, ça ne transmet pas de vraies émotions. Les DJ’s qui passent « Seven Nation Army » ? Pfff, il faut bien qu’ils jouent des trucs de toute façon puisqu’ils ne font pas leur propre musique » ainsi se répand en clichés l’ami Jack, dans un rire machiavélique, soutenu par la jusqu’ici très silencieuse et étrange Meg White, assise élégamment en tailleur sur un canapé d’hôtel de luxe, du vernis carmin sur ses ongles de pieds nus : « A Detroit, il y a aussi le MC5 et les Stooges, plusieurs scènes cohabitent mais ne communiquent pas. La techno, c’est pas trop notre truc !»
Ils se foutent de la gueule de qui les White Stripes ? En cinq albums, ceux qui se moquent des clubs ont engendré des tubes à danser hallucinants. Les pires ennemis de la dictature du fun se sont un jour trémoussé sur « My Doorbell », « The Hardest Button to button », « Blue Orchid », « Fell In Love with a girl »…Quel autre groupe de rock peut se targuer d’avoir autant été joué par des DJ’s?
Ceux qui se vantent de n’utiliser aucun laptop mais seulement « le plus ancien synthé du monde, le premier à avoir été crée » (dixit Jack) réussissent ce que tous les vieux de la techno tentent avec Pro Tools. Un comble pour un groupe dont l’unique fierté réside dans la volonté de prêcher le blues. « La meilleure chose qu’on ait réalisé, c’est faire vivre le blues dans un autre monde que celui auquel il était confiné, c’est à dire le musée. Les White Stripes ont amené cette vieille musique aux fans de r’n’b, de techno ou de garage, ainsi qu’à la génération MTV. C’est ce qu’on a toujours voulu : jouer le blues, de façon spontanée, enfantine et innocente et que tout le monde l’aime. Car, toute la musique vient de là, elle vient du blues ». Certains lecteurs ne pourraient jamais se remettre de cette dernière sentence, mais oui, comme Jack a dit, on a bien tous en nous quelque chose de Tennessee…

Icky Thump (XL/Beggars)
www.whitestripes.com

Poni Hoax - article paru en avril 2006 dans Trax (c'était leur toute première interview)

2008-07-25T06:02:00.000-07:00

Texte : Violaine Schütz

Poni Hoax
Philo, sexe & rock’n’roll

Nicolas Ker, le chanteur-dandy de Poni Hoax parle comme le lapin d’Alice au Pays des Merveilles, et aime Patrick Juvet. Laurent Bardainne, le compositeur du groupe, adore, quant à lui, Robert Palmer. Faut-il pardonner leur mauvais goût ? Oui, parce que le premier album éponyme du quintet français, déjà plébiscité par Optimo et Morpheus en mix, est ce qui se fait de mieux aujourd’hui en électro pop post-punk hantée et lumineuse.

Il faut imaginer le tordant de la scène. Un dimanche ensoleillé, 19h30, dans un des derniers bistrots de Montmartre ayant résisté à l’invasion d’Amélie Poulain, pendant que des petits vieux jouent au billard, Nicolas, chanteur de Poni Hoax, trois bières dans le gosier, se lève au son des premiers accords d’«I Love America», met ses boots sur la table, enfourche des lunettes noires tout droit sorties de Délivrance, le film, et se met à hurler du Patrick Juvet. Ca, c’est juste avant de nous avoir livré sa théorie liant l'inertie du chaos à l'alcoolisme et d'embrayer sur Wittgenstein, comme symbole de l’échec.
Ce n’est pas tous les jours qu’une interview vire en débandade philosophico-potache, et il est bon de le noter. Car, ici, la pose n’est pas empruntée, elle n’est que l’expression d’une musique surprenante, décrite (un peu vite) par Feist dans le New York Times comme du «dark disco». Encore faut-il ajouter que ce punk bacchanal qui doit autant à Joy Division que Jacno, n’est jamais facile, ni trop référencé, mais d’une ambition musicale folle.
« Les musiciens d’aujourd’hui, explique Laurent, manquent d’ambition. Quand tu lis une interview de Franz Ferdinand, qu’on adore au demeurant, ils disent qu’ils savent que ça ne va pas durer, qu’il faut faire des singles. Je trouve cette lucidité, cette volonté de coller aux besoins du marché, flippante. » Nicolas poursuit : « Dans les 60’s, il n’y avait que des bons disques qui sortaient en même temps (les Doors, le Velvet, les Beatles) et c’était normal. Depuis deux décennies, dès qu’il y a un disque un minimum ambitieux comme Ok Computer ou Mezzanine, tout le monde crie au miracle. Pour moi, une des raisons de cette décadence, c’est que depuis les 80’s, et l’avènement du SIDA, il y a eu une désexualisation de la musique. Nous, on veut resexualiser le rock (d’où la fille nue sur la pochette de leur disque, ndr). Marre de ces mecs pas sex comme Interpol et de ces crevettes asexuées de chez Hedi Slimane ! »
Des propos ambitieux, mais Poni Hoax ont les moyens d’être exigeants. Des paroles philosophico-sexuelles originales d’abord, puis des mélodies hallucinantes empruntant à tous les genres. « On veut faire des disques intemporels. Nous venons du free jazz, du surf, et apprécions des choses aussi diverses que la no-wave, le classique, les Violent Femmes, les Stooges, Robert Palmer. « Johnny and Mary », quelle chanson ! »
Toujours à la lisière du mauvais goût, Poni Hoax font de la musique de backroom, mais rêvent de villa lumineuse et de clips avec Mariah Carey, dans lesquels ils laveraient (torse-nus) sa bagnole. «Mariah est géniale. Mais ma référence ultime c’est Céline Dion. Une femme qui s’habille en pharaon lors de son mariage avec René à Las Vegas, et décore sa maison de manière kitsch, moi, ça m’influence. Tout comme Paris Hilton. Elle me fascine. C’est la représentation parfaite de l’Occident. D’un côté, tu as Ben Laden, de l’autre Paris. Je suis en train d’écrire un livre portant son nom, qui traite de Dieu.» On sourit aux propos alcoolisés de Nicolas, en pensant que c’est rare que la musique soit aussi bonne que la descente, et que, pourtant, c’est le cas !

Poni Hoax (Tigersushi)
www.ponihoax.com

Interview de Gülcher - mai 2006

2008-07-25T06:00:00.001-07:00

Gülcher

Certes, les quatre membres de Gülcher ne payent pas de mine. Pas de coupe de cheveux étudiée à la Strokes, pas de jean slim qui moule les burnes, pas de boots pointues trainées dans la coke, juste quatre gars (trente de moyenne d’âge), un Anglais et trois Parisiens, avec qui vous auriez pu prendre, sans vous en rendre compte, un demi dans un pub. Sauf, qu’une fois sur scène, l’évidence s’impose : souplesse mélodique, raffinement des chœurs, énergie punk, chant en anglais tête à claques et maniéré façon Morrissey, le quatuor semble avoir fait ses classes chez les grands : Roxy Music, Orange Juice, Gang Of Four, Wire. Mieux : leurs hymnes de pop complexe, lettrée et dansante les placent en meilleurs concurrents français des excellents étalons p-funk de Warp, Maxïmo Park. Paris tiendrait-il enfin son premier groupe d’art rock ?

R : Quel a été pour chacun de vous le parcours qui vous a amené du statut d’auditeur à celui de musicien ?

Alex (batteur) : Les Pixies ont été le déclic. Doolittle plus exactement.
Laurence (chanteur) : On peut arrêter l’enregistrement de l’interview ? (rires)
Alex (bassiste) : J’ai grandi en écoutant beaucoup de rock indé américain comme Sonic Youth et Pavement. J’ai appris à jouer de la guitare en autodidacte. Je ne suis pas un vrai bassiste, c’est pour ça que j’ai un jeu de basse étrange.
Sandri (guitariste) : pour moi, ça a été, comme pour beaucoup les Beatles, et plus particulièrement la chanson « I’m only sleeping » qui m’ont fait découvrir la musique. Ensuite il y a eu les chansons des Sex Pistols et des groupes plus pointus comme Pere Ubu. Aujourd’hui, j’aime le rock bizarre. En ce qui concerne ma formation, j’ai fait une école de musique à l’âge de 12 ans. Au départ, je voulais jouer de la contrebasse, et finalement il n’y en avait pas dans cette école, alors je me suis rabattu sur la guitare classique. J’ai joué dans plusieurs groupes, dont le duo Deluxe & Faem. On a sorti un album en hommage à Delon-Melville en 2004 sur le label Euro-visions (qui réunissait les très branchés April March, Ariel Wizman et St Etienne, ndr). On a aussi bossé avec Rubin Steiner.
Ronan (batteur) : Moi, j’ai commencé le piano à 7 ans, mais ça n’a pas donné grand-chose. La musique est venue avec Joy Division. Je me suis dit : Si eux peuvent jouer de la guitare, je peux y arriver ici, moi aussi ! La batterie est venue plus tard, un peu par hasard.
Laurence : en Angleterre, je faisais partie des seuls gamins qui écoutaient de l’indie pop à mon école. On filait en douce pour aller voir des concerts de Felt (le dernier à Londres) et de Spacemen 3. C’était juste avant que les jeunes s’intéressent à l’indie pop avec les Stones Roses à la fin des années 80, et au début des 90’s. Mais c’est surtout grâce à la presse musicale anglaise - aussi bien Smash Hits et Number One que le Melody maker et le NME - et au Lipstick Traces de Greil Marcus et à Lester Bangs que j’ai fait mon apprentissage. J’étais obsédé par l’idée de la chanson pop et je lisais tout ce que je pouvais sur le sujet.

R : Comment vous êtes-vous rencontrés ?
L : J’avais écrit des paroles pour un morceau de Deluxe & Faem avec Sandri, qui se situait entre Patrick Juvet et les Sparks. La chanson, « L’unabomber de l’amour » a été refusée, mais on a continué à faire des morceaux, avec plus de Sparks et moins de Patrick Juvet. Et Sandri connaissait déjà les deux autres.
S : On s’est formé en 2003, mais avec un autre batteur. On a changé la batterie quand Ronan, un ami, est revenu d’Angleterre.
R : Je connaissais Sandri depuis 1995, il était même témoin à mon mariage.

R : D’où vient votre drôle de nom ? C’est un mot qui n’existe pas…
L : Quand on a commencé, il y avait tous les groupes de l’après-Strokes, avec des noms en « The ». On voulait éviter de rejoindre le clan. « Gülcher » est en fait un jeu sur le mot « culture », mal prononcé. Après avoir lu Lester Bangs, je me suis intéressé à ses amis rock-critics, et parmi eux, il y avait Richard Meltzer (un des premiers grands journalistes de rock, ndr), qui a écrit l’ouvrage culte The Aesthetics of rock et un autre Gülcher.
Le seul rapport entre notre musique et ce bouquin, c’est que le livre raconte des petites histoires, en prenant pour point de départ des choses assez banales, comme les coupes de cheveux des chanteurs de country ou les packaging des chewing-gum pour les transformer en art. On essaie de faire pareil.
S : Ca peut sembler prétentieux de s’appeler « culture », mais pour se rattraper, on va faire une très belle chanson sur un paquet de chewing-gum.

R : Comment travaillez-vous ensemble ?
S : J’amène une partie de guitare et on construit le morceau à partir de là. Après chacun dit qu’il faut déplacer telle ou telle partie pour la placer après une autre. Parfois certains morceaux prennent très longtemps à écrire. « Providence » par exemple a pris été très longue à mettre en place, parce qu’on la beaucoup remaniée. Nos chansons évoluent sans cesse.
L : Ce qui est horrible c’est de s’ennuyer, notamment sur scène, donc on essaye d’enrichir le plus possible nos morceaux. On se lasse plus vite du binaire et du primaire. Mais pour notre manière de bosser, le processus est très égalitaire : chacun à sn mot à dire.
A : On ne touche pas trop aux paroles quand même ! (rires)
L : Si, si, il y a eu des fois où Sandri a dit non à certaines paroles comme « c’est la loose à Strasbourg ». Il a crié : « non, pas de paroles en français ».
S : C’est vrai ! Et je ne voulais pas non plus de ta chanson sur la scarification…

R : Quels sont vos partis pris musicaux : faire de la pop complexe, du rock réfléchi mais dansant ?
S : Faire ressortir des sentiments qui sont un peu enfouis dans la pop, qui ne semblent pas évidents au départ mais peuvent se révéler populaires au final. Le morceau « The Writers » par exemple dure six minutes, dont certaines sont vraiment tarabiscotées, mais elle est finalement accessible. Enfin, j’espère qu’elle l’est !

R : Avez-vous des influences communes ?
L : Roxy Music, qui sont dans le schéma de chansons qu’on aimerait faire, et tous les groupes dans leur lignée comme les Smiths et les Stranglers.

R : Laurence, peux-tu me parler de tes textes ?
L : Ils ne sont pas forcément autobiographiques. Il y a des jeux avec la narration, des dialogues. L’idée c’est que l’auditeur ne comprenne pas tout à la première écoute, mais seulement des bribes. On essaie de faire des chansons à clé pour que les gens (et nous) ne s’en lassent pas trop vite. J’aimerais m’éloigner de plus en plus des paroles sur moi en train de pleurer quelqu’un, mais c’est difficile d’écrire des petites histoires ne me concernant pas, tout en leur donnant une richesse émotionnelle. Bref, j’y travaille.

R : Qu’est ce qui vous agace dans les critiques parues dans la presse ?
L : Les comparaisons avec Bloc Party ou les Rakes. On n’a jamais entendu un seul morceau de Bloc Party, alors c’est drôle.
S : On nous compare aussi souvent à Gang of four. Je viens de comprendre il y a quelques jours pourquoi : Il parait qu’ils étaient calmes sur disque, et qu’ils se déchainaient sur scène.
A : Quel est le rapport avec nous ?
S : Ben, l’énergie rock’n’roll destroy sur scène.
A : Non, c’est surtout la basse en fait, qui justifie la comparaison à Gang of Four ! (rires)

R : Sur la pochette de « You girls », on a affaire à un design abstrait à l’esthétique constructiviste et sur celle de « Providence », à une femme allongée sur un lit dans une chambre d’hôtel, vous ne vous montrez jamais ?
L : A la base on avait une autre pochette qu’on avait commandée, et qui ressemblait à un vagin, c’était nul. Alors on a été dépanné par un pote.
S : Le type qui avait réalisé la première pochette a récemment avoué que c’était un cerveau qu’il avait voulu représenter. Rien avoir avec un vagin donc !

R : Ces pochettes témoignent-elles d’une volonté de se mettre en retrait pour signaler que seule la musique compte ?
R : Disons qu’à nous quatre, nous n’avons vraiment d’image. (rires)
L : Blague à part, oui, c’est exactement ça !

R : En même temps, vous essayez de renvoyer une image assez classe (costards, les chemises…), pourquoi ?
S : Parce qu’être sur scène, c’est comme au théâtre. On joue des personnages, le costume donne un côté dandy.
L : Le costume Guerrisol c’est aussi quelque chose d’égalitaire. Enfin, c’est toujours moins cher que de s’habiller chez Hedi Slimane.

R : Vous avez joué dans les mêmes salles (Triptyque, Bar Three à Paris) que les Second Sex, Naast, Brats dont on parle beaucoup en ce moment. Que pensez-vous de la scène rock parisienne des petits jeunes de 15 ans ?
S : Je pense qu’un gamin n’a rien à dire. Un groupe de vieux comme les Stranglers avaient des choses à raconter, du vécu. Ce jeunisme est agaçant. Il ne faut pas trop gâter les groupes, ne pas tout leur donner tout de suite. Il faut une certaine dose de souffrance ou du moins d’attente, pour faire de bons morceaux.
L : Mais ce n’est pas parce qu’ils sont jeunes qu’ils n’ont rien à dire, c’est parce qu’ils sont français ! (rires) Le problème, c’est surtout, que tous ces groupes sont dans la même imagerie, dans les mêmes références rock’n’roll. Ils sont dans un système qui consiste à se jauger et à se faire accepter selon les noms que les autres citent. Ils aiment le punk, mais ils n’utilisent pas ce mouvement comme clé d’accès pour exister de manière plus intelligente. Les gamins disent qu’ils lisent Lester Bangs sur leurs blogs et écoutent ceci et cela parce qu’il faut l’écouter, ils s’habillent en fonction de ce que tel ou tel groupe portait en 1976, mais ils oublient de parler des chansons. Je n’ai jamais entendu un groupe venu me dire : on a telle chanson, elle déchire ! Alors que nous, notre démarche est de penser aux chansons avant tout. Ca revient à ce que tu disais sur les pochettes. On ne veut pas dire : le rock est ceci, ou cela. On essaie juste de faire de l’art. Je vais avoir l’air snob là, mais ce n’est pas de ça qu’il s’agit. On ne dit pas : « aimez-nous, parce qu’on aime ça » !
A : On essaie surtout de ne rentrer dans aucune case. Or, de nos jours, c'est assez flagrant que beaucoup de groupes jouent la revendication à des tribus: mods, punk, rock'n'roll, post-punk, new-wave, indie... Nous, on s'en branle de tout ça, du moment que ça sonne. La chanson, rien que la chanson et ceux qui ont peur dès qu'on sort des limites d'un genre musical, ne vont pas être déçus !

R : Et le courant art-rock qui vient d’Angleterre avec ces groupes qui sortent des beaux-arts comme Maxïmo Park, ce n’est pas une « étiquette » qui vous conviendrait ?
L : Hélas en France, il n’y a jamais eu ce mouvement art-school.
R : En même temps, on n’a jamais fait d’école d’art. On est prof de lettres, journaliste, pharmacien, à côté de la musique. Personne n’a fait d’études d’art.
L : La situation en France pour la musique est assez difficile. Un groupe comme les Smiths n’aurait jamais existé en tant que groupe de pop en France s’il n’y avait pas eu les Inrockuptibles. Si les Smiths avaient été français, ils auraient été (mal) conseillés et se seraient mis à faire du ska festif ou du reggae.

R : Vous avez été remixés par Krikor (DJ parisien connu pour ses remixes de Gainsbourg sur la compilation électro I Love Serge, ndr), êtes-vous intéressés par les musiques électroniques ou d’autres remixes ?
S : Oui, et puis Krikor habite dans ma rue. Non, en fait, dans Gülcher, il y a une influence cachée du krautrock, de Kraftwerk, de Can. On est donc assez ouvert pour être remixé et trituré dans tous les sens.

R : Quel a été votre meilleur souvenir de concert ?
A : Récemment à l’Ultrason de Cherbourg, le public pogotait et dansait vraiment. Il y avait un dialogue entre ces jeunes et nous. C’était génial !
L : Après notre concert au 9 Billards, ou on n’on n’avait pas la basse, donc notre set était assez punk, et l’écrivain Chloé Delaume (cf Redux numéro…) est venue nous voir après pour nous dire que ça lui avait fait penser à un concert des Happy Mondays au Bataclan début 90. J’étais fou de joie ! (Chloé Delaume mentionne d’ailleurs ce concert de Gülcher dans son roman, Certainement pas, Editions Verticales, 2004, ndr)
S : Pour moi, c’était un concert assez désastreux au Glazart devant 300 personnes dépitées, où on avait beaucoup trop bu. Et un homme d’une cinquantaine d’années est venu nous voir après le set en nous disant : « n’arrêtez pas la musique car vous êtes vraiment géniaux en live ! »
L : On avait des bouteilles sur scène qu’on refilait au public. Musicalement, c’était un vrai désastre ! Après ce concert on a d’ailleurs décidé d’arrêter de boire. Avant et pendant les concerts (on continue à boire après). Depuis, on s’est nettement amélioré !

Ep dans les bacs : “You girls” (Future Now/Coming Soon)
Album à venir : After Nature (Future Now/Coming Soon)

www.gulcher75.com